Extension of a Man

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Extension of a Man entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Das zweite Stück des Albums ist nur gut vier Minuten lang. Es heißt „Someday We'll All Be Free“. Die Musik hat Donny Hathaway geschrieben, den Text ein Bekannter, Edward Howard. Und Howard hatte beim Schreiben nicht an ein großes Publikum gedacht, sondern an einen einzigen Menschen: an Hathaway selbst.

Später hat Howard erklärt, wie es dazu kam. Hathaway sei damals ein sehr bedrückter Mensch gewesen. Er habe gehofft, dass sein Freund irgendwann von dem frei werde, was ihn so belastete. Tun konnte er nichts. Also schrieb er ihm etwas, das Mut machen sollte. So hat er es erzählt.

Ein Lied für einen Einzelnen

Hathaway singt es ruhig, ohne Druck. Das Fender Rhodes trägt, Willie Weeks spielt den Bass, Cornell Dupree und David Spinozza die Gitarren, Marvin Stamm setzt mit der Trompete kleine Linien darüber. Nichts drängt sich vor. Seine Witwe Eulaulah Hathaway hat später erzählt, er habe das Lied sehr geliebt und beim Anhören der fertigen Abmischung im Studio geweint.

Erschienen ist es zunächst nur als Rückseite der Single „Love, Love, Love“. Als eigene Single kam es nie in die Charts. Trotzdem ist es heute eines der bekanntesten Lieder von Hathaway. Aus dem Lied für einen Freund wurde mit den Jahren ein Lied der Ermutigung für viele Schwarze Amerikanerinnen und Amerikaner. Aretha Franklin sang es 1992 für den Soundtrack zum Film Malcolm X und wurde dafür 1994 für einen Grammy nominiert.

02Wie Extension of a Man entstand

Am 7. Oktober 1971 spielte Hathaway im Bitter End in New York. Der Abend wurde mitgeschnitten und landete auf der zweiten Seite seines Albums Live. Vier Tage später, am 11. Oktober, beginnen die Aufnahmen, aus denen Extension of a Man werden sollte. Abgeschlossen sind sie erst mehr als ein Jahr danach, am 26. November 1972.

Dazwischen liegt das erfolgreichste Jahr seiner Laufbahn. Im Februar 1972 erscheint Live. Im selben Jahr kommt das Duettalbum mit Roberta Flack heraus, deren „Where Is the Love“ 1973 einen Grammy gewinnt. Und Hathaway komponiert und dirigiert die Musik für den Film Come Back, Charleston Blue. Er ist gefragt, als Sänger, als Pianist und als Arrangeur.

Fünf Studios, ein Produzent

Produziert hat Arif Mardin, der schon Live betreut hatte. Aufgenommen wurde an vielen Orten: in den New Yorker Studios A & R, Bell Sound, Regent Sound und im Studio von Atlantic, dazu bei Universal in Chicago. Entsprechend wechseln die Besetzungen. Mal spielt die Band aus Live, mit Weeks, Dupree und Fred White am Schlagzeug, mal sind es New Yorker Studiomusiker wie Grady Tate oder Rick Marotta.

Das Album erschien am 18. Juni 1973 bei Atco. Zwei Titel kamen als Single in die Pop- und die Soul-Charts, „Love, Love, Love“ und „I Love You More Than You'll Ever Know“. „Love, Love, Love“ erreichte Platz 44 der Popcharts und Platz 16 der R&B-Charts. 1974 folgte noch „Come Little Children“ als Single.

Zu dieser Zeit ging es Hathaway schon nicht mehr gut. Zwischen 1973 und 1974 musste er mehrmals in die Klinik. Die Ärzte stellten schließlich eine paranoide Schizophrenie fest. Ein weiteres Soloalbum im Studio hat er danach nicht mehr veröffentlicht.

03Der Klang

1973 sprach Hathaway mit dem britischen Journalisten David Nathan über seine Musik. Er habe immer schöne Musik gemocht und sie selbst schreiben wollen. Einen einzelnen Einfluss wollte er nicht nennen. Aber er sagte, er habe unter anderem Ravel, Debussy und Strawinsky studiert. Auf diesem Album hört man das deutlicher als auf jedem anderen.

Das erste Stück, „I Love the Lord; He Heard My Cry“, ist eine Orchestermusik in zwei Teilen, ohne Gesang. Sechs Geigen, drei Celli, drei Hörner, Posaunen, Tuba, Harfe, Oboe, Klarinette und Flöte. Darin klingt eine Melodie aus Porgy and Bess an, „Here Comes de Honey Man“. Wer Soul erwartet, bekommt zuerst etwas, das eher nach Konzertsaal klingt.

Das Rhodes in der Mitte

Danach steht wieder das Fender Rhodes im Zentrum. Hathaway spielt es auf neun der zehn Titel. Auf mehreren Stücken übernimmt er zusätzlich das Klavier, auf „I Love You More Than You'll Ever Know“ die Hammondorgel, auf „Come Little Children“ sogar den Bass. Die Arrangements teilt er sich mit den Gitarristen Cornell Dupree, David Spinozza und Keith Loving.

Die Bläser kommen und gehen. Mal sind es nur Trompete und Saxofon, mal ein kleiner Satz mit Posaune und Tuba. Bei „Magdalena“, einem Lied von Danny O'Keefe, spielt Hugh McCracken Banjo, dazu zwei Klarinetten. Das klingt beinahe nach einer Straßenkapelle. Ein paar Minuten vorher sang noch ein Gospelchor.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Extension of a Man ist ein Album mit vielen Gesichtern. Sechs der zehn Titel stammen von Hathaway. Die anderen hat er sich von anderen Autoren geholt: „I Love You More Than You'll Ever Know“ von Al Kooper, „Magdalena“ von Danny O'Keefe, „I Know It's You“ von Leon Ware, „Love, Love, Love“ von J. R. Bailey und Ken Williams.

Zusammengehalten wird das von seiner Hand am Rhodes und von seiner Stimme. Sie bleibt auch dort ruhig, wo die Arrangements groß werden. In „I Love You More Than You'll Ever Know“, gut fünf Minuten lang, lässt er die Orgel den Raum füllen und singt darüber, ohne lauter zu werden. Auf „Come Little Children“ spielt er Klavier, Rhodes und Bass, dazu Phil Upchurch an der Gitarre und Fred White am Schlagzeug.

Nicht für alle ein Meisterwerk

Die Kritik war geteilt. Stephen Holden besprach das Album im August 1973 für den Rolling Stone wohlwollend. Der Ratgeber MusicHound R&B gab später nur anderthalb Sterne. Das ist nachvollziehbar. Wer eine Platte voller Soulsingles erwartet, wird von Orchester, Banjo und Gospelchor eher verwirrt.

Wer sich darauf einlässt, hört dagegen einen Musiker, der zeigen will, was er alles kann, und der das ohne Angeberei tut. Die Wechsel zwischen den Stücken sind groß. Aber jedes Stück für sich ist sorgfältig gebaut, und keines ist länger, als es sein muss.

05Warum es einen Abend trägt

Rund dreiundvierzig Minuten. Für einen Abend ist das eine gute Länge.

Am Stück gehört, hat das Album einen klaren Bogen. Es beginnt mit dem Orchester, fünfeinhalb Minuten ohne Stimme. Wenn danach „Someday We'll All Be Free“ einsetzt, klingt die Stimme umso näher. Danach folgen zwei kurze Stücke, „Flying Easy“ und „Valdez in the Country“, beide gut drei Minuten, dann wird es wieder groß mit der Orgel in „I Love You More Than You'll Ever Know“.

Vom Konzertsaal auf die Straße

In der zweiten Hälfte öffnet sich das Album. Erst der Gospelchor in „Love, Love, Love“, dann die Männerstimmen in „The Slums“, dann das Banjo in „Magdalena“. Jedes Stück klingt anders, und doch merkt man, dass derselbe Mann alles zusammenhält.

Am Ende steht „I Know It's You“ von Leon Ware, mit Cissy Houston im Hintergrundgesang. Kein Orchester mehr, keine Bläser. Das Album hört auf, wie das zweite Stück begonnen hat: mit einer Stimme, die nicht laut werden muss.

Welches Lied hat Ihnen einmal Mut gemacht, ohne dass es dafür laut sein musste?