Avalon

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Avalon entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Compass Point Studios, Nassau, auf den Bahamas. Roxy Music arbeiten an einem Stück, das noch nicht fertig ist. Der Produzent Rhett Davies und Bryan Ferry machen eine Kaffeepause, und aus einem anderen Raum hören sie eine Frau singen. Sie gehört zu einer Band aus Haiti, die im selben Haus aufnimmt. Sie heißt Yanick Étienne.

Davies hat die Szene später so beschrieben: „Wir dachten: ‚Wow! Was für eine Stimme! Sie muss unbedingt Backing Vocals singen.‘“ Étienne kam herüber und sang ihre Linie über den Titelsong: eine hohe, klagende Stimme, die über allem schwebt.

Ferry singt noch einmal

Was dann passierte, erzählt Davies so: Ferry war von Étiennes Gesang so gepackt, dass er seine eigene Stimme noch einmal richtig einsang. Davies hatte diesen Blick bei ihm nach eigenen Worten noch nie gesehen. Aus dem Stück, das bis dahin nicht fertig werden wollte, wurde der Titelsong, und für Davies das Stück, das die Platte vollständig machte.

Hört man „Avalon“ heute, ist Étienne das, woran man sich erinnert. Ferrys Stimme ist zurückhaltend, fast gemurmelt. Ihre steigt darüber auf, als käme sie aus einer anderen Richtung. Es ist ein Zufall, der klingt, als wäre er geplant.

02Wie Avalon entstand

1982 waren Roxy Music nur noch drei: Bryan Ferry, der Saxofonist Andy Mackay und der Gitarrist Phil Manzanera. Brian Eno war seit 1973 weg, der Schlagzeuger Paul Thompson seit 1980. Die Band hatte 1981 mit ihrer Version von John Lennons „Jealous Guy“ ihre einzige Nummer eins in Großbritannien gehabt. Man hätte so weitermachen können. Stattdessen wurde es stiller.

Ferry begann mit dem Schreiben im Westen Irlands, in Crumlin Lodge, zusammen mit Lucy Helmore. Die eigentliche Arbeit fand aber im Studio statt. Manzanera hat erzählt, dass „90 Prozent davon im Studio geschrieben wurden“, und dass die Band dafür ihre ganze Arbeitsweise umstellte.

Drei Studios

Zuerst entstanden in den Gallery Studios in Chertsey, südwestlich von London, Ideen und Grundspuren, gebaut um einen Linn LM-1, einen der ersten Drumcomputer mit echten, aufgenommenen Schlagzeugklängen. Dann ging es nach Nassau, in die Compass Point Studios, wo die Stücke mit Studiomusikern ausgearbeitet wurden. Am Schluss kamen Overdubs und Mischung in der Power Station in New York.

An der Platte spielten viele mit, die man nicht auf dem Cover sieht: Andy Newmark am Schlagzeug, Neil Jason und Alan Spenner am Bass, Neil Hubbard an der Gitarre, Jimmy Maelen an der Perkussion, Paul Carrack am Klavier. Produziert haben Rhett Davies und die Band selbst. Am 28. Mai 1982 erschien das Album und stand drei Wochen auf Platz eins in Großbritannien, auch in Kanada, Australien, den Niederlanden und Skandinavien. In Deutschland kam es auf Platz vier.

03Der Klang

Wenn es eine Platte gibt, die HiFi-Händler seit vierzig Jahren gern auflegen, um eine Anlage vorzuführen, dann ist Avalon eine der ersten, die genannt werden. Das hat Gründe, und die meisten tragen Namen.

Gemischt hat Bob Clearmountain in der Power Station, einer der gefragtesten Toningenieure jener Jahre. Das Mastering machte Bob Ludwig bei Masterdisk in New York. Zwischen beiden liegt eine Platte, auf der jedes Instrument seinen eigenen Platz hat und nichts sich gegenseitig verdeckt. Das Schlagzeug ist leise und präzise, der Bass rund und tief, Manzaneras Gitarre setzt kurze, helle Tupfer, Mackays Saxofon kommt von weiter hinten.

Luft

Was man auf Avalon vor allem hört, ist der Raum zwischen den Tönen. Die Stücke sind langsam, oft nur halb so dicht, wie sie sein könnten. Hall liegt wie Nebel über allem, aber er verschmiert nichts. Ferrys Stimme steht vorn in der Mitte, ohne laut zu sein. Die Musik steht nicht zwischen den Lautsprechern, sondern dahinter und daneben.

Die Band hat den Klang später selbst weitergetrieben. 2003 erschien eine Super Audio CD mit einer 5.1-Mischung von Davies und Clearmountain. 2024 legte Clearmountain eine Mischung in Dolby Atmos vor, für die das Album für einen Grammy als bestes immersives Album nominiert wurde. Ferry sagte über diese Mischung, sie „klingt großartig“. Für die Atmos-Fassung tauchten sogar die Mehrspurbänder von „India“ wieder auf.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Zehn Stücke, zwei davon Instrumentals von kaum zwei Minuten. Sie stehen jeweils am Ende: „India“ folgt direkt auf den Titelsong, „Tara“ beendet die Platte. Beide sind wie Atempausen: Niemand singt, die Musik darf einfach weitertreiben, und sie geben der Platte ihre Form.

Dazwischen gibt es kaum Tempowechsel. „The Space Between“ hat einen tieferen Groove, „The Main Thing“ ist fast tanzbar, „Take a Chance with Me“ beginnt mit einem langen Vorspiel, bevor Ferry überhaupt einsetzt. Aber die Stimmung bleibt dieselbe: später Abend, ein wenig Sehnsucht, nichts Dramatisches.

Ein Stück aus einer älteren Zeit

„To Turn You On“ ist das älteste Lied auf der Platte. Es stammt aus den Aufnahmen zu Manifesto und war 1981 schon als B-Seite von „Jealous Guy“ erschienen. Für Avalon wurde es nur neu abgemischt. Dass man den Unterschied kaum hört, sagt viel darüber, wie geschlossen der Klang der Platte ist.

Kurt Loder schrieb im Rolling Stone, das Album „braucht lange, bis es zündet, aber am Ende zündet es“. Das trifft es. Avalon will nicht gleich gefallen. In Amerika kam es nur auf Platz 53, verkaufte sich aber über die Jahre so gleichmäßig, dass es die einzige Platte der Band wurde, die dort eine Million Mal verkauft wurde.

05Warum es einen Abend trägt

Rund siebenunddreißig Minuten, das ist kurz. Für manche ist das ein Grund, die Platte zu unterschätzen. Ich finde, sie ist genau so lang, wie sie sein muss.

Avalon ist eine Platte, die nicht unterbricht. Es gibt keinen Moment, an dem die Lautstärke springt, keinen Schrei, kein Solo, das sich vordrängt. Die Stimmung bleibt von „More Than This“ bis „Tara“ dieselbe.

Der Bogen

Am Stück gehört, bekommt die Platte ihre Form. Nach „More Than This“ und dem tieferen Groove von „The Space Between“ kommt der Titelsong, und bei „Avalon“ wartet man auf Yanick Étienne. Für mich ist das der Moment, auf den ich mich bei dieser Platte am meisten freue.

Viele kennen „More Than This“, manche noch aus dem Film Lost in Translation, in dem Bill Murray es in einer Karaokebar in Tokio singt. Die Stücke auf der zweiten Seite kennen die wenigsten. Am Stück gehört, wird aus ihnen ein einziger langer Abend am Wasser. Am Ende steht „Tara“, wieder ohne Gesang. Die Platte hört nicht auf, sie treibt einfach weiter.