Texas Flood

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Texas Flood entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Montreux, Juli 1982. Stevie Ray Vaughan und seine Band Double Trouble spielen beim Jazzfestival, an einem Abend, der eigentlich für akustische Musik vorgesehen ist. Sie spielen laut und elektrisch. Ein Teil des Publikums buht. Doch im Saal sitzen zwei Leute, die genau hinhören: David Bowie und Jackson Browne.

Bowie spricht Vaughan nach dem Konzert an und holt ihn später für die Aufnahmen zu „Let's Dance“. Browne jammt mit der Band bis in den Morgen und bietet ihr sein Studio in Los Angeles an, kostenlos.

Dass die Band überhaupt in Montreux stand, verdankte sie dem Produzenten Jerry Wexler. Er hatte sie dem Festivalchef Claude Nobs empfohlen. Zu diesem Zeitpunkt hatte Double Trouble kein Album, keinen Plattenvertrag und außerhalb von Texas keinen Namen. Das Konzert begann mit „Hide Away“ von Freddie King, im Programm waren auch schon „Pride and Joy“ und „Dirty Pool“. James McBride schrieb im Magazin People, Vaughan habe die Bühne „in rauchende Asche verwandelt“.

Drei Tage im November

Im November 1982 zieht das Trio in Brownes Down Town Studio. Drei Tage sind gebucht, der erste geht für den Aufbau drauf. An den beiden anderen spielen sie das Album ein, zwei Songs am ersten Tag, acht am zweiten.

02Wie Texas Flood entstand

Eigentlich sollten die Aufnahmen nur eine Demo sein. Über den Manager der Band kamen sie zu John Hammond, dem legendären Talentsucher, der zuvor schon Billie Holiday, Bob Dylan und Bruce Springsteen entdeckt hatte. Hammond gab das Band an Epic weiter, und im März 1983 bekam die Band ihren Plattenvertrag.

Zur Band gehörten Tommy Shannon am Bass und Chris Layton am Schlagzeug. Die Gitarrenspuren wurden live eingespielt, Overdubs gab es kaum, vor allem beim Gesang. Layton: „Soweit ich weiß, war alles der erste oder zweite Take.“

Die Aufnahmen fielen auf das Wochenende von Thanksgiving, vom 22. bis 24. November 1982. „Pride and Joy“, „Rude Mood“ und „Lenny“ entstanden am letzten Tag. Mitten in diese Zeit fiel ein Anruf von David Bowie. Er wollte Vaughan als Gitarristen für sein nächstes Album. Im Januar 1983 spielte Vaughan auf sechs Stücken von „Let’s Dance“, darunter der Titelsong und „China Girl“.

Bowie wollte ihn auch für die anschließende Tournee. Die Verhandlungen über den Vertrag scheiterten, und Vaughan stieg wenige Tage vor dem Start aus. Er konzentrierte sich auf seine eigene Band.

Bei Epic kümmerte sich Greg Geller, der Leiter der Talentabteilung, um die Band. John Hammond wird auf dem Album als ausführender Produzent genannt. Produziert hat die Band selbst, zusammen mit Toningenieur Richard Mullen. Nach dem Vertrag bekam die Band Geld, um das Material fertigzustellen. Lincoln Clapp mischte die Bänder in New York neu, Ken Robertson übernahm das Mastering. Clapp nahm dort auch den Gesang für „I’m Cryin’“ auf. Am 13. Juni 1983 erschien das Album.

„Number One“

Vaughans wichtigste Gitarre war eine abgenutzte Fender Stratocaster, die er „Number One“ nannte. Das Instrumental „Lenny“ spielte er auf einer anderen Strat, einem Geschenk seiner Frau Lenora, der er den Song widmete.

„Number One“ war aus Teilen verschiedener Jahrgänge zusammengesetzt: ein Korpus von 1963, ein Hals von 1962, Tonabnehmer von 1959. Die Gitarre für „Lenny“ hatte Lenora ihm 1980 gekauft, eine umlackierte Stratocaster von 1965. Vaughan nannte sie ebenfalls „Lenny“ und spielte sie Jahre später noch einmal auf „Riviera Paradise“.

03Der Klang

Das Studio war eine große Halle mit Betonboden, auf dem ein paar Teppiche lagen. Die Band spielte im Kreis, mit Blickkontakt. Vor jedem Verstärker stand ein einfaches Mikrofon, der einzige Effekt war ein Verzerrerpedal. Toningenieur Richard Mullen brachte seine Methode auf eine kurze Formel: Mikrofon davor, voll aufdrehen und los.

Vaughan spielte mit sehr dicken Saiten, den Titelsong einen Halbton tiefer gestimmt. Das gibt seinem Ton die Wucht, die man auf der ganzen Platte hört, vom schnellen „Rude Mood“ bis zum langsamen Titelsong.

Vaughan nannte die dicken Saiten selbst einen Vorteil. Sie hielten alles aus, was er mit ihnen anstelle. Gespielt wurde über zwei Fender-Vibroverb-Verstärker und einen großen Verstärker der Marke Dumble, der Jackson Browne gehörte. Er hieß „Dumbleland“. Vaughan benutzte ihn hier zum ersten Mal, nach Angaben der Firmengeschichte für rund 80 Prozent der Gitarrenspuren. Mullen stellte zwei Shure-Mikrofone knapp zehn Zentimeter vor die Lautsprecher, schräg zur Membran.

„Pride and Joy“ ist ein klassischer Texas Shuffle, ein Zwölftakt-Blues. Vaughan spielt die Basslinie und schlägt dazwischen gedämpfte Akkorde an. So klingt die Gitarre fast wie ein Schlagzeug. Der Drummer Chris Layton erzählte, Vaughan habe den Song für eine Freundin geschrieben.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Eigene Songs und Blues-Klassiker stehen nebeneinander: Howlin' Wolf, die Isley Brothers, Buddy Guy. Die Band hatte vorher nicht einmal eine Songliste aufgeschrieben. Und doch klingt das Album aus einem Guss, weil es von drei Musikern stammt, die sich blind verstehen.

Sechs der zehn Titel hat Vaughan geschrieben oder mitgeschrieben. „Dirty Pool“ entstand mit seinem Freund Doyle Bramhall. „Tell Me“ stammt von Howlin’ Wolf, „Testify“ von den Isley Brothers, „Mary Had a Little Lamb“ von Buddy Guy. Auf vielen Ausgaben stehen bei „Testify“ fälschlich die Autoren eines anderen Songs gleichen Namens, von der Band Parliament.

Die Reihenfolge wechselt zwischen schnell und langsam. Nach zwei kurzen Stücken zum Einstieg kommt mit dem Titelsong der längste und langsamste Blues.

Blues im Radio der Achtziger

Das Album kam in den USA auf Platz 38 der Charts, „Pride and Joy“ lief im Radio und auf MTV. Für den Blues, der in den Achtzigern kaum noch eine Rolle spielte, war das eine kleine Sensation. Heute steht das Album in der Grammy Hall of Fame und im nationalen Tonarchiv der Library of Congress.

Die Kritik war nicht einhellig. Kurt Loder warf Vaughan im Rolling Stone fehlende Eigenständigkeit vor. Robert Christgau vermisste in der Village Voice Schwung und Songform. Seine Aufmerksamkeit habe nach den ersten beiden Stücken nachgelassen. Billboard dagegen nannte das Album ein Fest für Freunde des Gitarren-Boogie. Stephen Thomas Erlewine schrieb später bei AllMusic, das Album habe eine Wiederbelebung des Blues ausgelöst. Zwei Grammy-Nominierungen gab es: für den Titelsong und für „Rude Mood“.

Im Sommer und Herbst 1983 war die Band mit dem Album unterwegs. Sie spielte im El Mocambo in Toronto, beim Reading Festival in England und eröffnete 17 Konzerte der Moody Blues. In den USA wurde das Album später mit Doppelplatin ausgezeichnet.

05Warum es einen Abend trägt

Knapp 39 Minuten, zwei Seiten. Die zweite beginnt mit einem Instrumental und endet mit einem: vom rasanten „Rude Mood“ bis zum stillen „Lenny“, mit dem das Album leise ausklingt.

Kein Stück ist länger als fünfeinhalb Minuten. Die längste Improvisation steht früh, im Titelsong an dritter Stelle. Am Ende steht kein lauter Schluss, sondern eine Ballade ohne Gesang.

Drei Musiker in einem Raum

Man hört auf dieser Platte eine Band, die sich beim Spielen ansieht. So klingt es, wenn nichts nachbearbeitet wird.

Wie klingt eine Band, wenn man ihr nur zwei Tage und kein zweites Mal gibt?