Little Earthquakes

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Little Earthquakes entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

„Silent All These Years“ beginnt mit einer kleinen, fast verspielten Figur auf dem Klavier. Ein paar Töne, die sich wiederholen, leicht wie eine Spieluhr. Dann setzt die Stimme ein, nah am Mikrofon, beinahe im Plauderton. Man glaubt zuerst, ein freundliches Lied zu hören.

Es ist keins. Das Lied handelt von einer Frau, die jahrelang geschwiegen hat, weil andere für sie gesprochen haben. Die Musik bleibt dabei zart, und gerade das macht es eindringlich. Es gibt kein großes Crescendo, keinen Befreiungsschrei. Nur eine Stimme, die langsam merkt, dass sie da ist.

Ein Lied als Visitenkarte

„Silent All These Years“ war im November 1991 die Single, mit der Tori Amos in Großbritannien bekannt wurde. Eigentlich war es die Neuauflage einer EP, die wenige Wochen vorher unter einem anderen Titel erschienen war. Das Lied, das nun vorne stand, war das zugänglichere. Dahinter wartete ein Album, das deutlich mehr wagt.

Für mich ist dieser Titel der Schlüssel zum ganzen Album. Wer hier zuhört, hat verstanden, wie diese Platte funktioniert: Ein Klavier, eine Stimme, und dahinter Geschichten, die man nicht so leicht wieder vergisst.

02Wie Little Earthquakes entstand

Tori Amos kam nicht als Unbekannte zu diesem Album. Sie hatte schon als Kind am Konservatorium studiert, jahrelang in Bars Klavier gespielt und 1988 mit ihrer Band Y Kant Tori Read ein Synthiepop-Album veröffentlicht. Es verkaufte sich kaum. Die Band löste sich auf, doch der Plattenvertrag bei Atlantic lief weiter.

Die erste Fassung von „Little Earthquakes“ nahm sie 1990 mit dem Produzenten Davitt Sigerson in den Capitol Studios in Los Angeles auf. Atlantic lehnte sie ab. Auf dieser frühen Fassung standen zum Teil andere Lieder als auf dem späteren Album.

Zweiter Anlauf im Wohnzimmerstudio

Amos machte weiter, nun mit Eric Rosse, ihrem damaligen Partner, in dessen Heimstudio. Dort, an einem Yamaha CP-80, einem elektrischen Flügel, und mit einer analogen 24-Spur-Bandmaschine von 3M, entstanden neue Lieder: „Girl“, „Mother“ und das Titelstück. Man hört diesen Aufnahmen an, dass sie nicht unter Zeitdruck in einem großen Studio gemacht wurden.

Den letzten Schliff bekam das Album in England. Mit Ian Stanley, früher bei Tears for Fears, arbeitete Amos in den Stag Studios in Witham. Dort nahm sie „China“ auf, ein Lied, das schon 1987 entstanden war und ursprünglich „Distance“ hieß. Und dort nahm sie „Me and a Gun“ auf, das zuletzt geschriebene Lied des Albums.

03Der Klang

Das Klavier trägt diese Platte. Tori Amos spielt es nicht als Begleitung, sondern als zweite Stimme: Es rennt voraus, bricht ab, hämmert, wird wieder weich. In „Precious Things“ schlägt sie die Tasten so hart an, dass man die Wut darin hört. In „Winter“ spielt sie so zurückgenommen, dass man jedes Pedal zu hören glaubt.

Um das Klavier herum gibt es mal mehr, mal weniger. Manche Lieder haben Band, Streicher oder elektronische Klangschichten, andere kaum etwas außer Stimme und Tasten. Die vier Produzenten hinterlassen unterschiedliche Spuren, und trotzdem wirkt das Album nicht zusammengestückelt. Der Mittelpunkt bleibt immer derselbe.

Die Stimme

Rolling Stone beschrieb Amos' Gesang damals als „quivery vibrato-laden holler“, also als zitterndes, vibratoreiches Rufen. Das trifft den Kern. Sie singt selten schön im gewöhnlichen Sinn. Sie haucht, sie keucht, sie lacht in einen Satz hinein, sie wird laut, wo man es nicht erwartet. Diese Stimme will nicht gefallen, sie will verstanden werden.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

„Crucify“ eröffnet das Album mit einem Lied über Schuld und Selbstaufopferung, Themen aus einer religiösen Erziehung. Amos ist die Tochter eines methodistischen Pfarrers, und die Sprache der Kirche zieht sich durch mehrere Lieder. Danach folgen Stücke über Mädchen, die angepasst sein sollen, über Väter und Mütter, über Beziehungen, die nicht guttun. „Leather“ und „Happy Phantom“ sind kurz und fast verschmitzt. Sie geben dem Album Luft.

Das ist wichtig, denn gegen Ende wird es schwer. „Mother“ ist sieben Minuten lang und handelt vom Loslassen. „Tear in Your Hand“ erzählt von einer Trennung. Dann folgt „Me and a Gun“.

„Me and a Gun“

Tori Amos singt dieses Lied ohne jede Begleitung, allein, knapp vier Minuten lang. Es handelt von einer Vergewaltigung, die sie selbst mit 21 Jahren in Los Angeles erlebt hat. Der Text ist aus der Sicht der Frau geschrieben, im Moment der Tat und in den Gedanken, die ihr dabei durch den Kopf gehen. Das Lied erklärt nichts und beschönigt nichts.

Man kann darüber nicht hinweghören, und das soll man auch nicht. Selbst Robert Christgau, der das Album sonst streng bewertete, hob dieses Lied hervor. 1994 war Amos an der Gründung von RAINN beteiligt, einer amerikanischen Organisation, die Betroffene sexueller Gewalt unterstützt.

Nach „Me and a Gun“ kommt das Titelstück, fast sieben Minuten, und es fängt das Album auf. Man braucht nach dem Schweigen des Klaviers einen Moment, um wieder hinzuhören, und das Album gibt einem diesen Moment. Das Klavier kehrt zurück, erst vorsichtig, dann mit mehr Kraft, als wäre es nie weg gewesen. „Little Earthquakes“ ist groß angelegt, mit Chor und wachsender Spannung. Es beendet die Platte nicht versöhnlich, aber gefasst. Die Reihenfolge ist klug: Erst die Leichtigkeit, dann die Last, dann ein Schluss, der beides hält.

AllMusic schrieb später, Amos habe mit diesem Album „die Vorlage für die Singer-Songwriterinnen-Bewegung der 90er“ geschaffen. Rolling Stone setzte es 2020 auf Platz 233 der besten Alben aller Zeiten, und es steht in der Sammlung „1001 Albums You Must Hear Before You Die“.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 57 Minuten, zwölf Lieder, von „Crucify“ bis zum Titelstück. Damit passt „Little Earthquakes“ gut in einen Abend.

Am Stück gehört, hat das Album eine klare Reihenfolge: erst die Leichtigkeit, dann die Last, dann ein Schluss, der beides hält. Nach „Crucify“ folgen Lieder über Mädchen, die angepasst sein sollen, über Väter und Mütter. „Leather“ und „Happy Phantom“ sind kurz und fast verschmitzt und geben dem Album Luft. Gegen Ende wird es schwer: „Mother“, sieben Minuten über das Loslassen, dann „Tear in Your Hand“.

Stille, die dazugehört

Ich selbst merke bei dieser Platte, wie sich die Aufmerksamkeit verschiebt. Am Anfang hört man Melodien. Irgendwann hört man nur noch zu, was diese Frau erzählt. Nach „Me and a Gun“ lässt das Titelstück einem Zeit, wieder zu sich zu kommen. Das Klavier kehrt zurück, erst vorsichtig, dann mit mehr Kraft.

„Little Earthquakes“ ist kein Hintergrundalbum. Es verlangt Aufmerksamkeit und gibt dafür etwas zurück: das Gefühl, einem Menschen sehr nahe gekommen zu sein.