Goodbye Yellow Brick Road

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Goodbye Yellow Brick Road entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Kingston, Jamaika, im Januar 1973. Eine englische Band ist angereist, um in den Dynamic Sound Studios ein Album aufzunehmen, dort, wo kurz zuvor die Rolling Stones gearbeitet hatten. Elton John hatte vorher gesagt, er hoffe, in Jamaika abgeschnitten und ungestört zu sein. Es kommt anders. In der Stadt steht der Weltmeisterschaftskampf zwischen Joe Frazier und George Foreman an, und es gibt Proteste gegen die politische und wirtschaftliche Lage im Land.

Der Toningenieur Ken Scott hat die erste Fahrt zum Studio so beschrieben: „Bei unserer ersten Fahrt zum Studio begannen Arbeiter, unseren Kleinbus zu schaukeln, um ihn umzukippen.“ Drinnen wird es nicht besser. Das Klavier taugt nicht, Mikrofone fehlen, die Anlage klingt dünn. Gitarrist Davey Johnstone fand, ihre Aufnahmen klängen „wie ein Haufen wütender Bienen“.

Drei Tage im Hotelzimmer

Nach ein, zwei Tagen gibt die Band auf. Aber etwas ist in Jamaika doch entstanden: Bernie Taupin hatte seine Texte mitgebracht, und Elton John schrieb im Pink Flamingo Hotel in Kingston in kurzer Zeit einen großen Teil der Melodien dazu, nach der Darstellung in der Wikipedia in drei Tagen. Elton selbst erinnert sich nüchtern: „Wir hatten keine Zeit zu warten. Wir dachten: ‚Das Geld geht aus, Schluss damit.‘“

Das ist der Moment, in dem das Album hätte scheitern können. Stattdessen fährt die Band im Mai nach Frankreich, in ein Schloss, das sie schon kennt, und nimmt dort in gut zwei Wochen so viele Songs auf, dass eine Platte nicht mehr reicht. Aus einem abgebrochenen Ausflug in die Karibik wird ein Doppelalbum mit 17 Titeln und rund 76 Minuten. Man hört ihm die Eile nicht an. Man hört ihm an, dass da jemand plötzlich sehr viel zu sagen hatte.

02Wie Goodbye Yellow Brick Road entstand

Das Château d'Hérouville liegt rund 50 Kilometer nordwestlich von Paris, ein Landsitz aus dem 18. Jahrhundert, in dem der Filmkomponist Michel Magne ein Studio eingerichtet hatte. Elton John hatte dort bereits Honky Château und Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player aufgenommen. Taupin beschrieb die Rückkehr im Rückblick mit dem Rolling Stone so: „Es war beruhigend, an einen vertrauten Ort zurückzukehren … und alles lief wie geschmiert.“

Die Aufnahmen begannen am 7. Mai 1973. Die Band war eingespielt: Davey Johnstone an der Gitarre, Dee Murray am Bass, Nigel Olsson am Schlagzeug, dazu Ray Cooper an der Percussion. Produzent war wie seit Jahren Gus Dudgeon, als Toningenieur kam David Hentschel für Ken Scott. Del Newman schrieb die Orchesterarrangements für mehrere Songs.

Drei, vier Songs am Tag

Elton hat das Tempo selbst beschrieben: „Wir nahmen drei, vier Tracks am Tag auf, meist am selben Tag geschrieben.“ Die Band sei eingespielt und sehr tourerfahren gewesen. Dudgeon erinnerte sich an einen Elton, der „in Hochstimmung“ gewesen sei und Song um Song schrieb. Nicht alle Erinnerungen passen genau zusammen – ein Teil der Musik stammte schon aus Jamaika, ein Teil entstand im Schloss. Sicher ist: Taupin hatte die Texte in rund zweieinhalb Wochen geschrieben, zusammen kamen 22 Songs, und daraus wurden 17 Titel.

Ein Doppelalbum war nicht geplant. Dudgeon sagte das ausdrücklich, und Taupin ebenso: „Wir hatten wohl kein Doppelalbum geplant. Es lag an der Qualität und Menge der Songs.“ Die Overdubs und die Mischung entstanden danach in den Trident Studios in London. Erschienen ist das Album am 5. Oktober 1973 bei DJM, in den USA bei MCA.

03Der Klang

Das Album beginnt nicht mit einem Song, sondern mit Wind und Synthesizer. „Funeral for a Friend“ ist ein Instrumental, das Elton John nach eigener Aussage geschrieben hat, als er überlegte, welche Musik er bei seiner eigenen Beerdigung hören wollte. David Hentschel spielte den Anfang später in den Trident Studios auf einem ARP-2500-Synthesizer ein, Spur um Spur. Dann setzt die Band ein, und irgendwann geht das Stück ohne Pause in „Love Lies Bleeding“ über. Der erste Teil endet in A, der zweite beginnt in A, deshalb klingt der Übergang, als wäre er nie einer gewesen.

Danach wechselt das Album ständig die Farbe. „Candle in the Wind“ ist eine leise Ballade über Marilyn Monroe. „Bennie and the Jets“ klingt wie ein Konzertmitschnitt. Der Titelsong ist Klavierpop mit Streichern, „Saturday Night's Alright for Fighting“ lauter Rock, inspiriert von einer Kneipe in Market Rasen, in der Taupin als junger Mann verkehrte. „This Song Has No Title“ ist das einzige Stück, auf dem Elton alle Parts allein spielt.

Eine Band, die zuhört

Zusammengehalten wird das von einer Band, die seit Jahren gemeinsam tourte. Dee Murrays Bass und Nigel Olssons Schlagzeug spielen nie mehr als nötig, Johnstones Gitarre füllt Lücken, statt sie zu suchen. Das Klavier bleibt das Zentrum, aber es drängt sich nicht auf. Gerade weil die Songs so verschieden sind, fällt auf, wie einheitlich sie klingen: ein Raum, eine Band, zwei Wochen.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Ein Konzeptalbum ist Goodbye Yellow Brick Road nicht. Es gibt keine Handlung, keine durchgehende Figur. Und doch zieht sich ein Motiv durch viele Songs: das Kino, der Film, die Sehnsucht nach einer Welt, die es nur auf der Leinwand gibt. Taupins Arbeitstitel für das Album lauteten „Vodka and Tonics“ und „Silent Movies, Talking Pictures“. Marilyn Monroe, der Gangster Danny Bailey, die Cowboyserien von Roy Rogers, die Gelbe Ziegelsteinstraße aus dem Zauberer von Oz – lauter Bilder aus dem Kino, gesehen von einem Texter, der auf dem Land in Lincolnshire aufgewachsen war.

Der Titelsong erklärt, worum es geht: jemand, der aus dieser glitzernden Welt zurück aufs Land will, in die Wälder, zu den Eulen und der Stille der Nacht. Das Album ist gleichzeitig Feier und Abschied vom Glamour. Das erklärt auch, warum es so viele Stimmungen verträgt: Es ist ein Streifzug durch eine Erinnerung, nicht eine Geschichte mit Anfang und Ende.

Die Länge ehrlich gesagt

Nicht jeder der 17 Titel ist gleich stark. „Jamaica Jerk-Off“ ist ein Scherz, „Your Sister Can't Twist“ eine kurze Rock-'n'-Roll-Nummer, „Social Disease“ ein Stück Kneipenhumor. Man könnte ein kürzeres Album daraus machen. Aber gerade diese kleineren Stücke geben den großen Luft. Nach „Funeral for a Friend“ und „Candle in the Wind“ braucht man eine Pause, und das Album gibt sie einem, ohne anzuhalten.

Am Ende steht „Harmony“, knapp drei Minuten, ein leiser, fast versöhnlicher Schluss. Der Song sollte einmal die vierte Single werden und wurde dann doch nur eine B-Seite. Als letzter Titel eines so langen Albums funktioniert er besser als jede Single: Nach 76 Minuten landet man sanft.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 76 Minuten ist dieses Album lang. Im Original verteilte es sich auf vier Plattenseiten.

Am Stück gehört, wird der Bogen hörbar: wie aus der Wucht von „Funeral for a Friend“ über 76 Minuten am Ende mit „Harmony“ etwas ganz Leises wird.

Ein Album mit vielen Einstiegen

Einige Songs daraus sind bekannter als das Album selbst. Und dann sind da die Stücke dazwischen, die weniger bekannt sind. Ich selbst finde, dass das Album genau dort am meisten erzählt.