Your Queen Is a Reptile

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Your Queen Is a Reptile entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Im Februar 2018 kündigt das Label Impulse! ein neues Album an. Auf der Titelliste stehen neun Stücke, und jedes beginnt mit denselben drei Wörtern: „My Queen Is“. Danach folgt jeweils ein Name. Harriet Tubman. Angela Davis. Albertina Sisulu. Und ganz am Anfang ein Name, den niemand kennen kann: Ada Eastman, die Urgroßmutter von Shabaka Hutchings aus Barbados.

Der Titel des Albums richtet sich an Großbritannien. Er spielt auf eine Verschwörungserzählung an, nach der die Königsfamilie in Wahrheit aus Echsenwesen bestehe. Hutchings glaubt das nicht, er benutzt es. Im Gespräch mit Ammar Kalia von Clash hat er den Gedanken erklärt: Wer die Monarchie neben einen noch absurderen Mythos stellt, sieht vielleicht, dass auch sie ein Mythos ist. Unterdrückte Gemeinschaften, sagt er, verlören die Macht, eigene Mythen zu schaffen.

Neun andere Königinnen

Die Antwort steht in den Titeln. Hutchings wählte Frauen aus, die ihn, wie er sagt, ganz persönlich geprägt hatten: „Menschen, die mich persönlich beeinflusst und mir Inspiration gegeben haben.“ Es sind Frauen aus der Karibik, aus Afrika, aus den USA und aus Großbritannien. Einige sind seit Generationen Teil der Geschichtsbücher, andere kennt man außerhalb ihres Landes kaum.

Als erste Single erscheint „My Queen Is Harriet Tubman“. Kein Wort wird darin gesungen. Der Name im Titel ist der einzige Text. Alles andere erzählen ein Tenorsaxofon, eine Tuba und mehrere Schlagzeuge.

02Wie Your Queen Is a Reptile entstand

Sons of Kemet gab es zu diesem Zeitpunkt seit sieben Jahren. Hutchings hatte die Band 2011 in London gegründet, mit dem Tubisten Oren Marshall und den beiden Schlagzeugern Seb Rochford und Tom Skinner. Kemet ist der altägyptische Name für Ägypten. Zwei Alben waren beim britischen Label Naim erschienen, Burn 2013 und Lest We Forget What We Came Here to Do 2015. An der Tuba saß inzwischen Theon Cross.

2017 nahm Impulse! Hutchings unter Vertrag. Das Label hatte in den Sechzigern die späten Platten von John Coltrane veröffentlicht, dazu Alice Coltrane und Pharoah Sanders. Als das Album angekündigt wurde, nannte Hutchings alle drei als Vorbilder und sprach von „einer Ehre, Teil der Familie zu werden“.

Mehr Schlagzeuger als Bandmitglieder

Produziert haben Hutchings selbst und Dilip Harris. Die Besetzung wechselt von Stück zu Stück. Rochford und Skinner spielen auf den meisten Titeln, auf „My Queen Is Harriet Tubman“ und „My Queen Is Yaa Asantewaa“ übernehmen Eddie Hick und Moses Boyd. Boyd ist auch auf dem achten Stück dabei, Maxwell Hallett auf dem letzten. Insgesamt sind auf dem Album fünf Schlagzeuger zu hören.

Dazu kommen Gäste aus der jungen Londoner Szene. Nubya Garcia spielt Saxofon auf „Yaa Asantewaa“, Pete Wareham auf „Anna Julia Cooper“. Der Dichter Joshua Idehen spricht auf dem ersten und dem letzten Stück, der Jungle-Musiker Congo Natty ist auf „Mamie Phipps Clark“ zu hören. Am 30. März 2018 kam das Album heraus.

03Der Klang

Die Besetzung bestimmt alles. Es gibt kein Instrument, das Akkorde spielt. Die Tuba von Theon Cross übernimmt den Bass, und sie tut es nicht wie in einer Blaskapelle, sondern wie ein Bass im Dub oder im Grime: tief, wiederholt, manchmal fast elektronisch. Darüber spielt Hutchings Tenorsaxofon, kurze Figuren, die sich wiederholen und verschieben.

Dan Ruccia hat Hutchings’ Spiel auf diesem Album in der Indy Week „schlicht und konzentriert“ genannt, ohne auftrumpfende Läufe. Das stimmt. Wer auf lange Soli wartet, wartet oft vergeblich. Die Melodien sind eher Rufe, die im Groove stehen bleiben.

Karibik, Dub und London

Die Rhythmen kommen aus vielen Richtungen. Man hört Calypso und Soca aus der Karibik, in der Hutchings aufwuchs, Muster aus West- und Südafrika, die Schwerfälligkeit des Dub und das Tempo des Jungle. Ammar Kalia schrieb in Clash, die Band verbinde „die Trägheit des Dub mit einem treibenden Swing“. In der Besprechung von Jazzwise fallen die Kuhglocken-Muster von Eddie Hick auf, die einem Stück fast den Charakter von Soca geben.

Zwei Schlagzeuger gleichzeitig heißt hier nicht doppelt so laut. Sie spielen ineinander, einer hält den Grundschlag, der andere füllt die Lücken. Auf einzelnen Stücken sind es drei. Die Stimmen von Joshua Idehen und Congo Natty bringen Spoken Word und Toasting dazu, den Sprechgesang aus dem jamaikanischen Soundsystem. Dan Bergsagel von London Jazz News hörte im ersten Stück an dieser Stelle einen Übergang zum Grime.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Neun Stücke, und keines ist kürzer als fünf oder länger als gut sieben Minuten. Die Titel folgen alle demselben Muster. Das Album wirkt dadurch wie eine Reihe von Porträts, die nebeneinander hängen. Jedes hat seine eigene Farbe, aber man sieht sie zusammen.

Die Reihenfolge erzählt etwas. Am Anfang steht die eigene Familie, eine Urgroßmutter in Barbados. Dann geht die Liste durch die Jahrhunderte und über Kontinente: die USA, Jamaika, das Reich der Asante, Südafrika. Am Ende steht eine Frau aus dem heutigen London. Der Bogen führt vom Privaten ins Öffentliche und von der Karibik zurück in die Stadt, in der die Band spielt.

Eine Stimme am Anfang und am Ende

Joshua Idehen spricht nur auf dem ersten und dem letzten Stück. Dazwischen bleibt das Album instrumental, bis auf den kurzen Auftritt von Congo Natty. So entsteht ein Rahmen: Eine Stimme öffnet, dann redet sieben Stücke lang nur die Musik, und am Schluss kommt die Stimme zurück.

Die Kritik nahm das Album gut auf. Bei Metacritic kam es auf 81 von 100 Punkten. Im Sommer 2018 stand es auf der Shortlist für den Mercury Prize, den Preis für das beste britische Album des Jahres; gewonnen hat ihn Wolf Alice. Das Londoner Magazin The Wire wählte Your Queen Is a Reptile in seiner Kritikerumfrage zur Platte des Jahres.

05Warum es einen Abend trägt

Das Album hat einen Puls, der fast nie aussetzt. Die Stücke enden, aber der Groove scheint im nächsten weiterzulaufen, nur in einer anderen Farbe. Wer sich darauf einlässt, merkt nach einer Weile, dass er nicht mehr einzelne Titel hört, sondern eine einzige lange Bewegung.

Gleichzeitig hat jedes Stück einen Namen und damit ein Gesicht. Man kann das Album als Folge von neun Begegnungen hören. Mit Ada Eastman beginnt es nah und familiär, „Yaa Asantewaa“, das längste Stück, legt zwei Saxofone über einen Rhythmus, der an einen Marsch erinnert. Dann zieht „Albertina Sisulu“ noch einmal an, und Theon Cross zeigt, wie beweglich eine Tuba sein kann.

Das letzte Stück

„My Queen Is Doreen Lawrence“ schließt das Album. Es ist das Stück, das am nächsten an der Gegenwart liegt, und Joshua Idehens Stimme kehrt zurück. Nach acht Frauen aus Geschichte und Familie endet die Reihe bei einer Frau, die heute lebt und in London weiter für ihre Sache eintritt. Das Album endet damit nicht in der Vergangenheit, sondern in der Stadt, aus der es kommt.

Mit rund 56 Minuten passt das Album gut in einen Abend. Es ist lang genug, dass man darin ankommt, und kurz genug, dass die Spannung hält.

Welche Frau würden Sie auf diese Liste setzen – und welches Instrument würde ihr Stück tragen?