The Stone Roses

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie The Stone Roses entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Irgendwann während der Aufnahmen liegt das Band von „Waterfall“ auf der Maschine. Der Song ist fertig, eine helle, schnelle Nummer mit einer Gitarre, die sich immer weiter hinaufwindet. Dann wird das Band umgedreht und läuft rückwärts. Die Akkorde saugen sich ein, statt anzuschlagen, das Schlagzeug atmet in die falsche Richtung, und über allem liegt ein seltsamer, schwebender Sog.

Produzent John Leckie hat die Sache später ganz nüchtern beschrieben: Man habe das Band von „Waterfall“ genommen und es rückwärts abgespielt, „und daraus wurde ‚Don’t Stop‘“. Ian Brown sang über die umgedrehte Musik einen neuen Text, und aus einem Experiment wurde der vierte Titel des Albums.

Zwei Songs aus einem Band

Die Szene erzählt viel über diese Platte. Die Stone Roses waren eine Gitarrenband, die in den Sechzigern verwurzelt war, bei den Byrds, bei den Beatles, bei der Psychedelik. Sie waren aber auch eine Band aus Manchester im Jahr 1988, als in den Clubs der Stadt gerade House lief und die Leute die Nächte durchtanzten. Ein rückwärts gespieltes Band ist ein alter Trick aus den Studios der späten Sechziger. Was die Band daraus machte, klingt eher nach dem Morgen nach einer langen Nacht.

Wer das Album am Stück hört, bekommt beide Fassungen direkt hintereinander: erst „Waterfall“ als dritten Song, dann „Don’t Stop“ als vierten. Man muss nicht wissen, woher der zweite kommt. Aber wenn man es weiß, hört man ihn anders.

02Wie The Stone Roses entstand

Als die Band 1988 bei Silvertone unterschrieb, einem Ableger der Londoner Firma Zomba, war sie in Manchester schon seit Jahren bekannt, aber nirgends sonst. Es gab einige Singles, eine davon produziert von Martin Hannett, und seit Ende 1987 den Bassisten Gary „Mani“ Mounfield, mit dem sich der Groove der Band spürbar veränderte. Geoff Travis von Rough Trade, der die Band ebenfalls haben wollte, schwärmte später vor allem von der Rhythmusgruppe, sie sei „so ein elastisches, tanzendes Wesen“ gewesen.

Wie viele Songs es damals wirklich gab, ist eine eigene Geschichte. Ian Brown hat erzählt, man habe der Plattenfirma gesagt, „wir hätten etwa 30 oder 40 Songs“. Tatsächlich seien es etwa acht gewesen. Den Rest schrieben er und John Squire nach eigener Aussage in wenigen Wochen, als die Aufnahmen schon liefen. Squire und Brown nahmen die Ideen zu Hause auf einem Fostex-Mehrspurgerät auf und brachten sie ins Studio mit.

Nachtschichten in London

Als Produzenten holte Silvertone John Leckie, der zuvor unter anderem XTC produziert hatte. Die Aufnahmen begannen in den Battery Studios im Norden Londons, einem Studio der Plattenfirma, in dem die Band zunächst vor allem nachts arbeitete, wenn die Räume günstig zu haben waren. Die ersten vier Stücke waren nach rund zehn Tagen fertig, und alle Beteiligten wollten weitermachen. Später kamen Sessions im Konk-Studio in London, im Coconut Grove in Stockport und in den Rockfield Studios in Wales dazu. Sound On Sound nennt insgesamt 55 Arbeitstage zwischen Herbst 1988 und Frühjahr 1989; andere Quellen setzen den Beginn schon im Sommer 1988 an.

Leckies wichtigster Beitrag war nicht der Klang, sondern die Form. Er selbst hat gesagt, er habe die Songs mit der Band geprobt und umgebaut und ihnen „Intros und Outros und gleichmäßige Tempi“ gegeben. Viele Stücke hatten live einfach irgendwann aufgehört. Auf der Platte beginnen sie mit einem klaren Auftakt und enden an einer klaren Stelle. Bei „I Am the Resurrection“ riet er davon ab, die Live-Fassung zu übernehmen, weil sie auf Platte langweilig klingen würde. Die Band brauchte drei Tage Proben, bis der Song in seiner heutigen Form stand.

Einzelne Stücke gingen erstaunlich schnell. „Bye Bye Badman“ war nach einigen Stunden im Kasten, Squire spielte die zusätzlichen Gitarrenlinien in einer halben Stunde ein. Erschienen ist das Album im Frühjahr 1989 bei Silvertone.

03Der Klang

Leckie ließ die Band zuerst gemeinsam im Raum spielen, fast wie auf der Bühne, mit einem Gesang zur Orientierung. Von so einem Take blieb dann oft nur das Fundament übrig. Leckie hat das offen zugegeben: Man behalte vielleicht nur Bass, Schlagzeug und Rhythmusgitarre, „aber das sagt man ihnen nicht“. Die Gitarren wurden anschließend doppelt eingespielt, manchmal legte er eine akustische Gitarre unter die elektrische, die genau dieselbe Figur spielte. So entsteht dieser glitzernde, leicht verhangene Gitarrenklang, der das ganze Album prägt.

In den Battery Studios arbeitete der Hausingenieur Paul Schroeder mit, der vor allem aus der Tanzmusik kam und bis dahin eher mit Drumcomputern als mit einem echten Schlagzeug zu tun gehabt hatte. Das hört man. Renis Schlagzeug klingt trocken und nah, der Bass von Mani läuft beweglich darunter, nie dröhnend. Die Rhythmusgruppe klingt nach Funk und nach Club, auch dort, wo darüber Sechzigerjahre-Harmonien stehen.

Die Band war nicht zufrieden

Die Band selbst mochte das Ergebnis lange nicht. Brown und Squire wollten lautere Drums, mehr Bass und härtere Gitarren. Leckie führte das darauf zurück, dass sie im Studio ständig Public Enemy in voller Lautstärke hörten. Squire nannte das Album später „niedlich“, es sei nicht „fett oder hart genug“. Man kann diesen Einwand nachvollziehen, wenn man danach eine Hip-Hop-Platte von 1988 auflegt. Aber genau diese Leichtigkeit ist es, die das Album bis heute nicht altmodisch schwer klingen lässt.

Ian Browns Gesang ist dabei kein Kraftakt. Er singt leise, fast beiläufig, oft knapp am Ton vorbei. Leckie hat seine Takes zusammengesetzt, wie bei jedem anderen Sänger auch, meist aus etwa vier Durchgängen, und daran erinnert, dass es damals noch keine automatische Tonhöhenkorrektur gab. Die Stimme bleibt also so, wie sie ist: ein bisschen gelangweilt, ein bisschen überheblich, und gerade dadurch unverwechselbar.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Das Album beginnt leise. „I Wanna Be Adored“ baut sich aus einem einzelnen Bassmotiv auf, dann kommt die Gitarre, erst nach einer ganzen Weile die Stimme. Es ist ein Anfang, der sich Zeit nimmt, und er gibt die Richtung vor. Am Ende steht „I Am the Resurrection“ mit über acht Minuten: erst ein Song mit Refrain, dann ein langer instrumentaler Teil, in dem sich Gitarre, Bass und Schlagzeug gegenseitig hochschaukeln, bis die Band den Groove einfach auslaufen lässt. Das Schlagzeugintro dazu soll als Scherz über den Bass im Beatles-Song „Taxman“ begonnen haben.

Dazwischen liegt eine Folge von Songs, die sich ähnlich sind und doch jeweils eine eigene Farbe haben. „She Bangs the Drums“ ist hell und verliebt und wurde die erste Single der Band in den britischen Top 40. „Made of Stone“ ist dunkler und schwerer, mit einem Refrain, der sich weit öffnet. „This Is the One“ steigert sich langsam zu etwas Großem; seit den frühen 2000er-Jahren läuft der Song bei Heimspielen von Manchester United in Old Trafford.

Dreiundfünfzig Sekunden

Mittendrin steht das kürzeste Stück: „Elizabeth My Dear“, keine Minute lang, zur Melodie des alten englischen Volkslieds „Scarborough Fair“. Brown singt darin in wenigen Zeilen gegen das Königshaus an. Das Stück wirkt wie ein kurzer Blick aus dem Fenster, bevor die zweite Hälfte beginnt. Zusammen mit dem Cover, das auf den Pariser Mai 1968 verweist, zeigt es, dass hinter der Leichtigkeit dieser Band durchaus Haltung stand.

Die Kritik war sich anfangs nicht einig. Bob Stanley nannte das Album im Melody Maker „göttlich“, der NME gab zunächst sieben von zehn Punkten und setzte es am Jahresende trotzdem auf Platz zwei. In den USA blieb die Begeisterung aus; Robert Christgau hielt die Band für überschätzt. In Großbritannien kam das Album erst Anfang 1990 auf seinen Höchstplatz 19. Die große Wertschätzung kam später: 2004 wählte eine Umfrage des Observer es zum besten britischen Album überhaupt, 2006 setzte der NME es in seiner Liste der größten britischen Alben auf Platz eins.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 48 Minuten hat das Album eine gute Länge. Es fordert keine Geduld, es verlangt keine Vorkenntnisse, und es hat trotzdem eine Form. Der Anfang ist langsam. Die Mitte ist leicht und schnell, fast ein Popalbum.

Am Stück gehört, zeigt die Platte etwas, das ihr gut steht. Leckies doppelt eingespielte Gitarren klingen weich und hell, Manis Bass füllt den Raum, ohne ihn zu beschweren, und Renis Schlagzeug bleibt nah. Die Band wollte damals mehr Druck. Ich höre in diesem Album eher etwas anderes: eine Leichtigkeit, die man bei einem Debüt selten hat.

Für wen dieses Album passt

Für Menschen, die 1989 und 1990 jung waren und in Großbritannien oder in einem Indie-Club in Deutschland diese Songs gehört haben, ist das Album eine Rückkehr. Für alle anderen ist es der Anfang einer Linie, die über Oasis und viele andere britische Gitarrenbands der Neunziger weiterläuft. Man hört hier, woher dieser Klang kommt, noch bevor er zu einer Mode wurde. Warum diese Band nur zwei Alben gemacht hat, steht im Porträt der Stone Roses.

Am Ende steht „I Am the Resurrection“. Sein instrumentaler Teil ist lang genug, um darin zu verschwinden.

Wo waren Sie, als Sie zum ersten Mal gehört haben, wie ein Gitarrenalbum nach Club klingen kann?