Blues Breakers with Eric Clapton

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie das Album entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Decca Studios in West Hampstead, Frühjahr 1966. Eric Clapton stellt seinen Marshall-Verstärker auf und dreht ihn so laut, wie er es aus den Clubs gewohnt ist. Der Toningenieur Gus Dudgeon ist entsetzt, Produzent Mike Vernon erinnert sich, er sei beim ersten Ton fast umgefallen. Clapton weigert sich, leiser zu drehen.

Also findet man einen anderen Weg: Der Verstärker wird zur Wand gedreht, Stellwände kommen um ihn herum, das Mikrofon hängt ein Stück davor. Vernon hat später gesagt, der Klang sei überall im Raum gewesen, weil es so laut war.

Ein Klang, der Schule machte

Clapton spielte eine Gibson Les Paul durch einen kleinen Marshall-Combo, beide weit aufgedreht. Diese Kombination aus Gitarre und übersteuertem Röhrenverstärker wurde nach diesem Album zum Grundklang der Rockgitarre. Die Gitarre selbst wurde kurz darauf gestohlen und ist bis heute verschwunden.

02Wie das Album entstand

Mayall wollte zunächst ein Live-Album aus dem Flamingo Club herausbringen, doch die Tonqualität reichte nicht. Im Studio war das Ziel deshalb, die Band so festzuhalten, wie sie auf der Bühne klang. Vernon: „Der ganze Plan war, die Platte so live wie irgend möglich klingen zu lassen.“ Die Soli wurden bis auf wenige Ausnahmen live eingespielt, in wenigen Tagen und auf Vierspur-Technik.

Clapton war im Frühjahr 1965 zu Mayall gekommen. Er hatte die Yardbirds verlassen, weil er sich ganz auf den Blues konzentrieren wollte. Bei Mayall ersetzte er den Gitarristen Roger Dean. Mayalls erstes Album, John Mayall Plays John Mayall, war im Dezember 1964 noch ohne ihn live aufgenommen worden.

Die Mitschnitte aus dem Flamingo Club entstanden mit Jack Bruce am Bass. Ein Stück daraus, „Stormy Monday“, erschien erst 1969 auf Mayalls Rückblick Looking Back. Der Rest blieb liegen. Ins Studio ging die Band im Mai 1966.

Mike Vernon war damals 21 Jahre alt. Er arbeitete seit 1963 bei Decca und gründete später das Bluesplattenlabel Blue Horizon. Gus Dudgeon hatte als Teejunge in den Olympic Studios angefangen und war inzwischen Hausingenieur in West Hampstead. Er hatte schon „She's Not There“ von den Zombies aufgenommen. Ein paar Jahre später produzierte er David Bowies „Space Oddity“ und dann die großen Alben von Elton John.

Zur Band gehörten John Mayall an Gesang, Orgel, Klavier und Mundharmonika, John McVie am Bass, der später mit Fleetwood Mac berühmt wurde, und Hughie Flint am Schlagzeug. Auf einigen Stücken spielt ein kleiner Bläsersatz.

Die Bläser sind Alan Skidmore am Tenorsaxofon, Johnny Almond am Baritonsaxofon und Derek Healey an der Trompete. Zu hören sind sie auf „Key to Love“, „Have You Heard“ und „Steppin' Out“, Almond allein auch auf „Double Crossing Time“. Auf der Originalhülle steht der Trompeter falsch, als „Dennis Healey“.

Claptons erster Gesang

„Ramblin' on My Mind“ ist die erste Aufnahme, auf der Clapton selbst singt. Er wählte bewusst einen Song von Robert Johnson, dem Delta-Bluesmusiker, den er verehrte. Kurz nach den Aufnahmen verließ Clapton die Band und gründete mit Jack Bruce und Ginger Baker die Gruppe Cream.

Mayall erfuhr von der neuen Band aus einem Artikel im Melody Maker. Sein neuer Gitarrist wurde Peter Green. Mit ihm entstand 1967 das nächste Album, A Hard Road.

03Der Klang

Weil die Band gemeinsam in einem Raum spielte, klingt das Album räumlich und direkt. Die Gitarre drang in alle Mikrofone, das Schlagzeug musste zurückstecken. Hughie Flint sollte möglichst auf laute Becken verzichten. Das Ergebnis ist rau, aber lebendig: ein Club, eingefangen im Studio.

Claptons Ton ist verzerrt und singend zugleich, mit kontrollierter Rückkopplung. Für die Hörer von 1966 war das neu. Heute klingt es wie der Ursprung von allem, was danach im Bluesrock kam.

Der Verstärker war ein Marshall-Combo vom Modell 1962, mit zwei 12-Zoll-Lautsprechern von Celestion und rund 35 Watt. Für einen Röhrenverstärker ist das wenig Leistung. Genau deshalb beginnt er schon bei mittlerer Lautstärke zu zerren. Nach dem Erfolg der Platte bekam das Modell seinen Spitznamen: der „Bluesbreaker“.

Die Gitarre war eine Les Paul Standard in Sunburst mit zwei Humbuckern. Meist wird sie auf 1960 datiert, der Gitarrist Joe Bonamassa hält sie für ein Modell von 1959. Gibson hat 2012 einen Nachbau herausgebracht. Mit Cream entwickelte Clapton diesen Ton weiter. Dort ging er als „Woman Tone“ in die Musikgeschichte ein.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Das Album ist das Bühnenprogramm der Band: Chicago-Blues von Otis Rush, Freddie King und Little Walter, dazu Mayalls eigene Songs, zwei Instrumentals und auf der zweiten Seite die Bläser als Kontrast. Clapton sagte, sie hätten einfach gespielt, was sie in den Clubs spielten.

Fünf Stücke stammen von Mayall, eines davon, „Double Crossing Time“, hat er mit Clapton geschrieben. Die anderen sieben kommen von Musikern, die die Band verehrte. Dazu gehört auch „What'd I Say“ von Ray Charles. Das Album hält diese Mischung zusammen, weil alles im gleichen Raum und mit der gleichen Besetzung gespielt wurde.

Eröffnet wird mit „All Your Love“ von Otis Rush. Rush hatte es 1958 in Chicago für das kleine Label Cobra aufgenommen, mit Willie Dixon am Bass und Ike Turner an der zweiten Gitarre. Es ist ein Blues in Moll mit lateinamerikanisch gefärbtem Rhythmus. Peter Green, Claptons Nachfolger bei Mayall, hat sich später für „Black Magic Woman“ daran orientiert.

„Parchman Farm“ hat einen langen Weg hinter sich. Der Jazzpianist Mose Allison nahm es 1957 auf. Er griff dabei ein Lied von Bukka White auf, der 1940 über das Gefängnis Parchman in Mississippi gesungen hatte, in dem er selbst gesessen hatte. Allison schrieb einen neuen Text und spielte es schnell im Trio. Am Ende des Albums steht „It Ain't Right“ von Little Walter.

Platz 6 und ein Graffito

In Großbritannien erreichte das Album Platz 6 der Charts. Um diese Zeit tauchte an Londoner Wänden der Schriftzug „Clapton is God“ auf. Für die Musik aber war dieses Album ein Wendepunkt: Der Blues aus Chicago war in London angekommen und kam lauter zurück.

Das Album erschien am 22. Juli 1966 bei Decca, in den USA bei London Records. Nach acht Tagen war es in den britischen Charts und blieb dort siebzehn Wochen. Singles, die an den Erfolg anknüpfen sollten, liefen weder in Großbritannien noch in den USA. In Großbritannien erhielt das Album eine Goldene Schallplatte. Der Rolling Stone führt es in seiner Liste der 500 besten Alben auf Platz 195.

Das Album trug viel zum europäischen Bluesboom der Sechziger bei. Mayall galt danach als Vater des britischen Blues. Für die Musiker war es ein Sprungbrett: Clapton ging zu Cream, John McVie spielte später mit Peter Green bei Fleetwood Mac, Hughie Flint hatte mit der Band McGuinness Flint Erfolg.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 37 Minuten, zwei knappe Plattenseiten, zwölf Stücke, von denen keines zu lang ist. Man hört eine junge Band, die ihre Vorbilder spielt und dabei etwas Neues schafft.

Der Bogen ist einfach. Es beginnt mit Otis Rush und endet mit Little Walter, beides Chicago. Dazwischen wechseln laute Gitarrenstücke mit Mayalls kürzeren Liedern. Das längste Stück, „Have You Heard“, steht in der zweiten Hälfte, fast sechs Minuten mit Bläsern. Gleich danach singt Clapton zum ersten Mal selbst. Er hat später erzählt, dass er sich mit seiner hohen Stimme dabei sehr unwohl fühlte. Zum Schluss kommen noch einmal zwei kurze Stücke.

Zurück nach Chicago

Das letzte Stück ist „It Ain't Right“ von Little Walter. Damit endet das Album dort, wo es mit Otis Rush begonnen hat, beim Blues aus Chicago.

Wann wird aus Verehrung für ein Vorbild etwas Eigenes?