Head Hunters

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Head Hunters entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Seit 1972 praktizierte Hancock Nichiren-Buddhismus. Dazu gehört das Rezitieren der Formel „Nam-myoho-renge-kyo“. In einem Interview mit dem amerikanischen Radiosender NPR hat er erzählt, wie ihm während des Chantens plötzlich ein Song von Sly Stone durch den Kopf ging. Er habe begonnen, sich seine eigene Band vorzustellen, wie sie diese funkige Musik spielt. „Da habe ich etwas in meinem Leben verändert. Und ich beschloss, das zu erkunden.“

Sly Stones „Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)“ gehörte damals zu seinen Lieblingsstücken, obwohl er selbst etwas ganz anderes spielte.

Ein Risiko mit Ansage

Leicht fiel ihm der Schritt nicht. Hancock hat später eingeräumt, dass er Funk lange für weniger wert hielt als Jazz. Ihm war klar, was auf dem Spiel stand: Womöglich würde er kein neues Publikum finden und das bisherige verprellen. „Ich bin ein Risiko eingegangen … aber ich wusste, ich musste mir selbst treu bleiben.“

Im Begleittext zur CD-Neuauflage von 1997 beschrieb Hancock, was ihn an der eigenen Musik störte. Die Band habe eine sehr schwere Musik gespielt. „Ich hatte es satt, dass alles schwer war“, schrieb er. Er wollte etwas Leichteres spielen.

02Wie Head Hunters entstand

Vor Head Hunters lagen drei Alben mit dem Mwandishi-Sextett: Mwandishi, Crossings und Sextant, erschienen zwischen 1971 und 1973. Aus dieser Band behielt Hancock nur den Holzbläser Bennie Maupin. Neu dazu kamen der Bassist Paul Jackson, der Schlagzeuger Harvey Mason und der Perkussionist Bill Summers. Eine Gitarre gab es bewusst nicht, ihren Platz übernahm Hancocks Hohner Clavinet. Auch die Synthesizer spielte er diesmal ganz allein.

Aufgenommen wurde in zwei Studios in San Francisco, den Wally Heider Studios und dem Different Fur Trading Co. Produziert haben Hancock und David Rubinson, der schon die Mwandishi-Alben betreut hatte.

Die Aufnahmen fanden im September 1973 statt, in Sitzungen am Abend. Am Mischpult saßen Fred Catero, Jeremy Zatkin, Dane Butcher und John Vieira. Bei den Mwandishi-Alben hatte Hancock die Synthesizer noch mit Patrick Gleeson geteilt. Jetzt spielte er neben dem Clavinet ein Fender Rhodes und zwei Synthesizer von ARP, den Odyssey und den Pro Soloist.

Die anderen vier brachten ein ganzes Arsenal mit. Bennie Maupin spielte Tenor- und Sopransaxofon, Saxello, Bassklarinette und Altflöte. Paul Jackson spielte E-Bass und die Marímbula. Bill Summers hatte unter anderem Congas, Agogô, Cabasa, Shekere, Surdo, Balafon und eine Schlitztrommel dabei. Harvey Mason saß am Schlagzeug und schrieb das Arrangement für „Watermelon Man“.

Vier Namen unter „Chameleon“

„Chameleon“ ist kein Stück, das Hancock allein schrieb. Als Komponisten stehen neben ihm Paul Jackson, Harvey Mason und Bennie Maupin. Auch „Sly“ und „Vein Melter“ entstanden für dieses Album. Nur „Watermelon Man“ war älter.

Skepsis bei der Plattenfirma

Bei Columbia war man zunächst wenig begeistert. In seiner Autobiografie Possibilities schreibt Hancock sinngemäß, nur der Mitarbeiter, der sich um die Promotion an den Colleges kümmerte, habe die Platte gemocht. Am 26. Oktober 1973 erschien sie trotzdem.

03Der Klang

„Chameleon“ beginnt mit dem Basslauf, für den das Album bis heute bekannt ist. Hancock spielt ihn nicht auf einem Bass, sondern auf einem ARP-Odyssey-Synthesizer. Das Stück ruht auf nur zwei Akkorden, darüber wechseln sich Hancock und Maupin mit Soli ab. Über fünfzehn Minuten baut sich die Musik langsam auf, fällt in sich zusammen und findet zum Groove zurück.

„Sly“ ist Sly Stone gewidmet und klingt deutlich wilder, fast wie eine Erinnerung an die Mwandishi-Zeit. „Vein Melter“ am Ende ist langsam und weich, getragen von Hancocks Fender Rhodes und Maupins Bassklarinette.

Pitchfork beschrieb den Klang des Albums später nüchtern: „Nur fünf erstklassige Profis, die jammen“, mit wenig Schnitt und wenig Nachbearbeitung. Hancock und Rubinson ließen die Band spielen und griffen danach nur wenig ein.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Head Hunters ist aufgebaut wie ein Konzertabend. Die erste Seite bringt mit „Chameleon“ und „Watermelon Man“ den Groove, die zweite wird mit „Sly“ freier und unruhiger. „Vein Melter“ nimmt die Spannung dann ganz heraus. Man spürt, dass hier fünf Musiker miteinander spielen und nicht nacheinander aufgenommen wurden.

Von der Kritik gescholten, vom Publikum gekauft

Nicht alle waren überzeugt. Der Journalist Lee Underwood nannte die Musik „commercial rubbish“. Das Publikum sah es anders: In den USA kam das Album auf Platz 13 der Popcharts, auf Platz 2 der R&B-Charts und auf Platz 1 der Jazzcharts. Bis George Bensons Breezin' 1976 war es das meistverkaufte Jazzalbum. 1986 zeichnete die RIAA es mit Platin aus. 2008 nahm die Library of Congress es in das National Recording Registry auf.

Bis Ende 1974 blieb es unter den ersten 30 der Popcharts und unter den ersten fünf der R&B-Charts. In der Jahresbilanz von Billboard stand es auf Platz 21 der Popalben und auf Platz 3 der R&B-Alben. Die späteren Urteile fielen eindeutig aus. Stephen Thomas Erlewine von AllMusic nennt das Album einen Wendepunkt in Hancocks Laufbahn. Sein Einfluss reiche über den Jazz hinaus in Funk, Soul und Hip-Hop. Pitchfork vergab die volle Punktzahl. Der Rolling Stone setzte Head Hunters 2020 auf Platz 254 seiner 500 besten Alben. In der Buchfassung der Liste von 2005 hatte es noch auf Platz 498 gestanden. Auch das Nachschlagewerk 1001 Albums You Must Hear Before You Die führt es.

Die Band ging weiter

Die Headhunters blieben zusammen, mit Mike Clark statt Harvey Mason am Schlagzeug. Mit Hancock nahmen sie Thrust (1974), Man-Child und Flood (beide 1975) auf. Daneben machten sie eigene Platten. Auf Survival of the Fittest von 1975, produziert von Hancock, steht ihr Hit „God Make Me Funky“. 1978 folgte Straight from the Gate, auf dem Hancock als Gastsolist zu hören ist. Seine eigenen Alben Secrets (1976) und Sunlight (1977) entstanden dagegen in veränderter Besetzung.

05Warum es einen Abend trägt

Zweiundvierzig Minuten, zwei Stücke pro Seite. Das ist wenig Unterbrechung und viel Zeit, sich in eine Musik hineinzuhören. Wer sonst keinen Jazz hört, braucht hier kein Vorwissen. Der Einstieg ist ein Basslauf, zu dem man mit dem Kopf nickt, lange bevor die Soli beginnen.

Groove zuerst

Wie viel in dieser Musik passiert, merkt man, wenn man dranbleibt. Summers' Perkussion liegt in vielen kleinen Schichten unter dem Groove, Clavinet und Bass greifen ineinander. „Chameleon“ allein dauert über fünfzehn Minuten, mehr als ein Drittel der Platte. Man hat Zeit, in den Groove hineinzufinden, und muss nirgends hin.

Was das Album zusammenhält, ist die gleiche Besetzung in allen vier Stücken und der gleiche Grundklang aus Clavinet, Bass und Perkussion. Darin verändert sich viel: „Chameleon“ ist Funk mit Jazzsoli, „Watermelon Man“ beginnt wie eine Feldaufnahme, „Sly“ nähert sich dem freien Spiel.

Danach werden die Stücke kürzer. Nach „Watermelon Man“ endet die erste Plattenseite, und „Sly“ holt alle noch einmal nach vorn. „Vein Melter“ nimmt die Spannung dann ganz heraus: langsam und weich, getragen von Hancocks Fender Rhodes und Maupins Bassklarinette.

Wie weit kann sich Musik vom Jazz entfernen, bevor sie aufhört, Jazz zu sein?