Quiet Is the New Loud

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Quiet Is the New Loud entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Um das Jahr 2000 ist britische Gitarrenmusik vor allem laut. Die großen Bands der Neunziger füllen noch die Stadien, die Gitarren sind verzerrt, die Refrains groß. In diese Lage hinein erscheint im Januar 2001 ein Album aus Norwegen, dessen Titel wie eine Gegenrede klingt: Quiet Is the New Loud. Leise ist das neue Laut.

Hinter dem Titel stehen zwei junge Männer aus Bergen, beide 1975 geboren, seit der Schulzeit befreundet. Erlend Øye, der mit der Brille, und Eirik Glambek Bøe, der später Psychologie studieren wird. Sie haben zwei Gitarren und zwei Stimmen. Mehr brauchen sie für die meisten ihrer Lieder nicht.

Ein Titel wird zum Etikett

Die britische Musikpresse griff den Satz auf. Bald stand er über Artikeln, in denen es um mehrere junge Bands ging, die akustisch und zurückhaltend spielten: Turin Brakes etwa, oder I Am Kloot. Der Titel dieser Platte wurde zur Überschrift einer kleinen Bewegung, ob die beiden Norweger das wollten oder nicht.

Erlend Øye war mit dem Etikett nie ganz glücklich. Mit nur zwei Gruppen, sagte er, gründe man noch keine Bewegung. In Norwegen war das egal: Dort stieg das Album auf Platz eins der Charts. In Großbritannien kam es bis auf Platz 72, verkaufte sich aber über Jahre weiter und bekam 2004 eine Silberne Schallplatte.

02Wie Quiet Is the New Loud entstand

Øye und Bøe gingen in Bergen in dieselbe Klasse. Mit sechzehn gründeten sie mit zwei Freunden eine Band namens Skog, norwegisch für Wald. 1996 erschien eine EP, danach ging die Band auseinander. Øye zog es nach England, er spielte eine Zeit lang in einer Band in London und verbrachte Zeit in Manchester. Bei seinen Besuchen zu Hause fing er mit Bøe an, als Duo Lieder zu schreiben.

Im Sommer 1999 traten die beiden auf Festivals in Europa auf und bekamen einen Vertrag beim amerikanischen Label Kindercore. Ein Teil der Lieder für das Debüt entstand noch in Norwegen: „Toxic Girl“ und „Failure“ wurden zuerst in den Ornkli Studios in Bergen aufgenommen und später in England weiterbearbeitet.

Liverpool, Zwei-Zoll-Band

Aufgenommen und gemischt wurde das Album in den Parr Street Studios in Liverpool. Am Pult saß Ken Nelson, der dort kurz zuvor mit Coldplay deren Debüt Parachutes gemacht hatte. Nelson produzierte gemeinsam mit dem Duo. Laut den Angaben auf der Hülle lief alles über eine analoge Studer-Bandmaschine mit 24 Spuren auf Zwei-Zoll-Band und ein Neve-Mischpult. Gemastert wurde in den Abbey Road Studios in London.

Die beiden spielten fast alles selbst: akustische und elektrische Gitarren, Klavier, ein wenig Schlagzeug und Percussion. Auch die Streicherarrangements schrieben sie selbst. Von außen kamen nur wenige Gäste dazu: zwei Cellisten, Ian Bracken und Matt McGeever, der Trompeter Ben Dumville und für ein paar Schlagzeugwirbel Tarjei Strøm.

Das Album erschien am 29. Januar 2001 bei Source in Europa, im März in den USA. Drei Singles kamen im Lauf des Jahres heraus: „Winning a Battle, Losing the War“, „Toxic Girl“ und „Failure“.

03Der Klang

Das Erste, was auffällt, sind die zwei Stimmen. Øye und Bøe singen nicht abwechselnd, sondern meistens zusammen, eng beieinander, in einem Abstand von wenigen Tönen. Beide singen weich und ohne Druck. Man hört eher eine Unterhaltung als einen Auftritt.

Darunter liegen die zwei Gitarren, sauber gezupft, oft in schnellen, gleichmäßigen Figuren. Die eine spielt die Akkorde, die andere eine Gegenstimme, und beide greifen ineinander wie zwei Zahnräder. Der Vergleich mit Simon & Garfunkel lag von Anfang an nahe. Er stimmt, was die Harmonien angeht, aber die Norweger klingen kühler, ein wenig nüchterner, als hätten sie das Pathos zu Hause gelassen.

Wenig, aber genau gesetzt

Was sonst noch zu hören ist, kommt sparsam. In „Singing Softly to Me“ taucht eine Trompete auf, in „Failure“ ein Cello, in „Summer on the Westhill“ ein Klavier. Schlagzeug gibt es kaum. Wenn einmal eine elektrische Gitarre einsetzt, wirkt das wie ein kleines Ereignis.

Die Kritik war sich nicht ganz einig. Die Seite Metacritic errechnete aus den Besprechungen einen Durchschnitt von 71 von 100 Punkten, das NME gab acht von zehn, Pitchfork dagegen nur 5,2. Caroline Hennessy vom irischen Sender RTÉ nannte es „ein bittersüßes Popalbum, in das man sich einhüllen kann“.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Zwölf Lieder, das kürzeste knapp zweieinhalb Minuten, das längste gut fünf. Keines bricht aus. Die Platte hält ein Tempo, eine Lautstärke und eine Stimmung, von „Winning a Battle, Losing the War“ am Anfang bis „Parallel Lines“ am Ende. Das könnte eintönig sein. Es ist das Gegenteil: Weil nichts laut wird, fallen die kleinen Unterschiede auf.

Ein Cello, das plötzlich unter den Gitarren liegt. Eine Trompete, die nur ein paar Töne spielt und wieder verschwindet. Ein Moment, in dem eine der beiden Stimmen allein weitersingt. Man hört genauer hin, je länger die Platte läuft.

Ein Anfang, ein Ende

„Winning a Battle, Losing the War“ ist ein guter Einstieg, weil es gleich zeigt, wie diese Musik funktioniert: zwei Gitarren, die sich umkreisen, zwei Stimmen darüber. Der Titel beschreibt ein Gefühl, das viele kennen, einen kleinen Sieg, der am Ende nichts nützt.

Am Schluss steht „Parallel Lines“, mit gut fünf Minuten das längste Stück, geschrieben zusammen mit Daisy Simons. Es lässt sich Zeit, wird eher weiter als lauter. Das Album hört nicht mit einem Höhepunkt auf, sondern läuft langsam aus, wie ein Gespräch, das spät am Abend von selbst leiser wird.

05Warum es einen Abend trägt

Knapp fünfundvierzig Minuten, zwölf Lieder. Quiet Is the New Loud ist eine Platte, die nicht um Aufmerksamkeit bittet. Wer genau hinhört, merkt, wie viel in diesen scheinbar einfachen Liedern steckt.

Zwei Gitarren

Diese Musik ist in Liverpool auf analoges Band aufgenommen worden, auf einer Studiomaschine mit Zwei-Zoll-Band. Jede der beiden Gitarren hat ihren Platz, und man hört die Finger auf den Saiten. Am Ende steht „Parallel Lines“, mit gut fünf Minuten das längste Lied der Platte.

Für mich ist der schönste Moment der Übergang zu „The Girl from Back Then“. Für ein paar Sekunden hört man nur den Raum des Studios, und das Zimmer, in dem man selbst sitzt, scheint einen Moment lang mit ihm zu verschmelzen.