Musik von Harmonia

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Musik von Harmonia entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Anfang 1973 fährt ein junger Gitarrist aus Düsseldorf in ein Dorf im Weserbergland. Michael Rother ist 22 Jahre alt und hat mit Klaus Dinger zwei Platten als Neu! aufgenommen. Für Konzerte fehlen ihnen Mitspieler. Rother hat eine Idee: Vielleicht könnten die beiden Musiker von Cluster, die in Forst wohnen, bei Konzerten von Neu! mitspielen.

Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius hören sich den Plan an. Dann spielen die drei zusammen, einfach so. Und aus der Begleitband wird nichts. Rother hat später von einer musikalischen Liebe auf den ersten Blick gesprochen. So etwas habe er vorher nicht erlebt.

Ein Plan, der nicht gebraucht wird

Rother legt Neu! erst einmal beiseite und bleibt in Forst. Aus dem Besuch wird eine Band. Sie nennen sich Harmonia, halb im Ernst, halb als Scherz. Man muss sich das vorstellen: ein Dorf auf dem Land, die Weser nicht weit. Und in einem jahrhundertealten Bauernhaus sitzen drei Männer mit Orgeln, Gitarren und Tonbandgeräten und machen Musik, die es so noch nicht gab.

Für mich liegt der Reiz dieser Platte genau in diesem Moment. Drei Leute treffen sich mit einer ganz anderen Absicht, und dann passt es. Niemand hat sie bestellt, niemand wartet auf das Ergebnis. Man hört das.

02Wie Musik von Harmonia entstand

Cluster gab es seit 1971. Davor hießen Roedelius und Moebius Kluster, mit K, und spielten zusammen mit Conrad Schnitzler laute, freie Musik im Umfeld des Berliner Zodiak Free Arts Lab. Roedelius, Jahrgang 1934, hatte vorher als Krankenpfleger und Masseur gearbeitet. Moebius, zehn Jahre jünger, war in St. Gallen geboren und hatte in Brüssel und Berlin Kunst studiert.

1971 zogen die beiden aus Berlin aufs Land. Ein Antiquar hatte ihnen angeboten, in alten Bauernhäusern in Forst zu wohnen, er wollte dort eine Künstlerkommune gründen. Cluster richteten sich ein eigenes Studio ein. Die Natur rundherum, so beschreiben es die Beteiligten, hat die Musik dieser Jahre mitgeprägt.

Drei Tonbandgeräte und eine Rhythmusmaschine

Aufgenommen wurde von Juni bis November 1973, im Studio in Forst. Einen Produzenten gab es nicht. Die drei nahmen selbst auf, mit einem einfachen Mischpult und drei Tonbandgeräten. Rother hatte einiges mitgebracht: Farfisa-Orgeln, ein Stereo-Mischpult und einen Elka Drummer One, eine kleine Rhythmusmaschine aus Italien.

Alle acht Stücke sind von allen dreien. Jeder spielte, was gerade da war: Roedelius Orgel, Klavier, Gitarre, Moebius Synthesizer und Gitarre, Rother Gitarre, Klavier und Orgel. Dazu kommt bei allen dreien elektrische Perkussion. Feste Rollen gab es kaum.

Im Januar 1974 erschien das Album bei Brain, dem Label, bei dem auch Neu! und Cluster veröffentlichten. Die Band ging auf Tour. Am 23. März 1974 spielte sie im Club Penny Station in Griessem, ein Mitschnitt davon erschien viel später als Live 1974.

03Der Klang

Das Album beginnt mit „Watussi“. Eine Rhythmusmaschine gibt den Takt vor, darüber kreisen Tasteninstrumente und Gitarre. Es ist kein großer Auftakt, eher ein Einsteigen in etwas, das schon läuft. Wer Neu! kennt, erkennt Rothers Gitarre sofort wieder. Nur fehlt hier Dingers hartes Schlagzeug. Alles ist weicher, leiser, verspielter.

Dann kommt „Sehr kosmisch“, fast elf Minuten lang und das Herz der Platte. Ein langsamer Puls, Orgeltöne, die sich übereinanderlegen, ein Grundton, der sich kaum bewegt. Es passiert wenig und doch ständig etwas. Für mich ist das eines der schönsten langsamen Stücke der Siebziger, und man versteht, warum spätere Ambient-Musiker sich darauf berufen.

Einfaches Gerät, weiche Töne

Man hört der Platte an, dass sie mit wenig Technik entstanden ist. Es rauscht ein bisschen, manche Übergänge sind abrupt, die Rhythmusmaschine klingt wie ein Spielzeug. Das ist kein Mangel. Es gibt der Musik etwas Handgemachtes, Nahes. Die Zeitschrift Artforum beschrieb das Album als eine Reihe kleiner Klangskizzen, in denen der wilde Lärm von Kluster zu ruhiger Mechanik und sich wiederholenden elektronischen Melodien geordnet wurde.

Die kürzeren Stücke der zweiten Hälfte zeigen andere Seiten. Mal geht es verträumt zu, mal fast verspielt, mal hört man nur ein paar Klangflächen, die sich langsam verschieben. Titel wie „Ohrwurm“ klingen nach einem Augenzwinkern, und „Hausmusik“ am Ende sagt ziemlich genau, was das hier ist: Musik, gemacht zu Hause, in einem Bauernhaus an der Weser.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Musik von Harmonia hat keine Hits und will keine haben. Die Stücke sind wie Räume in demselben Haus. Manche sind hell und bewegt, „Watussi“ und „Dino“ etwa, in denen Rothers Gitarre an Neu! erinnert. Andere sind still und weit, allen voran „Sehr kosmisch“. Einzeln wirken sie wie Skizzen. Hintereinander ergibt sich ein Tag in Forst, von morgens bis abends.

Der Kritiker Ned Raggett schrieb bei AllMusic, das Album sei zugleich verspielt und düster, gleichmäßig und mechanisch. Das trifft es. Man weiß nie genau, ob man gerade einer Maschine zuhört oder drei Menschen, die gemeinsam herumprobieren. Beides stimmt.

Von der Sackgasse zum Vorbild

Ein großes Publikum fand die Platte damals nicht. Sie war etwas für Eingeweihte. Später kamen Nachpressungen, schlechte Raubkopien in den Neunzigern, eine offizielle CD erst 2004. Die britische Zeitschrift Uncut zählte Musik von Harmonia und das Nachfolgealbum Deluxe zum Besten, was der Krautrock zu bieten hatte: sanfter als Can oder Faust, aber genauso fesselnd. Julian Cope nahm das Album in seine Liste der 50 wichtigsten Krautrock-Platten auf.

Der Kritiker Alex Abramovich sah in Harmonia eine Grundlage nicht nur für Ambient, sondern für ganze Generationen von Rockbands ohne Blues, von Wire und New Order bis My Bloody Valentine. David Bowie zählte die Band zu den wichtigsten deutschen Gruppen dieser Zeit.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 43 Minuten ist Musik von Harmonia ein kurzes Album.

Diese Platte braucht Ruhe. Nebenbei gehört, rutscht sie leicht in den Hintergrund, und das ist ja auch eine ihrer Stärken. Wer aber sitzt und zuhört, entdeckt die kleinen Dinge: ein Klicken der Rhythmusmaschine, eine Orgel, die kurz schief wird, eine Gitarre, die von weit her kommt. Am Stück gehört, ergibt sich aus den Stücken ein Tag in Forst, von morgens bis abends: helle, bewegte Stücke wie „Watussi“ und „Dino“, dazwischen das stille, weite „Sehr kosmisch“.

Für wen

Für Leute, die Neu! oder Kraftwerk mögen und hören wollen, wie es klingt, wenn die Motorik langsamer wird. Für alle, die Brian Eno kennen und wissen wollen, was ihn so begeistert hat. Bei „Sehr kosmisch“, fast elf Minuten lang, kann man die Zeit vergessen.

Wenn Sie unsicher sind, hören Sie die ersten Minuten von „Sehr kosmisch“. Wenn Sie danach nicht aufhören möchten, ist das Ihr Album.