Bitte Orca

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Bitte Orca entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Frühjahr 2009. Ein Album, das erst im Juni erscheinen soll, ist schon im Netz. Rund zwei Monate vor dem offiziellen Termin kursiert Bitte Orca als Leak. Das Musikblog Stereogum hört die Dateien und nennt das Ergebnis „umwerfend“. Für eine Band, die bis dahin vor allem als schwierig galt, ist das ein ungewöhnlicher Empfang.

Im Mai folgen zwei Abende in New York, die zeigen, wo diese Band inzwischen steht. Am 3. Mai holt David Byrne die Dirty Projectors in der Radio City Music Hall zu sich auf die Bühne. Fünf Tage später singen sie mit Björk in einer Buchhandlung in Manhattan, bei einem Benefizkonzert. Dave Longstreth hat dafür eigens einen neuen Liederzyklus geschrieben, für fünf Stimmen und eine akustische Gitarre.

Ein Titel nach Klang

Am 9. Juni 2009 erscheint das Album dann regulär, als erste Platte der Band bei Domino. Der Titel verbindet das deutsche Wort „bitte“ mit dem Schwertwal, der Orca. Eine tiefere Bedeutung hat Longstreth dafür nicht angeboten. Er sagte, ihm habe einfach gefallen, wie die beiden Wörter zusammen klingen.

Das passt zu dieser Platte. Sie ist voller Entscheidungen, die man zuerst nicht erklären kann und die sich beim Hören trotzdem richtig anfühlen. Eine Gitarre, die abbricht, wo man einen Akkord erwartet. Drei Stimmen, die sich eine Melodie teilen, statt sie gemeinsam zu singen. Und dazwischen Momente, die so eingängig sind, dass man vergisst, wie ungewöhnlich der Rest ist.

02Wie Bitte Orca entstand

Dirty Projectors waren lange das Projekt eines einzelnen Mannes. Dave Longstreth, geboren 1981 in Connecticut, hatte an der Yale University Musik studiert und seit Anfang der Nullerjahre Platten veröffentlicht, auf denen er fast alles selbst machte. Erst mit Rise Above von 2007 wurde daraus hörbar eine Band. Für dieses Album hatte Longstreth das Punk-Album Damaged von Black Flag aus dem Gedächtnis neu gebaut, ohne es fünfzehn Jahre lang gehört zu haben.

Auf der Tour dazu kamen die Menschen zusammen, für die Bitte Orca dann geschrieben wurde. Amber Coffman aus Austin war 2006 für die Konzerte eingestiegen, als Sängerin und Gitarristin. Angel Deradoorian stieß 2007 dazu, zunächst an Bass und Gesang. Am Schlagzeug saß Brian McOmber. Aus einem Studioprojekt war eine Gruppe geworden, die jeden Abend zusammen auf der Bühne stand.

Ein Geschenk an jede Stimme

Longstreth hat später erklärt, wie er an die neuen Songs herangegangen ist. Eine seiner Ideen sei gewesen, jedes Stück als eine Art Geschenk oder Hommage an einzelne Mitglieder zu beginnen. Er wollte, so seine Worte, deren Temperamente „in einzelne Nummern“ auseinanderfalten. Man hört das. Die Songs sind nicht für eine Band geschrieben, sondern für bestimmte Stimmen.

Die Besetzung auf der Platte ist entsprechend genau verteilt. Longstreth singt und spielt, Coffman und Deradoorian singen, Haley Dekle ergänzt bei fünf Stücken weitere Harmonien. Nat Baldwin spielt bei zwei Songs Bass. Dazu kommt ein Streichquartett, das der Bratschist Jordan Dykstra leitete, mit Caleb Russell und Andrew Todd an den Geigen und Anna Fritz am Cello.

Wer am Pult saß

Produziert hat Longstreth selbst. Als Toningenieur arbeitete Robby Moncrieff. Gemischt hat Longstreth zusammen mit Nicolas Vernhes, dem Betreiber der Rare Book Room Studios in Brooklyn, der auch mit Animal Collective und Deerhunter gearbeitet hat. Das Mastering übernahm Joe Lambert. Es ist eine kleine Mannschaft für ein Album, das so vielschichtig klingt.

03Der Klang

Das Erste, was auffällt, ist der Gegensatz zwischen den Stimmen. Longstreth singt hoch, angespannt, manchmal fast überschlagend. Dagegen setzen Coffman und Deradoorian Harmonien, die wie aus einem Guss wirken und doch zerlegt sind. Schon seit Rise Above arbeitet die Band mit einer Technik, die man Hoquetus nennt: Eine Melodie wird auf mehrere Stimmen verteilt, jede singt nur einzelne Töne, und erst zusammen ergibt sich die Linie.

Die Gitarre folgt einer ähnlichen Logik. Longstreth spielt kaum durchgehende Akkorde, sondern kurze, verschobene Figuren, die abreißen und neu ansetzen. Das Schlagzeug von Brian McOmber hält das zusammen, ohne es zu glätten. Wo die Streicher dazukommen, klingen sie eher nach Kammermusik als nach Rockband mit Orchester.

Zwischen allen Schubladen

Kritiker haben für diese Musik eine erstaunliche Reihe von Vergleichen gefunden: David Byrne und Squeeze, Popstars wie Beyoncé und Mariah Carey, dazu Frank Zappa und Yes. Longstreth selbst hat sich von manchem davon deutlich abgegrenzt. Mit Yes könne er nicht viel anfangen, mit Steely Dan auch nicht, und Zappa lehnte er in drastischen Worten ab.

Die Nähe zu R&B und Pop dagegen hört man, vor allem in einem Stück. „Stillness Is the Move“ singt Amber Coffman allein, über einem federnden Rhythmus und einer Gitarre, die immer wieder in kleinen Schleifen wiederkehrt. Es war die erste Single des Albums. Man hat über Coffman geschrieben, dass sie mit ihrer weichen Stimme das Avantgardistische fast wie Chartmusik erscheinen ließ. Das trifft den Song genau.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Neun Songs, rund 41 Minuten. Das ist knapp für ein Album, das so viel ausprobiert. Kein Stück ist kürzer als „The Bride“ mit knapp drei Minuten, keines länger als „Useful Chamber“ mit sechseinhalb. Dazwischen wechseln sich die Temperamente ab, von denen Longstreth sprach: das nervöse „Cannibal Resource“ am Anfang, das weite „Temecula Sunrise“, das stille „Stillness Is the Move“, das zurückgenommene „Two Doves“.

Weil jeder Song einer anderen Stimme gehört, klingt die Platte nie gleichförmig. Und weil dieselben Menschen alle Stücke tragen, zerfällt sie trotzdem nicht. Am Ende steht „Fluorescent Half Dome“, fast sechs Minuten lang, ein Schluss, der sich Zeit nimmt, nachdem vorher kaum ein Stück zur Ruhe kam.

Das Jahr, in dem die Kritik überzeugt war

Die Resonanz war außergewöhnlich. Pitchfork gab 9,2 von 10 Punkten und schrieb von den Sprüngen, die Longstreth als Songschreiber und die Dirty Projectors als Band gemacht hätten. In der Jahresliste des Magazins landete das Album auf Platz 2, hinter Merriweather Post Pavilion von Animal Collective. Das Time Magazine setzte es ebenfalls auf Platz 2 seiner Alben des Jahres, der Rolling Stone auf Platz 6. Bei Metacritic steht es bei 85 von 100.

In den Charts blieb die Platte bescheidener. Im Billboard 200 kam sie auf Platz 65, bei den unabhängigen Alben auf Platz 12. Bis 2012 wurden in den USA rund 85.000 Exemplare verkauft. Später nahm Pitchfork das Album unter die 200 besten des Jahrzehnts auf, und seit 2011 steht es in der Buchreihe 1001 Albums You Must Hear Before You Die.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 41 Minuten ist das Album kurz genug, um es konzentriert zu hören, und lang genug, um sich darin zu verlieren. Neun Stücke, von „Cannibal Resource“ bis „Fluorescent Half Dome“.

Am Stück gehört, kommt das zur Geltung, was man beim Hören einzelner Songs leicht verliert: wie die Stimmen verteilt sind, wie eine Harmonie aus drei einzelnen Tönen entsteht, wie trocken und nah die Gitarre klingt. Ich finde, diese Platte braucht Ruhe und ein bisschen Lautstärke. Dann ergibt das Zersplitterte plötzlich eine Form.

Der Schluss

Am Ende steht „Fluorescent Half Dome“, fast sechs Minuten lang. Nach Stücken, die kaum zur Ruhe kommen, nimmt sich die Platte hier Zeit.

Kann Musik, die ständig abbricht, am Ende trotzdem wie aus einem Guss klingen?