Are We There

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Are We There entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Im Frühjahr 2014 ist Sharon Van Etten keine Unbekannte mehr. Zwei Jahre vorher ist ihr drittes Album Tramp erschienen, produziert von Aaron Dessner, dem Gitarristen von The National. Die Platte hat sie über die Clubs von Brooklyn hinaus bekannt gemacht. Die Kritik mochte sie, die Konzerte wurden größer, die Tourneen länger.

Mit dem Erfolg kommt eine Frage, die viele Musikerinnen kennen: Wer bestimmt eigentlich, wie meine Musik klingt? Auf Tramp hatte Dessner viel geprägt, und Van Etten war dankbar dafür. Für das nächste Album will sie selbst am Mischpult sitzen. Sie holt sich einen erfahrenen Partner, aber die Entscheidungen trifft sie.

Ein Titel ohne Fragezeichen

Am 27. Mai 2014 erscheint Are We There beim Label Jagjaguwar. Dass hinter dem Titel kein Fragezeichen steht, ist Absicht. Die Frage solle offen bleiben, erklärte Van Etten. Sie stelle sie sich ständig, für ihre Arbeit, für ihre Liebe, sogar für ihre Freundschaften. Es sei ein Wortspiel über das Touren, das Reisen und über das Gefühl, im Übergang zu sein.

Das Album kommt in den USA auf Platz 25 der Billboard-Charts, in Großbritannien auf Platz 27. Für eine Songschreiberin, die fünf Jahre vorher noch selbst gebrannte CDs verschenkt hatte, ist das viel. Bei Metacritic steht die Platte bei 86 von 100 Punkten, das Magazin Q setzt sie auf Platz 7 seiner Jahresliste, der Rolling Stone auf Platz 20.

02Wie Are We There entstand

Der Partner, den sie sich sucht, heißt Stewart Lerman. Er stammt aus der Bronx, ist Produzent und Toningenieur und hat mit sehr unterschiedlichen Leuten gearbeitet, von Patti Smith und David Byrne bis zu Antony and the Johnsons. Er hat Filmmusik für Martin Scorsese und Wes Anderson aufgenommen. Gemeinsam produzieren die beiden das Album.

Aufgenommen wird in zwei Studios: bei Hobo Sound in Weehawken, einer kleinen Stadt in New Jersey am Hudson, direkt gegenüber von Manhattan, und bei Electric Lady in New York, dem Studio, das Jimi Hendrix 1970 gegründet hat. Für Van Etten ist New Jersey vertrautes Gelände: Sie ist dort aufgewachsen.

Weg von der Gitarre

Die größte Veränderung hört man sofort. Auf den ersten drei Alben war die Gitarre ihr Werkzeug. Auf Are We There schreibt und spielt Van Etten viele Lieder am Klavier und auf dem Omnichord, einem kleinen elektronischen Instrument aus den frühen Achtzigern, das man mit einem Tastfeld streicht wie eine Harfe. Dazu kommen elektrische Orgel und Synthesizer.

Ihre Band bleibt dabei. Heather Woods Broderick singt die zweiten und dritten Stimmen, die Van Ettens Musik seit Jahren ausmachen. Der Saxofonist Stuart Bogie, der auch auf Platten von Arcade Fire spielte, bringt in „Tarifa“ einen Hauch von Soul in die Musik. Pitchfork schrieb, die Platte sei selbstbestimmter und stärker selbst gelenkt als alles, was sie vorher gemacht hatte.

03Der Klang

Das Album klingt langsamer und weiträumiger als sein Vorgänger. Das NME schrieb, die Lieder seien weniger zackig und feiner ausgearbeitet, mit so viel Raum, dass sie klar bleiben. Wo auf Tramp oft eine Band nach vorn drängte, baut Van Etten hier Stücke, die sich Zeit lassen.

Im Mittelpunkt steht ihre Stimme, eine dunkle, weite Altstimme, die sie inzwischen ganz beherrscht. Die Kritikerin Emily St. James schrieb im A.V. Club, hier sei eine Künstlerin am Werk, „die Stimme und Instrument voll im Griff hat“. Van Etten kann flüstern und im nächsten Moment so laut werden, dass die Lautsprecher an ihre Grenze kommen.

Kathedrale und Küchentisch

Will Hermes schrieb im Rolling Stone, Van Etten vergrößere ihr Lebensthema, den Zerfall von Beziehungen, auf die Größe einer Kathedrale. Er zog den Vergleich zu Nick Cave: Wie bei ihm enthalte ihre Dunkelheit viele Farben. Das passt zu Stücken wie „Your Love Is Killing Me“, das sich über sechs Minuten immer weiter steigert.

Daneben gibt es sehr kleine Momente. „I Know“ ist fast nur Klavier und Stimme. Nicht alle waren überzeugt: Tim Jonze fand im Guardian, manches bleibe im Rahmen eines soliden, aber gewohnten Indie-Rock. Er lobte aber die ungewöhnlichen Harmonien und das langsame, orchestrale Anschwellen.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Are We There erzählt keine Geschichte von Anfang bis Ende, aber es hat eine Richtung. Die ersten Lieder, „Afraid of Nothing“ und „Taking Chances“, handeln vom Mut, sich auf jemanden einzulassen. In der Mitte wird es enger und schmerzhafter. Mit „Your Love Is Killing Me“ kommt schon an dritter Stelle der schwerste Brocken.

Danach öffnet sich das Album wieder. „Tarifa“, benannt nach der Hafenstadt an der Südspitze Spaniens, gegenüber von Afrika, ist eines der wärmsten Stücke der Platte, mit dem Saxofon von Stuart Bogie. „I Love You But I'm Lost“ sagt schon im Titel, worum es der ganzen Platte geht: Liebe und Orientierungslosigkeit schließen sich nicht aus.

Zwei Perspektiven zugleich

Der Kritiker Philip Cosores beschrieb bei Consequence of Sound ein besonderes Kunststück der Platte: Van Etten erzähle von einer Beziehung, als sei sie mitten im Sturm auf See und zugleich schon sicher an Land. Man hört beides, den Schmerz im Moment und den ruhigeren Blick danach.

Das trägt über die elf Lieder. Einzelne Stücke wie „Break Me“ oder „Nothing Will Change“ wirken für sich genommen still. Im Zusammenhang werden sie zu Atempausen zwischen den großen Momenten. Und erst wer die gut vierzig Minuten davor gehört hat, versteht, warum das heitere letzte Lied so befreiend ist.

05Warum es einen Abend trägt

Gut 47 Minuten, elf Lieder. Are We There ist kein Album für nebenbei. Wer aufmerksam zuhört, hört, wie Heather Woods Broderick hinter Van Ettens Stimme einsetzt, wie sich „Your Love Is Killing Me“ Schicht um Schicht aufbaut, wie das Saxofon in „Tarifa“ von weit her kommt.

Der Bogen

Am Stück gehört, hat die Platte eine Richtung. Sie beginnt mit dem Mut, sich auf jemanden einzulassen, und wird schon an dritter Stelle eng und schmerzhaft. Danach öffnet sie sich wieder. Stille Stücke wie „Break Me“ oder „Nothing Will Change“ werden im Zusammenhang zu Atempausen zwischen den großen Momenten.

Für mich ist das letzte Lied der Grund, dieses Album am Stück zu hören. Nach vierzig Minuten über Liebe, die wehtut, singt Van Etten plötzlich über einen ganz gewöhnlichen Tag, und das Album läuft mit einem Lächeln aus. Es ist ein Ende, das man sich verdient hat.