Blues of Desperation

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Blues of Desperation entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Das Studio heißt Grand Victor Sound und liegt in Nashville, im Haus des früheren RCA Studio A. Der Aufnahmeraum ist riesig. Bonamassa erzählte dem Magazin MusicRadar, man könne dort neun Flügel und jede Menge Transportkisten unterbringen und hätte immer noch Platz für fünf Autos. In diesem Raum baut er seine Verstärker auf: zwei Fender Twin von 1959, zwei Fender Bassman, einen kleinen Champ, einen Deluxe, dazu einen Marshall und einen alten Gibson. Alle stehen ungefähr gleich eingestellt, die Verzerrung fast ganz oben.

Und dann sitzen da zwei Schlagzeuger. Anton Fig, lange Jahre der Drummer in der Band von David Lettermans Late Show, und Greg Morrow, einer der gefragtesten Studiomusiker Nashvilles. Die Idee kam vom Produzenten Kevin Shirley. Bonamassa gab später zu, er habe zuerst nicht geglaubt, dass das funktionieren würde.

Eine laute Band in einem großen Raum

Es funktionierte. Bonamassa beschrieb den Klang des Albums gegenüber MusicRadar ganz schlicht: „Eine laute, laute Band, die laut in einem großen Raum spielt.“ Und er fügte hinzu, das sei die alte Schule. Fünf Tage dauerten die Aufnahmen. Die meisten Stücke waren nach seiner Erinnerung im zweiten oder dritten Durchgang im Kasten.

02Wie Blues of Desperation entstand

Joe Bonamassa ist 2016 achtunddreißig Jahre alt und seit einem Vierteljahrhundert auf Bühnen unterwegs. Er hat ein eigenes Label, spielt in mehreren Bands und bringt fast jedes Jahr eine Platte heraus, oft Live-Aufnahmen. Mit dem Vorgänger Different Shades of Blue hatte er 2014 zum ersten Mal seit Langem ein Album nur mit eigenen Stücken gemacht. Geschrieben hatte er es in Nashville, zusammen mit erfahrenen Songschreibern. Das Album kam auf Platz acht der amerikanischen Albumcharts.

Blues of Desperation setzt diesen Weg fort. Wieder schrieb Bonamassa in Nashville, vor allem mit James House, der fünf Stücke mit ihm verfasste, dazu mit Tom Hambridge, dem Produzenten von Buddy Guy, mit Gary Nicholson, Jeffrey Steele und Jerry Flowers. Wie die Arbeitsteilung aussah, beschrieb er dem Boulder Weekly so: Die anderen seien die Leute für Songs, er sei der für Riffs. Aus beidem zusammen entstehe das Album.

Ein Produzent, der mehr verlangt

Kevin Shirley produzierte Bonamassa zu diesem Zeitpunkt schon seit rund zehn Jahren. Der Südafrikaner hatte vorher mit Bands wie Iron Maiden und Aerosmith gearbeitet. Für dieses Album wollte er etwas Bestimmtes. Gegenüber Guitar World sagte er: „Ich wollte, dass er etwas härter arbeitet, wie in seinen frühen Jahren.“ Die Aufnahmen nannte er eines der aufregendsten Projekte seiner Laufbahn.

Bonamassa selbst formulierte das Ziel ähnlich. Die Hörer sollten eine Entwicklung hören, nicht jemanden, der sich auf dem Erreichten ausruht. Die Themen der Stücke beschrieb er als klassische Blues-Themen: Züge, Berge, Täler, Herzschmerz und Einsamkeit, dazu ein paar Momente, in denen jemand dem Alltag davonfährt.

03Der Klang

Zur Band gehören außer den beiden Schlagzeugern Michael Rhodes am Bass und Reese Wynans an Orgel und Klavier. Wynans hatte in den späten Achtzigern bei Stevie Ray Vaughan und Double Trouble gespielt. Drei Bläser – Lee Thornburg, Paulie Cerra und Mark Douthit – und drei Sängerinnen im Hintergrund, Mahalia Barnes, Jade MacRae und Juanita Tippins, geben einzelnen Stücken Farbe. Im Zentrum aber steht die Gitarre.

Für dieses Album änderte Bonamassa seine Ausrüstung grundlegend. Die teuren Dumble-Verstärker, die lange zu seinem Klang gehört hatten, hatte er verkauft. Stattdessen spielte er über alte Fender-Verstärker aus den Fünfzigern, sogenannte Tweed-Modelle. Man könne über diese Geräte Heavy Metal spielen, sagte er, und sie klängen gewaltig. Effekte benutzte er kaum, im Wesentlichen ein Wah-Wah-Pedal und einen Verzerrer.

Eine Gitarre für jedes Stück

Bonamassa ist ein bekannter Sammler alter Gitarren, und auf diesem Album hört man viele davon. Das Magazin Guitar.com hat sie Stück für Stück aufgeschlüsselt. „This Train“ beginnt auf einer akustischen Epiphone aus den Sechzigern mit Tonabnehmer. „Mountain Climbing“ und das Titelstück spielt er auf einer Gibson Firebird von 1964, „Drive“ auf einer Gretsch von 1958 mit weichen, glatten Saiten. „Distant Lonesome Train“ kommt von einer hellen Stratocaster von 1957, und das letzte Stück auf einer großen Gibson-Jazzgitarre von 1951. Dazwischen hört man eine Les Paul von 1959 und eine frühe Fender Nocaster.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Blues of Desperation ist klug gebaut. Es beginnt mit einem Zug: „This Train“ rollt mit Slidegitarre und stampfendem Rhythmus los, fast wie ein alter Country-Blues, nur lauter. „Mountain Climbing“ legt ein hartes Riff darüber, „Drive“ nimmt das Tempo heraus und hat einen ruhigen, fast schwebenden Groove. Dann kommen das lange „No Good Place for the Lonely“ und das Titelstück, das schwerste der Platte, getragen von den beiden Schlagzeugen.

In der zweiten Hälfte wird es bunter. „The Valley Runs Low“ ist akustisch und soulig, ein Atemholen. „You Left Me Nothin’ But the Bill and the Blues“ hat einen Titel, der schon die ganze Geschichte erzählt. „Distant Lonesome Train“ greift das Zugmotiv vom Anfang wieder auf. „Livin’ Easy“ klingt nach einer Bar in Chicago, mit Klavier und Bläsern. Am Ende steht mit „What I’ve Known for a Very Long Time“ ein langsamer Blues mit Bläsern – das einzige Stück, das Bonamassa allein geschrieben hat.

Elf eigene Stücke

Auf früheren Alben hatte Bonamassa oft Klassiker anderer gespielt, von Rory Gallagher bis Howlin’ Wolf. Hier gibt es keine einzige Coverversion. Das hört man: Die Stücke haben Refrains und Strophen, die man nach dem zweiten Hören wiedererkennt, und zugleich Platz für lange Soli. Der Kritiker von Blues Rock Review schrieb, es gebe auf dem Album kein Stück zum Wegwerfen.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 62 Minuten ist Blues of Desperation etwas länger als viele klassische Alben.

Es ist ein Album für Menschen, die mit Rockmusik aufgewachsen sind und den Blues eher von außen kennen. Bonamassa spielt ihn nicht wie ein Museumsstück. Er spielt ihn laut, mit Riffs, die an die harten Rockplatten der Siebziger erinnern, und mit Bläsern und Chor, die an Soulplatten erinnern. Dahinter stehen fünf Tage, ein riesiger Raum, zwei Schlagzeuger und ein Mann, der seine teuersten Verstärker verkauft hat, um mit alten Fender-Geräten neu anzufangen.

Zwei Züge

Die Platte beginnt mit einem Zug und kommt in der zweiten Hälfte auf ihn zurück. „This Train“ rollt los, „Distant Lonesome Train“ greift das Motiv wieder auf. Dazwischen liegt der schwerste Teil: das lange „No Good Place for the Lonely“ und das Titelstück, getragen von den beiden Schlagzeugen. Bei „No Good Place for the Lonely“ merkt man, wie lang achteinhalb Minuten sein können.

Ich mag an dieser Platte, dass sie keine Angst vor Größe hat. Sie ist nicht leise und nicht bescheiden. Aber zwischen den lauten Stücken gibt es immer wieder Momente zum Atemholen, etwa das akustische „The Valley Runs Low“. Am Ende steht „What I’ve Known for a Very Long Time“, ein langsamer Blues mit Bläsern und das einzige Stück, das Bonamassa allein geschrieben hat. Gerade dieser Wechsel hält das Album über eine Stunde lang zusammen.