A Moon Shaped Pool

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie A Moon Shaped Pool entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Anfang Mai 2016. Wer die Website von Radiohead aufruft, findet nichts. Die Seite ist weiß. Auch die Konten der Band in den sozialen Netzwerken sind leer, alle alten Beiträge gelöscht. Es gibt keine Erklärung. Die Musikpresse rätselt. Pitchfork deutet das Verschwinden als Zeichen für einen Neuanfang.

Zwei Tage später erscheint ein Song. „Burn the Witch“ kommt mit einem Video, das wie ein Kinderfilm aus den Sechzigern aussieht: kleine Puppen, ein freundliches Dorf, Stop-Motion. Das Vorbild sind britische Kindersendungen wie die Trumptonshire-Reihe. Dazu kommt ein zweites Vorbild, der Horrorfilm The Wicker Man von 1973. Das Idyll kippt.

Ein Sonntag ohne Titel

Am 6. Mai folgt „Daydreaming“, mit einem Video von Paul Thomas Anderson. Am selben Tag kündigt die Band an, dass das Album am Sonntag kommt. Wie es heißt, sagt sie nicht. Am Abend des 8. Mai ist es dann da, als Download und bei einigen Streamingdiensten. Bei Google Play rutscht es durch einen Fehler schon ein paar Stunden früher heraus.

Interviews gibt es keine, eine Tournee vorab auch nicht. Ed O’Brien hat das später so erklärt: Die Band habe nicht darüber reden wollen, wie schwer die Platte zu machen war. Sie seien ziemlich zerbrechlich gewesen und hätten erst wieder Boden unter den Füßen finden müssen. Das Album musste für sich selbst sprechen.

02Wie A Moon Shaped Pool entstand

Nach der Tournee zu The King of Limbs von 2011 machten Radiohead eine Pause von zwei Jahren. Im September 2014 begannen sie mit der Arbeit an ihrem neunten Album, zuerst in ihrem eigenen Studio in Oxfordshire, bis Weihnachten. 2015 zogen sie für drei Wochen nach La Fabrique, einem Studio bei Saint-Rémy-de-Provence in Südfrankreich. Produzent war wieder Nigel Godrich, wie seit OK Computer.

Godrich nahm diesmal nicht am Computer auf, sondern auf Band, mit analogen Mehrspurmaschinen. Als Vorbild nannte er Motown und frühe Platten von David Bowie. Das hatte Folgen. Wer einen Take neu aufnahm, löschte den alten. Colin Greenwood hat beschrieben, dass die Band dadurch im Moment entscheiden musste. Es sei das Gegenteil davon, ein Album auf einer riesigen Festplatte liegen zu haben. Jonny Greenwood schätzte, dass rund achtzig Prozent der Platte in zwei Wochen entstanden.

Eine schwere Zeit

Die Aufnahmen fielen in eine dunkle Phase. Thom Yorke hatte sich von Rachel Owen getrennt, mit der er rund 25 Jahre zusammen gewesen war. Am Tag, an dem in London die Streicher für „Burn the Witch“ aufgenommen wurden, starb Nigel Godrichs Vater Vic. Yorke sagte später dem Rolling Stone: „Es war ein Wunder, dass diese Platte überhaupt entstanden ist.“

Rachel Owen starb wenige Monate nach der Veröffentlichung an Krebs. Die Sonderausgabe des Albums ist ihr gewidmet, außerdem Vic Godrich und Scott Johnson. Johnson war der Schlagzeugtechniker der Band und kam 2012 in Toronto ums Leben, als vor einem Konzert die Bühne einstürzte.

03Der Klang

Mehr als auf jedem Radiohead-Album davor tragen hier Streicher und Chor die Musik. Die Arrangements schrieb Jonny Greenwood. Gespielt hat sie das London Contemporary Orchestra unter Hugh Brunt, in den RAK Studios in London. Mit diesem Orchester hatte Greenwood schon 2012 die Filmmusik zu The Master aufgenommen.

Greenwood ließ die Musiker Dinge tun, die man im Konzertsaal selten hört. Bei „Burn the Witch“ spielen die Streicher nicht mit dem Bogen, sondern schlagen die Saiten mit Gitarrenplektren an. Das klingt hart und perkussiv, fast wie ein Rhythmusinstrument. Bei „Daydreaming“ stimmen die Cellisten ihre Instrumente herunter, bis sie knurren.

Klavier, Maschinen, Gitarren

Daneben stehen Klavier, Akustikgitarre, Drumcomputer und Synthesizer. Für „Glass Eyes“ hat Greenwood ein Klavier mit der Programmiersprache Max verfremdet. „Present Tense“ ist eine Ballade mit leichtem Bossa-nova-Gefühl. Bei „Ful Stop“ spielt Clive Deamer ein zweites Schlagzeug, der Song baut sich über sechs Minuten zu einem der lautesten Momente des Albums auf.

Als Einfluss nannte Greenwood die Jazzmusikerin Alice Coltrane. Es sei kein Jazzpiano, sagte er, aber es habe Elemente davon. Und er beschrieb die Haltung dahinter: Man habe einen großen Anspruch und komme damit so weit, wie man eben kommt. Der Guardian fand die Platte zurückgenommener als frühere Alben, reduzierter.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die elf Titel stehen in alphabetischer Reihenfolge, von „Burn the Witch“ bis „True Love Waits“. Das klingt nach einer Laune. Jonny Greenwood hat gesagt, man habe diese Reihenfolge nur gewählt, weil sie gut funktionierte. Der Zufall des Alphabets ergab einen Bogen, den die Band so stehen ließ.

Viele Kritiker haben das Album als Platte über eine Trennung gehört. Spencer Kornhaber schrieb im Atlantic, sie ergebe am meisten Sinn als Dokument eines schmerzhaften Kapitels im Leben eines einzelnen Menschen. Es geht um Liebe, Vergebung und Bedauern. Daneben gibt es politische Songs. „Burn the Witch“ handelt von Autorität und dem Druck der Gruppe. „The Numbers“ greift den Klimawandel auf. Yorke hat eingeräumt, dass er dafür abgegriffene Formulierungen benutzt. Er fand, man müsse manche Dinge eben direkt sagen.

Was die Kritik schrieb

Die meisten Kritiken waren begeistert. Andreas Borcholte schrieb bei Spiegel Online: „Die Grundstimmung ist sphärisch und raumgreifend.“ Kevin Holtmann nannte das Album bei Plattentests.de „zärtlich, zerbrechlich“. Im NME beschrieb Sam Richards eine Platte von „unheimlicher, schwer greifbarer Schönheit“. Jayson Greene hörte bei Pitchfork die Wirkung eines Traumas, eine Musik, die gelöst und aufgebrochen klinge.

Es gab auch Widerspruch. Mike Diver fand bei The Quietus, die alten Lieder ließen das Album wie eine Sammlung wirken, und sah nur noch „kaum glühende Glut und schwarzen Staub“. Ryan Kearney verglich das Hören in The New Republic mit einem warmen Bad, das einen umso kälter zurücklässt, je länger man darin liegt. Das Album kam auf die Shortlist des Mercury Prize, zum fünften Mal für Radiohead. Keine Band war dort öfter nominiert.

05Warum es einen Abend trägt

Gut 52 Minuten, elf Titel. Für einen Abend ist das eine gute Länge. Das Album beginnt mit seinem unruhigsten Stück. „Burn the Witch“ treibt nach vorn, die geschlagenen Streicher klingen wie ein Puls. Danach öffnet „Daydreaming“ den Raum. Sechseinhalb Minuten, in denen fast nichts passiert und die Zeit sich dehnt.

In der Mitte wechseln sich Ruhe und Spannung ab. „Desert Island Disk“ lebt von einer Akustikgitarre. „Ful Stop“ zieht an, wird dichter und lauter. „Glass Eyes“ ist mit knapp drei Minuten das kürzeste Stück, ein verfremdetes Klavier. „Identikit“ und „The Numbers“ haben wieder Groove, „Present Tense“ wiegt sich leicht. „Tinker Tailor Soldier Sailor …“ führt mit Streichern und Chor in die Dunkelheit, kurz vor dem Ende.

Der letzte Titel

Am Schluss steht „True Love Waits“. Die Band spielte das Lied seit Dezember 1995 live, zum ersten Mal in Brüssel. Auf Platte schaffte sie es zwei Jahrzehnte lang nicht. Yorke fand eine akustische Version zu einfach, eine elektronische aus der Zeit von Kid A wurde verworfen. Bekannt war das Lied vor allem als Live-Aufnahme mit Akustikgitarre, 2001 auf I Might Be Wrong.

Jetzt ist es eine Klavierballade. Mehrere Klavierspuren liegen übereinander und bilden verschobene Schleifen, in der zweiten Strophe setzt der Bass ein. Kein Schlagzeug, kein Orchester. Nach einem Album voller Streicher endet es mit einem Mann am Klavier, sehr leise. Yorke hat später gesagt, das Lied sei fast dafür gemacht, am Ende zu stehen. Hier tut es das. Wer das Album am Stück gehört hat, weiß, wie viel Weg dahinter liegt.

Kannten Sie „True Love Waits“ schon als Live-Aufnahme – oder haben Sie das Lied erst mit diesem Album gehört?