Head Hunters

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Head Hunters entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Seit 1972 praktizierte Hancock Nichiren-Buddhismus. Dazu gehört das Rezitieren der Formel „Nam-myoho-renge-kyo“. In einem Interview mit dem amerikanischen Radiosender NPR hat er erzählt, wie ihm während des Chantens plötzlich ein Song von Sly Stone durch den Kopf ging. Er habe begonnen, sich seine eigene Band vorzustellen, wie sie diese funkige Musik spielt. „I made a change in my life at that point. And I decided that this is something I want to explore.“

Sly Stones „Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)“ gehörte damals zu seinen Lieblingsstücken, obwohl er selbst etwas ganz anderes spielte.

Ein Risiko mit Ansage

Leicht fiel ihm der Schritt nicht. Hancock hat später eingeräumt, dass er Funk lange für weniger wert hielt als Jazz. Ihm war klar, was auf dem Spiel stand: „I was taking a risk because I might not get a new audience and might alienate the one I already had, but I knew I had to be true to myself.“

02Wie Head Hunters entstand

Vor Head Hunters lagen drei Alben mit dem Mwandishi-Sextett: Mwandishi, Crossings und Sextant, erschienen zwischen 1971 und 1973. Aus dieser Band behielt Hancock nur den Holzbläser Bennie Maupin. Neu dazu kamen der Bassist Paul Jackson, der Schlagzeuger Harvey Mason und der Perkussionist Bill Summers. Eine Gitarre gab es bewusst nicht, ihren Platz übernahm Hancocks Hohner Clavinet. Auch die Synthesizer spielte er diesmal ganz allein.

Aufgenommen wurde in zwei Studios in San Francisco, den Wally Heider Studios und dem Different Fur Trading Co. Produziert haben Hancock und David Rubinson, der schon die Mwandishi-Alben betreut hatte.

Skepsis bei der Plattenfirma

Bei Columbia war man zunächst wenig begeistert. In seiner Autobiografie Possibilities schreibt Hancock sinngemäß, nur der Mitarbeiter, der sich um die Promotion an den Colleges kümmerte, habe die Platte gemocht. Am 26. Oktober 1973 erschien sie trotzdem.

03Der Klang

„Chameleon“ beginnt mit dem Basslauf, für den das Album bis heute bekannt ist. Hancock spielt ihn nicht auf einem Bass, sondern auf einem ARP-Odyssey-Synthesizer. Das Stück ruht auf nur zwei Akkorden, darüber wechseln sich Hancock und Maupin mit Soli ab. Über fünfzehn Minuten baut sich die Musik langsam auf, fällt in sich zusammen und findet zum Groove zurück.

„Sly“ ist Sly Stone gewidmet und klingt deutlich wilder, fast wie eine Erinnerung an die Mwandishi-Zeit. „Vein Melter“ am Ende ist langsam und weich, getragen von Hancocks Fender Rhodes und Maupins Bassklarinette.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Head Hunters ist aufgebaut wie ein Konzertabend. Die erste Seite bringt mit „Chameleon“ und „Watermelon Man“ den Groove, die zweite wird mit „Sly“ freier und unruhiger. „Vein Melter“ nimmt die Spannung dann ganz heraus. Man spürt, dass hier fünf Musiker miteinander spielen und nicht nacheinander aufgenommen wurden.

Von der Kritik gescholten, vom Publikum gekauft

Nicht alle waren überzeugt. Der Journalist Lee Underwood nannte die Musik „commercial rubbish“. Das Publikum sah es anders: In den USA kam das Album auf Platz 13 der Popcharts, auf Platz 2 der R&B-Charts und auf Platz 1 der Jazzcharts. Bis George Bensons Breezin' 1976 war es das meistverkaufte Jazzalbum. 1986 zeichnete die RIAA es mit Platin aus. 2008 nahm die Library of Congress es in das National Recording Registry auf.

05Warum es einen Abend trägt

Zweiundvierzig Minuten, zwei Stücke pro Seite. Das ist wenig Unterbrechung und viel Zeit, sich in eine Musik hineinzuhören. Wer sonst keinen Jazz hört, braucht hier kein Vorwissen. Der Einstieg ist ein Basslauf, zu dem fast jeder mit dem Kopf nickt, lange bevor die Soli beginnen.

Groove zuerst

Gerade auf einer Bandmaschine zeigt sich, wie viel in dieser Musik passiert. Summers' Perkussion liegt in vielen kleinen Schichten unter dem Groove, Clavinet und Bass greifen ineinander. Nach „Watermelon Man“ wird die Seite gewechselt, und „Sly“ holt alle noch einmal nach vorn. Wenn am Ende „Vein Melter“ ausklingt, ist der Raum ruhig, aber wach.

Wie weit kann sich Musik vom Jazz entfernen, bevor sie aufhört, Jazz zu sein?