Belle of the West

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Belle of the West entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

2017 ist Samantha Fish Ende zwanzig und hat sich einen Ruf als Gitarristin erspielt, die laut und schnell sein kann. Sie kommt aus Kansas City, hat dort als Jugendliche in einem Blues-Club die Musiker gehört, die auf Tournee durchkamen, und ist seit ein paar Jahren selbst ständig unterwegs, in den USA und in Europa. Ihre Platten sind Bluesrock mit viel Verzerrung und vielen Soli.

In diesem Jahr veröffentlicht sie gleich zwei Alben, und sie könnten kaum verschiedener sein. Im März erscheint Chills & Fever, aufgenommen in Detroit mit Mitgliedern der Detroit Cobras und Bläsern aus New Orleans: laut, schnell, voller Soul- und Rock-’n’-Roll-Nummern anderer Leute. Im November folgt Belle of the West. Es ist leise, erdig und größtenteils akustisch. Fish selbst beschrieb den Unterschied später so: Die eine Platte habe den Klang von Detroit, die andere klinge wie „Mississippi trifft Nashville“.

Weg von den Tricks

Für eine Musikerin, deren Konzerte von Gitarrensoli leben, ist das ein mutiger Schritt. Im Gespräch mit dem Magazin Premier Guitar erzählte sie, worum es bei diesen Aufnahmen ging: „Schluss mit all den Licks und Tricks – die haben auf dieser Platte keinen Platz.“ Statt der gewohnten E-Gitarre nahm sie eine akustische Gitarre mit Koa-Holz und halbakustische Hollowbody-Gitarren, deren dunklerer Ton ihr gefiel. Man hört eine Musikerin, die zeigen will, dass sie auch Songs schreiben und singen kann, nicht nur spielen.

02Wie Belle of the West entstand

Die Zebra Ranch liegt in den Hügeln bei Coldwater, im Hill Country im Norden Mississippis. Gebaut hat das Studio Jim Dickinson, ein Produzent und Pianist aus Memphis. Heute führen es seine Söhne Luther und Cody, die als North Mississippi Allstars bekannt wurden. Beide haben als junge Musiker viel Zeit bei den alten Bluesmännern der Gegend verbracht, bei R. L. Burnside und bei dem Querpfeifer Othar Turner.

Luther Dickinson kannte Samantha Fish schon: Er hatte 2015 ihr Album Wild Heart produziert. Für die neue Platte holte er sie zu sich nach Hause. Das Studio hat, wie Premier Guitar beschreibt, keinen Regieraum. Es gibt einen großen Raum, von dem drei kleinere abgehen, und überall hängen Mikrofone. Die Band spielt zusammen, und meist wurde der erste oder zweite Take genommen. Fish sang und spielte dabei gleichzeitig.

Die Band

Um Fish herum versammelte Dickinson Musikerinnen und Musiker aus der Gegend und aus Memphis. Amy LaVere spielt Kontrabass, Tikyra Jackson und Trina Raimey sitzen am Schlagzeug. Lillie Mae Rische spielt Geige und singt. Sharde Thomas, die Enkelin von Othar Turner, bringt die Querpfeife mit, die Tradition ihres Großvaters. Dazu kommen der Bluesgitarrist Lightnin’ Malcolm und Jimbo Mathus an Mundharmonika und Fender Rhodes. Dickinson selbst spielt Gitarre und Mandoline.

Fish erzählte im Interview mit Making a Scene, sie habe sich irgendwann im Studio umgesehen und gemerkt, dass mehr Frauen als Männer in der Band waren. Das fand sie „ziemlich schön“. Es war nach eigener Aussage das erste Mal, dass ihr das im Studio passierte. Weil Amy LaVere, Tikyra Jackson, Lillie Mae und Sharde Thomas alle singen, haben viele Stücke vier- oder sogar fünfstimmige Chöre.

03Der Klang

Das Fundament ist die akustische Gitarre. Fish nannte sie im Gespräch mit dem Guitar Girl Magazine das Rückgrat von allem. Darüber liegen Kontrabass und ein Schlagzeug, das eher schiebt als knallt. Die Geige, die Mundharmonika und das Rhodes kommen und gehen. Es klingt nicht nach Studio, sondern nach einem Raum, in dem Leute zusammen spielen.

Das hat technische Gründe. Bei akustischen Aufnahmen, erklärte Fish, stünden nur zwei Mikrofone im Raum, und man könne nichts nachträglich ersetzen, ohne alles neu aufzunehmen. Also blieb alles drin: „die ganze Energie, das Feuer, die Fehler und das Rohe“. Man hört das: Nichts ist glattpoliert. Marty Gunther schrieb im Blues Blast Magazine, das Album klinge wie eine vertraute Jamsession am Lagerfeuer.

Eine Stimme, die erzählt

Weil die Gitarre sich zurücknimmt, steht die Stimme vorn. Fish singt mit einem leicht rauen, warmen Ton, mal zurückhaltend, mal mit viel Soul, etwa in „Don’t Say You Love Me“, dem längsten Stück. In „Cowtown“ singt sie über Kansas City, die Stadt, in der sie aufgewachsen ist. Sie erzählte Premier Guitar, sie habe ein schönes, positives Lied schreiben wollen, „und es wurde einfach brutal“. Es ist ein Lied über Heimat, das nicht verklärt.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Belle of the West hat elf Stücke, keines kürzer als drei Minuten, keines länger als fünfeinhalb. Es beginnt mit „American Dream“, einem Stück mit Stop-Time-Rhythmus, bei dem die Band immer wieder gemeinsam innehält. Danach folgen Balladen, ein Shuffle, „Cowtown“ und „Daughters“, ein Stück über eine schwierige Familie auf einem funkigen Beat. Die erste Hälfte ist die persönlichste: Hier erzählt die Frau aus dem Mittleren Westen von sich.

In der zweiten Hälfte öffnet sich das Album. Das Titelstück von Jimbo Mathus ist ein Tanzstück, bei dem man an einen Two-Step denkt. Dann kommt der Hill-Country-Blues von Burnside, danach „No Angels“, das eher schwelt als brennt. Mit „Nearing Home“ von Lillie Mae wird es müde und country-haft, bevor „Gone for Good“ das Album schnell und mit Slidegitarre beendet. Fish hatte das Stück schon 2013 geschrieben und für diese Aufnahme auf einer Ölkanister-Gitarre in offener G-Stimmung neu gebaut.

Eine Band, ein Raum

Was die Stücke zusammenhält, ist der Raum. Es ist immer dieselbe kleine Gruppe von Menschen, dieselbe Zebra Ranch, derselbe Klang aus Holz, Saiten und Stimmen. Selbst wenn die Stile wechseln, bleibt das Gefühl gleich. JD Nash nannte das Album bei American Blues Scene „womöglich Fishs bisher bestes Werk“. Es wurde mit Preisen der Bluesszene ausgezeichnet, unter anderem bei den Blues Blast Music Awards als bestes Bluesalbum.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 47 Minuten ist Belle of the West ein kompaktes Album. Es läuft in einem Durchgang, von „American Dream“ bis „Gone for Good“.

Man muss nichts über Blues wissen, um es zu mögen. Wer Country mag, findet genug davon, wer Folk mag, auch. Und wer bei Blues an lange Gitarrensoli denkt, wird überrascht, wie wenig davon hier zu hören ist.

Holz und Stimmen

Die akustische Gitarre steht vorn, der Kontrabass brummt tief, die Chöre breiten sich aus. Man kann die Musikerinnen fast einzeln verorten, so wenig ist hier nachbearbeitet. Elf Lieder, keines länger als gut fünf Minuten, und keines drängt sich vor. Das Titelstück steht nicht am Anfang, sondern an siebter Stelle, mitten in der Platte. Ich mag an diesem Album, dass es nicht beeindrucken will. Es erzählt, und es lässt Luft.

Es ist keine Bluesplatte für Kenner, keine Countryplatte für Fans. Es ist die Platte einer Musikerin, die für einen Moment leiser wird, um mehr zu sagen. Am Ende steht „Gone for Good“.