The Inner Mounting Flame

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie The Inner Mounting Flame entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Das Gaslight at the Au Go Go ist ein Club an der Bleecker Street in Greenwich Village. Im Juli 1971 steht dort eine Band auf der Bühne, die es vor ein paar Wochen noch nicht gab. Sie soll den Abend für den Bluesmann John Lee Hooker eröffnen. Die fünf Musiker haben genau eine Woche zusammen geprobt.

Vorn steht John McLaughlin, Engländer aus Doncaster. Am Schlagzeug sitzt Billy Cobham, geboren in Panama. Jan Hammer an den Tasten kommt aus Prag, Rick Laird am Bass aus Dublin, der Geiger Jerry Goodman aus Chicago. Fünf Länder, eine Band. Sie nennt sich Mahavishnu Orchestra.

Ein Rat von Miles Davis

Angestoßen hatte das Miles Davis. McLaughlin hatte bei ihm auf In a Silent Way und Bitches Brew gespielt. Nach einem schwachen Konzertabend in Boston sagte Davis zu ihm: „Es ist Zeit, dass du deine eigene Band gründest.“ So erzählt es McLaughlin im Gespräch mit JazzTimes. Er habe daran vorher gar nicht gedacht. Sein Schluss: „Wenn er glaubt, dass ich das kann, dann mache ich es.“

Was er wollte, wusste er genau. „Mehr Rock, mehr Funk, mehr R&B, mehr Fleisch in der Musik“, sagte er derselben Zeitschrift. Und der Name? „Warum kein Orchester? Laut wie ein Orchester waren wir allemal.“

Nach den ersten Abenden im Gaslight ging die Band ins Studio. Was dort im August 1971 entstand, klingt noch heute so, als hätte man die fünf direkt von der Bühne geholt.

02Wie The Inner Mounting Flame entstand

McLaughlin war 1969 nach New York gekommen, um bei Tony Williams’ Band Lifetime zu spielen. Bald holte ihn auch Miles Davis ins Studio. Ein Stück auf Bitches Brew trägt sogar seinen Namen. In dieser Zeit lernte er den indischen Lehrer Sri Chinmoy kennen und wurde sein Schüler. Chinmoy gab ihm den Namen Mahavishnu. „Maha“ heißt im Sanskrit groß, Vishnu ist ein hinduistischer Gott.

Den Schlagzeuger kannte er schon. Billy Cobham hatte auf McLaughlins Album My Goal’s Beyond gespielt. „Wir spielten zusammen, nur wir zwei, etwa drei Wochen lang“, erinnerte sich Cobham später im Magazin Prog. Für die Geige wollte McLaughlin zuerst den Franzosen Jean-Luc Ponty, doch der bekam keine Arbeitserlaubnis für die USA. Also hörte er sich Platten an und blieb bei Jerry Goodman hängen, der mit der Rockband The Flock aufgenommen hatte. „Ich fand Jerry irgendwo in Illinois auf einer Farm“, sagte McLaughlin.

Zwei Umwege zur Besetzung

Auch am Bass gab es einen ersten Wunsch: Tony Levin, der aber absagte. Rick Laird kannte McLaughlin seit Jahren. In London war Laird Hausbassist im Jazzclub Ronnie Scott’s gewesen. Zum Keyboarder Jan Hammer führte ein gemeinsamer Freund, der Bassist Miroslav Vitouš von Weather Report. Über Hammers Vorspiel sagte McLaughlin: „Er war unglaublich. So viel Selbstvertrauen.“

Aufgenommen wurde im August 1971 in den CBS Studios in New York. McLaughlin produzierte selbst, am Mischpult saß Don Puluse. Alle acht Stücke stammen von McLaughlin. Columbia brachte das Album Ende 1971 heraus.

03Der Klang

Das Erste, was auffällt, ist die Lautstärke. Diese Band spielt Jazz, aber mit der Wucht einer Rockband. Cobham trommelt hart wie ein Rockdrummer und spielt dabei Figuren, die aus dem Jazz kommen. McLaughlins Gitarre ist verzerrt, schnell und oft sehr hoch. Jan Hammer spielt E-Piano und lässt es auf „The Noonward Race“ ebenfalls verzerrt klingen.

Die Geige ist das, was diese Band von anderen unterscheidet. Goodman spielt nicht süß und nicht romantisch. Er geht oft mit der Gitarre im Gleichklang, dieselbe schnelle Linie, Ton für Ton. Dadurch klingen die Themen dicht und eigenartig, fast wie ein einziges, fremdes Instrument.

Ungerade Takte

Dazu kommen die Takte. Viele Stücke laufen nicht im geraden Vierertakt, sondern in längeren, ungeraden Mustern. Man merkt das, wenn man mitklopfen will und plötzlich zu früh oder zu spät ist. „The Dance of Maya“ ist das deutlichste Beispiel: ein schwerer Riff in einem verwinkelten Takt, der irgendwann in einen Blues mündet. Die Band spielt das, als wäre es das Normalste der Welt.

Synthesizer gibt es hier noch nicht. Walter Kolosky, der ein Buch über die Band geschrieben hat, betont das in seiner Besprechung für All About Jazz: alles von Hand gespielt, laut und roh. Er erzählt auch, ein Toningenieur von Columbia habe die Sessions verlassen, weil ihn die Lautstärke nicht mehr denken ließ. Ob das genau so war, lässt sich nicht prüfen. Hören kann man, warum es jemand erzählt.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die Platte ist wie zwei Seiten gebaut, die einander spiegeln. Seite eins beginnt mit „Meeting of the Spirits“, einem Auftakt mit voller Wucht. Dann „Dawn“, das ruhiger beginnt, „The Noonward Race“ mit Tempo, schließlich der akustische Ruhepunkt. Seite zwei geht mit „Vital Transformation“ wieder nach vorn, über „The Dance of Maya“ zu „You Know You Know“, einem der leisen Stücke, und endet mit dem kurzen, schnellen „Awakening“.

Laut und leise wechseln sich also ab, aber nie zufällig. Jedes ruhige Stück gibt dem nächsten lauten mehr Gewicht. Und weil alle acht Stücke aus einer Feder stammen, klingt die Platte wie aus einem Guss, obwohl fünf sehr verschiedene Musiker darauf spielen.

Wie sie aufgenommen wurde

In den Billboard-Charts kam das Album auf Platz 89, bei den Jazzalben auf Platz 11. Für ein instrumentales Debüt einer neuen Band war das viel. McLaughlin sagte JazzTimes über den Erfolg: „Schockiert! Damit hatte ich überhaupt nicht gerechnet.“

Robert Christgau gab die Note A. Bill Milkowski staunte 1998 in JazzTimes über ein Quintett, „das es wagte, sich Orchester zu nennen“. Richard S. Ginell nannte es bei AllMusic ein „wütendes, energiegeladenes und doch streng durchdachtes Treffen von Virtuosen“. Nicht alle mochten das. Viele Jazzmusiker hätten die Band verrissen, erzählte McLaughlin später dem Magazin Prog.

Spuren hat das Album trotzdem hinterlassen, auch weit weg vom Jazz. „You Know You Know“ wurde gesampelt, unter anderem von Massive Attack für „One Love“ und von Mos Def für „Kalifornia“.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 46 Minuten, acht Stücke. Das passt gut in einen Abend und lässt danach noch Zeit.

Am Stück gehört, merkt man, wie sorgfältig die Reihenfolge gebaut ist. Die Platte beginnt mit einem Schlag und lässt einen kaum ankommen. Dann nimmt sie sich zurück, legt wieder zu, und genau in der Mitte steht das akustische Stück. Danach fängt alles noch einmal an, eine Spur dunkler und schwerer.

Was die acht Stücke zusammenhält, ist das Zusammenspiel. Gitarre und Geige laufen immer wieder gemeinsam, das Schlagzeug treibt, das E-Piano füllt die Lücken. Man hört fünf Leute, die sich gegenseitig nicht aus den Augen lassen.

Der letzte Titel

Am Ende steht „Awakening“, das kürzeste Stück. Keine vier Minuten, sehr schnell, alle fünf gleichzeitig am Anschlag. Es wirkt wie ein letzter Sprint. Dann ist es plötzlich vorbei, ohne langes Ausklingen.

Das passt zum Titel. Nach so viel Lärm und so viel Konzentration ist die Stille danach das eigentliche Erwachen.

Bei welchem der acht Stücke haben Sie aufgehört, den Takt mitzuzählen?