White Pony

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie White Pony entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

1999. Die Deftones schreiben an ihrem dritten Album, in einem Proberaum in Sacramento, den sie „The Spot“ nennen. Einer fehlt oft: Stephen Carpenter, der Gitarrist, ist nach Los Angeles gezogen. Die anderen spielen trotzdem.

Chino Moreno, der Sänger, nimmt eine Gitarre in die Hand. Eigentlich hatte er das nicht vor. Er hat später erzählt, die Idee sei zunächst gar nicht gewesen, dass er auch auf der Platte spielt. Dann habe Carpenter zu ihm gesagt: Wer im Proberaum spielt, spielt auch auf dem Album.

Zwei Gitarren statt einer

So kam es. White Pony ist das erste Album, auf dem Moreno die zweite Gitarre spielt. Carpenter bleibt bei den schweren Riffs, Moreno spielt eine zweite Stimme dazu. Aufgewachsen war er nicht nur mit Hardcore, sondern auch mit The Cure und Depeche Mode.

Im Gespräch mit Guitar World erinnerte sich Moreno 2020 an einen Moment im Studio. Er und Carpenter saßen zusammen und hörten einen fertigen Song. Beide hätten gelächelt, als sie hörten, wie ihre Gitarren ineinander aufgingen. Aus der anfänglichen Spannung wurde ein Klang, den es vorher bei ihnen nicht gab.

02Wie White Pony entstand

Die Deftones kannten sich seit der Schulzeit. Moreno, Carpenter und der Schlagzeuger Abe Cunningham hatten 1988 in Sacramento angefangen, in Carpenters Garage. Dazu kam der Bassist Chi Cheng. Ihre ersten beiden Alben, Adrenaline von 1995 und Around the Fur von 1997, hatte Terry Date produziert. Mit „My Own Summer (Shove It)“ und „Be Quiet and Drive (Far Away)“ liefen sie auf MTV und im Radio.

Für White Pony holten sie Date wieder. Aufgenommen wurde von August 1999 bis Januar 2000 im Record Plant in Sausalito bei San Francisco und in den Larrabee Sound Studios in West Hollywood. Neu fest in der Band war Frank Delgado, an Plattenspielern und Synthesizern. Auf dem Album davor hatte er nur Geräusche beigesteuert. Die Programmierung übernahm DJ Crook, mit dem Moreno nebenbei im Projekt Team Sleep spielte.

Vier Monate statt ein paar Wochen

Geplant waren deutlich weniger Wochen im Studio. Es wurden mehr als vier Monate, so lange wie nie zuvor. Den größten Teil der Zeit, sagte Moreno, hätten sie mit dem Schreiben verbracht. Zwischendurch spielte die Band viel Tony Hawk’s Skateboarding auf der PlayStation. Die Plattenfirma Maverick drängte auf einen früheren Termin. Die Band ließ sich nicht drängen.

Den Durchbruch brachte nach Morenos Erinnerung „Change (In the House of Flies)“. Mit diesem Song hätten sie angefangen, als Einheit zu arbeiten. Er verglich ihn mit „Be Quiet and Drive“, nur weiterentwickelt. Als Vorbilder nannte Moreno Robert Smith und das Cure-Album Pornography, außerdem Endtroducing..... von DJ Shadow.

Gäste aus dem Nachbarstudio

Drei Gäste singen mit. Maynard James Keenan von Tool kam spontan zu „Passenger“ dazu. Scott Weiland von den Stone Temple Pilots sang Harmonien zu „Rx Queen“; im Booklet steht sein Name nicht. Und bei „Knife Prty“ hört man Rodleen Getsic. Moreno erzählte Kerrang!, sie habe im Studio nebenan gearbeitet.

03Der Klang

Die Grundlage bleibt Metal. Carpenters Gitarre ist tief gestimmt und schwer, dazu kommen Cunninghams Schlagzeug und Chengs Bass. Darüber liegt viel, was man in diesem Genre damals selten hörte: Flächen von Synthesizern, Kratzer und Geräusche vom Plattenspieler, programmierte Beats.

Kritiker haben später viele Begriffe dafür gefunden, von Shoegaze über Trip-Hop bis Post-Rock. Als Bezugspunkte werden oft Tool, Faith No More, Nine Inch Nails und Pink Floyd genannt, dazu die dichte Stimmung von Pornography. Die Platte ist laut, aber selten hektisch. Oft scheint sie im Nebel zu stehen.

Eine Stimme in vielen Lagen

Moreno wechselt innerhalb eines Songs vom Flüstern zum Schrei. Bei „Street Carp“ singe er laut über die Musik hinweg, sagte er Kerrang! 2000, so wie Morrissey von den Smiths. „Elite“ dagegen ist direkt, schwer und vom Industrial beeinflusst.

Auch inhaltlich ging Moreno einen neuen Weg. Er schrieb diesmal kaum über sich selbst. Stattdessen erfand er Geschichten und kleine Dialoge, erzählte er Alternative Press. So habe er über alles singen können. Viele Texte handeln von Begehren und Gewalt, oft beides zugleich. Nur „Teenager“ ist anders: Den Text hatte er mit 15 nach einem ersten Date geschrieben. Gedacht war der Song ursprünglich für Team Sleep.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Moreno hat einmal gesagt, man könne keinen einzelnen Song nehmen und behaupten, so klinge das Album. Jeder sei anders. Das stimmt. „Elite“ ist roh und industriell, „Teenager“ ein Liebeslied, „Rx Queen“ nannte Moreno den futuristischsten Song der Platte. Trotzdem zerfällt das Album nicht. Die Stimmung bleibt, nur die Form ändert sich.

Das Publikum ging mit. White Pony stieg in den USA auf Platz 3 ein, in Australien kam es auf Platz 2, in Großbritannien auf Platz 13. Es wurde das meistverkaufte Album der Band. Bei den Grammys 2001 gewann „Elite“ in der Kategorie Best Metal Performance. Abe Cunningham erzählte später, die Band habe oben auf einem Balkon gesessen. Um den Preis abzuholen, seien sie einfach hinuntergesprungen.

Was die Kritik schrieb

Nicht alle waren sofort begeistert. Spin gab nur 4 von 10 Punkten. Die BBC schrieb später, es sei „ein schwieriges Album“. Die britische Kerrang! dagegen gab die volle Wertung, und bei den Kerrang! Awards 2000 wurde es Album des Jahres. Metal Hammer verglich es mit Radioheads OK Computer, nur in Metal.

Mit den Jahren wuchs der Ruf. Der Guardian setzte White Pony 2019 auf Platz 29 der besten Alben des 21. Jahrhunderts. Pitchfork schrieb, die Band habe das Genre Nu Metal hinter sich gelassen und etwas Neues gebaut. Die Deftones selbst wollten mit dem Begriff ohnehin nie etwas zu tun haben.

05Warum es einen Abend trägt

Das Album beginnt ohne Anlauf. „Feiticeira“ ist gut drei Minuten lang und sofort mitten im Geschehen. Danach folgen „Digital Bath“ und „Elite“, das eine schwebend, das andere hart. In diesen drei Stücken steckt schon die ganze Spannweite.

In der Mitte ändert sich der Ton. „Teenager“ ist ein Liebeslied und fällt aus der Reihe, danach zieht „Knife Prty“ die Spannung wieder an. Mit „Passenger“ und „Change (In the House of Flies)“ kommen zwei der längeren Songs direkt nacheinander. Sie sind der Kern der zweiten Hälfte. Der Bogen geht nicht nur nach oben, er geht auch in die Tiefe.

Das letzte Stück

Am Ende steht „Pink Maggit“, mit siebeneinhalb Minuten der längste Titel. Er ist düster und grüblerisch und lässt sich Zeit. Ganz zum Schluss hört man einen aufgenommenen Herzschlag, dann ist es vorbei. Mit knapp 49 Minuten hat das Album eine Länge, die gut in einen Abend passt.

Welche laute Platte hat Ihnen zum ersten Mal gezeigt, wie leise sie sein kann?