Midnight Marauders

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Midnight Marauders entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Ein Keller in einem Wohnhaus. Kein Studio mit Glasscheibe, kein Mischpult mit Hunderten Reglern. Q-Tip hat hier seine Produktionsgeräte aufgebaut. Das Haus gehört der Großmutter von Phife Dawg. Sie hat Q-Tip einen eigenen Schlüssel gegeben, so hat Phife es später erzählt. Er kommt, wann er will, und arbeitet.

Large Professor, der an zwei Stücken des Albums mitgearbeitet hat, erinnert sich an diese Zeit ohne jede Hektik. Phife ist dabei, schaut ein Basketballspiel oder spielt ein Videospiel und hört nebenbei die Beats. Gefällt ihm einer, sagt er es. Zwischendurch holt man sich etwas zu essen, erzählt Witze, sucht Klänge aus. Nichts sei erzwungen gewesen, sagt Large Professor.

Ein Beat, gefunden auf dem Heimweg

In diesem Keller entsteht der Beat zu „Electric Relaxation“. Phife stößt auf ihn, als er von einer Reise nach Hause kommt. Unter dem Stück liegt ein Sample aus „Mystic Brew“ des Jazz-Organisten Ronnie Foster, eine ruhige, leicht schwebende Figur, die sich immer wiederholt. Daraus wird eines der bekanntesten Stücke der Gruppe.

Und noch etwas entsteht dort unten, das gar nicht für Tribe gedacht ist. Q-Tip arbeitet im selben Keller am Beat für „One Love“ von Nas, der wenige Monate später auf „Illmatic“ erscheint. Ein Kellerraum, aus dem Musik für zwei New Yorker Rap-Alben kommt. Man sieht ihm das nicht an.

02Wie Midnight Marauders entstand

„The Low End Theory“ war 1991 erschienen und hatte die Gruppe bekannt gemacht. Dann vergingen zwei Jahre. Phife hat diesen Abstand später als Druck beschrieben: Alle hätten wissen wollen, ob die drei es noch einmal schaffen. Als Q-Tip die Reihenfolge der Stücke festgelegt hatte, habe er ihn angeschaut und gewusst, dass es geklappt hat. Q-Tip kümmere sich um alles selbst, sagte Phife.

Aufgenommen wurde von Januar bis September 1993, in drei Studios in New York: Battery, Platinum Island und Sorcerer Sound. Produziert hat die Gruppe selbst, vor allem Q-Tip. Dazu kamen Skeff Anselm und Large Professor, der auch bei „8 Million Stories“ mitproduzierte und auf „Keep It Rollin'“ rappt. Gemischt hat wieder Bob Power, wie schon beim Vorgänger.

Eine offene Tür für Jarobi

Offiziell waren A Tribe Called Quest zu dieser Zeit ein Trio: Q-Tip, Phife Dawg und DJ Ali Shaheed Muhammad. Jarobi White hatte die Gruppe während der Arbeit am zweiten Album verlassen. Ganz weg war er nicht. Die Gruppe hielt die Tür für ihn offen, und er kam ins Studio, wann er wollte. Er selbst hat seine Rolle so beschrieben: Wer einen schlechten Tag hatte, bekam von ihm alberne Witze zu hören, bis alle lachten.

Der Titel stammt aus einer Zeile von Q-Tip in „Vibes and Stuff“ auf dem Vorgängeralbum. Ali Shaheed Muhammad hat ihn später so gedeutet: Die Gruppe seien Diebe von Klängen, die für die Ohren der Hörer auf Beutezug gehen. „Marauders“ heißt Plünderer. Gemeint sind die alten Platten, aus denen sie sich bedienten.

Gäste gibt es einige, aber keiner drängt sich vor. Trugoy von De La Soul singt im Refrain von „Award Tour“. Busta Rhymes, den „Scenario“ bekannt gemacht hatte, ist auf „Oh My God“ zu hören. Und auf „Midnight“ spielt Raphael Saadiq den Bass.

03Der Klang

Beim Vorgänger hatte Bob Power viel Mühe darauf verwendet, das Rauschen und Knistern der gesampelten Platten herauszufiltern. Diesmal bat Q-Tip ihn, das Geräusch drinzulassen. Die Samples sollten rauer klingen. Man hört das: Unter manchen Stücken liegt ein feiner Teppich aus Staub und Vinyl, der nicht stört, sondern Wärme gibt.

Gleichzeitig glänzt das Album mehr. Gemischt wurde an einem SSL-Pult statt am Neve des Vorgängers, und der Klang wirkt dadurch klarer und polierter. Rau und glatt zugleich, das klingt nach Widerspruch, ist aber genau die Mischung. Mark Ronson hat es im NME so beschrieben: nicht zu sauber, die Snares hätten noch ihren Knall, und doch habe es geklungen wie nichts zuvor.

Gestapelte Drums

Q-Tip legte mehrere Schlagzeugklänge übereinander und stimmte sie für jedes Stück anders ab. Laut müssen sie dabei nicht sein. Bei „Electric Relaxation“ hat er die Drums bewusst zurückgenommen, sie sollen kontrolliert klingen, aber jederzeit lauter werden können. Über „Award Tour“ sagte er dem Magazin Vibe: „Ich liebe die Drums auf ‚Award Tour‘.“ Das Stück baut auf „We Gettin' Down“ von Weldon Irvine auf, einem Jazzmusiker aus den Siebzigern.

Die Quellen reichen weit. „Oh My God“ nimmt ein Stück von Kool & the Gang. In „Lyrics to Go“ hält Minnie Riperton aus ihrem „Inside My Love“ einen ihrer extrem hohen Pfeiftöne, über die ganze Länge des Stücks. In „Sucka Nigga“ steckt eine verlangsamte Stimme aus dem frühen Hip-Hop-Film Wild Style von 1983. Jazz, Soul, Funk und die eigene Vorgeschichte des Rap stehen nebeneinander.

Colson Whitehead, damals Kritiker beim Spin, hörte im Zusammenspiel der beiden Rapper etwas, das „an die Spontaneität einer improvisierten Jamsession“ erinnere. Das passt zu einer Gruppe, die ihre Wurzeln im Jazz nie versteckt hat.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Das Album beginnt nicht mit einem Beat, sondern mit einer Stimme. Das erste Stück heißt „Midnight Marauders Tour Guide“, dauert 45 Sekunden und stellt einen Reiseführer vor. Diese Tour-Guide-Stimme kehrt am Ende mehrerer Stücke wieder und meldet sich kurz zu Wort. Sie ist ein kleiner Trick mit großer Wirkung: Aus vierzehn einzelnen Stücken wird eine Reise mit Haltestellen.

Das erste richtige Stück trägt den Namen von Steve Biko, dem südafrikanischen Aktivisten gegen die Apartheid. Gleich danach kommt „Award Tour“, die Single, das Stück, das viele zuerst kannten. Der Einstieg ist schnell und selbstbewusst. Danach wird es breiter: Es geht um gesellschaftliche Themen, um den Alltag, um Sport und immer wieder um das Reimen selbst.

Zwei Stimmen, getauschte Zeilen

Das Herz des Albums ist das Zusammenspiel von Q-Tip und Phife. Q-Tip ruhig, fast sprechend. Phife schneller, frecher, direkter. Bei „Electric Relaxation“ haben sie sich nach Phifes Erzählung die Zeilen getauscht: Jeder schrieb seine eigenen, und beim Aufnehmen sprachen sie sie über Kreuz. Daher das Hin und Her, bei dem man manchmal nicht sofort weiß, wer gerade dran ist.

Auf „Oh My God“ nennt Phife sich selbst mit Selbstironie einen Diabetiker. Er versteckt die Krankheit nicht, er macht sie zu einem Teil seines Auftritts.

Nicht alle waren überzeugt. Glenn Kenny schrieb im Rolling Stone, der Witz des Vorgängers sei „müden Prahlereien“ gewichen. Robert Christgau nannte es in der Village Voice spöttisch „intelligenten Easy-Listening-Rap“, bewertete es später aber höher als „The Low End Theory“. Talib Kweli hat zum zwanzigsten Jubiläum im XXL den Kern getroffen: „Sie waren so gut im Underground-Hip-Hop, dass es Pop wurde.“

05Warum es einen Abend trägt

Rund 51 Minuten, vierzehn Stücke. Das ist eine Länge, die gut in einen Abend passt und Raum lässt. Wichtiger ist der Bogen. Die Tour-Guide-Stimme hält das Album zusammen, sie gibt ihm Anfang, Zwischenstopps und das Gefühl, dass jemand die Route geplant hat. Genau das hat Phife gemeint, als er von Q-Tips Arbeit an der Reihenfolge sprach.

Die erste Hälfte ist zugänglich. „Award Tour“, „Electric Relaxation“ und „Oh My God“ sind Stücke, die viele kennen, auch ohne es zu wissen. Die zweite Hälfte ist dichter. „Keep It Rollin'“ mit Large Professor, „The Chase, Part II“, „Lyrics to Go“ mit dem hohen Pfeifton von Minnie Riperton. Man hört, wie die Platte sich nach innen wendet.

Das letzte Stück

Am Ende steht „God Lives Through“, gut vier Minuten lang. Kein Gast, keine Single, nur die Gruppe. Dann ist die Reise vorbei. Nach rund 51 Minuten wirkt das wie das Aussteigen an der Endhaltestelle: Man weiß, dass man unterwegs war.

Phife Dawg starb im März 2016 mit 45 Jahren an den Folgen seiner Diabetes-Erkrankung. Wer weiß, dass er auf diesem Album selbst darüber spricht, hört seine Stimme anders. Leichter wird sie dadurch nicht, aber deutlicher.

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