Tago Mago

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Tago Mago entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Anfang 1970, eine Straße in München. Vor einem Café steht ein junger Japaner und singt, allein, ohne Band. Er heißt Kenji Suzuki, alle nennen ihn Damo. Zwei Männer bleiben stehen: Holger Czukay, der Bassist, und Jaki Liebezeit, der Schlagzeuger einer Kölner Gruppe namens Can. Sie haben am Abend einen Auftritt im Münchner Club Blow Up, und sie haben keinen Sänger mehr.

Sie fragen ihn, ob er mitkommen will. Suzuki steht am selben Abend mit auf der Bühne und bleibt. Kein Vorsingen, keine Probe, kein Vertrag – ein Mann von der Straße, der ein paar Stunden später Teil einer Band ist, die er vorher nicht kannte.

Lokomotive und Passagier

Sein Vorgänger war Malcolm Mooney, ein Amerikaner, der Can bis Ende 1969 seine Stimme gegeben hatte. Czukay hat den Unterschied später in ein Bild gefasst. Mooney sei eine „treibende Lokomotive“ gewesen: Die Band „musste ihm folgen, konnte nicht hinter ihm stehen“. Suzuki dagegen „brauchte eine Gruppe, die ihn anschob“.

Das ist, knapp gesagt, der Schlüssel zu Tago Mago. Die Band schiebt, und über ihr treibt eine Stimme, die mal Englisch singt, mal Japanisch, mal Silben, die zu keiner Sprache gehören. Suzuki hört zu, was unter ihm passiert, und reagiert. Er führt nicht. Tago Mago ist das erste ganze Album, auf dem er von Anfang bis Ende dabei ist.

02Wie Tago Mago entstand

Seit 1968 wohnte und probte die Band in Schloss Nörvenich, einer mittelalterlichen Anlage westlich von Köln. Der Kunstsammler Christoph Vohwinkel hatte sie eingeladen, mietfrei zu bleiben. Dort war schon das erste Album, Monster Movie, entstanden. Zwischen November 1970 und Februar 1971 nahm die Band hier Tago Mago auf, drei Monate lang, an manchen Tagen bis zu sechzehn Stunden.

Die Technik war karg. Czukay, der zugleich Bass spielte, nahm alles auf Zweispur-Tonbandgeräten auf. Es gab drei Mikrofone: eines für Suzuki, eines für Liebezeit, eines in der Mitte für den ganzen Raum. Kein Mischpult, kein eigener Toningenieur. Wer lauter oder leiser klingen sollte, musste näher ans Mikrofon oder weiter weg. Die Band stand in der Eingangshalle des Schlosses, weil dort der Nachhall am schönsten war.

Das Band läuft mit

Czukay tat noch etwas anderes, zum ersten Mal bei Can: Er ließ das Band heimlich laufen, wenn die anderen nur probten oder jammten, ohne zu wissen, dass es zählte. Aus diesen Zwischenaufnahmen schnitt er später Teile heraus und setzte sie in die Stücke. Mit auf dem Band landeten auch Dinge, die niemand geplant hatte: die Rufe eines Kindes, das versehentlich in den Raum gelaufen war, und das Heulen von Vohwinkels Hund.

Czukay und Keyboarder Irmin Schmidt hatten bei Karlheinz Stockhausen studiert, und man hört, dass Schneiden und Zusammensetzen für sie genauso Komponieren war wie Spielen. Die Band nannte das „instant composition“. Die Musik entsteht im Raum, ohne Noten, und entschieden wird danach, am Tonband.

03Der Klang

Im Zentrum steht Jaki Liebezeit. Er kam aus dem Free Jazz und spielte bei Can das Gegenteil davon: kurze, sich wiederholende Muster, stur, genau, über Minuten gleich und doch nie mechanisch. Darüber legt Czukay einen Bass, der wenige Töne spielt und viel Platz lässt. Michael Karoli, der Jüngste, spielt Gitarre und Geige, oft in kleinen Figuren, die sich um den Rhythmus winden. Irmin Schmidt sitzt an Farfisa-Orgel und E-Piano und an Geräten, die Geräusche machen.

Auf „Aumgn“ benutzte Schmidt Oszillatoren statt eines Synthesizers, und er singt dort selbst – eher ein Anrufen als ein Singen. Auf „Peking O“ läuft eine frühe Rhythmusmaschine, eine Ace Tone Rhythm Ace, gegen Liebezeits echtes Schlagzeug. Das klingt, als würden zwei Uhren im selben Zimmer verschieden gehen.

Wie klingt ein Schloss?

Hart und hallig. Das Schlagzeug hat keinen trockenen Studioton, sondern Luft um sich, und die Stimme klingt manchmal, als käme sie aus einem Nebenraum. Wer die Platte laut hört, hört die Halle mit. Simon Reynolds hat das später im Melody Maker „shamanic avant-funk“ genannt. Das trifft es: Man kann auf „Halleluhwah“ tanzen, aber es ist kein Tanzstück.

Die Zeitgenossen waren nicht alle überzeugt. Michael Watts fand im Melody Maker die „seltsame, fremdartige Qualität“ der Platte bemerkenswert, vermisste aber ein „tiefes Gespür für den Geist des Rock ’n’ Roll“. Man kann das auch als Beschreibung lesen. Tago Mago will nicht nach Rock'n'Roll klingen.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Czukay hat 2008 beschrieben, was die Band vorhatte: „einen Versuch, eine rätselhafte musikalische Welt zu erreichen, von hell zu dunkel und zurück“. Genau so ist die Platte gebaut. Die erste Seite ist die zugänglichste, die zweite zieht in einen langen Rhythmus hinein, die dritte verlässt jede Form, und die vierte holt einen langsam wieder heraus.

Einzeln gehört, ergeben die Stücke wenig Sinn. „Aumgn“ allein ist eine Zumutung, „Halleluhwah“ allein ein sehr langer Groove. In der Reihenfolge aber wird aus der Zumutung ein Weg: Man ist durch den Groove schon so weit hineingezogen, dass man beim Geräusch dableibt. Und „Bring Me Coffee or Tea“ am Ende wirkt danach wie ein Fenster, das jemand aufmacht.

Ohne verschwendete Note

Ned Raggett nannte Tago Mago bei AllMusic „diese Seltenheit der frühen Siebziger, ein Doppelalbum ohne verschwendete Note“. Julian Cope schrieb in seinem Buch Krautrocksampler, die Platte „klingt nur nach sich selbst, wie niemand davor oder danach“.

Die Wirkung reichte weit. John Lydon nannte sie in seiner Autobiografie „umwerfend“. Bobby Gillespie erinnert sich: „Die Musik war wie nichts, was ich je gehört hatte … geheimnisvoll und europäisch.“ The Jesus and Mary Chain spielten „Mushroom“ 1986 live in Nürnberg. Mark Hollis von Talk Talk nannte Tago Mago „ein extrem wichtiges Album“, und Jonny Greenwood und Thom Yorke von Radiohead haben es als frühen Einfluss genannt. Pitchfork setzte es 2004 auf Platz 29 der besten Alben der Siebziger.

05Warum es einen Abend trägt

Mit gut dreiundsiebzig Minuten ist Tago Mago ein langes Album. Es ist ein Doppelalbum, dessen dritte Seite nicht jedem gefällt.

Trotzdem gehört sie für mich in diese Liste, gerade wegen dieser Seite. Die Platte geht von hell zu dunkel und zurück: Die erste Seite ist die zugänglichste, die dritte verlässt jede Form, die vierte holt einen langsam wieder heraus. Am Stück gibt es kein Überspringen. Wer bei „Aumgn“ bleibt, hört, wie aus Geräusch nach und nach wieder Musik wird, und „Peking O“ und „Bring Me Coffee or Tea“ klingen danach anders, als wenn man sie einzeln anspielt.

Für wen

Für Leute, die gern tanzen, ohne dass es Tanzmusik ist. Für alle, die Radiohead oder Talk Talk mögen und wissen wollen, woher das kam. Und für alle, die es aushalten, dass es zwischendurch unbequem wird.

Wenn Sie unsicher sind, fangen Sie mit „Halleluhwah“ an, am besten laut. Wenn die achtzehn Minuten Ihnen zu kurz vorkommen, ist Tago Mago Ihr Album.