Damn Right, I've Got the Blues

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Damn Right, I've Got the Blues entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Die Platte fängt nicht an, sie bricht los. Die Gitarre ist sofort da, hoch, schneidend, fast überdreht. Und dann singt ein Mann, der 1991 schon 54 Jahre alt ist, das Titelstück, das er selbst geschrieben hat. Es ist kein Klagelied. Es ist eine Behauptung: Ich habe den Blues, und zwar zu Recht.

Wer Buddy Guy vorher nicht kannte, hört in diesen ersten viereinhalb Minuten alles, was ihn ausmacht. Die Stimme springt von einem heiseren Murmeln zu einem Schrei, ohne Übergang. Die Gitarre setzt aus, wenn man sie erwartet, und fällt über einen her, wenn man sie nicht erwartet. Die Band hält den Takt, er selbst hält sich an nichts. Dieses Wechselspiel aus Kontrolle und Ausbruch ist sein Markenzeichen, seit er Ende der Fünfzigerjahre in Chicago angekommen ist.

Ein Comeback, das keins sein wollte

Man hat diese Platte oft ein Comeback genannt. Das stimmt und stimmt nicht. Buddy Guy war nie weg. Er hatte die ganzen Achtzigerjahre über in Clubs gespielt, in Chicago, in Europa, meist vor kleinem Publikum. Was fehlte, war eine Platte, die in den Läden stand, und ein Label, das sie bewarb. Für viele junge Hörer war er bis dahin nur der Name, den Eric Clapton, Jeff Beck oder Stevie Ray Vaughan in Interviews nannten, wenn man sie nach ihren Vorbildern fragte.

Mit diesem Album änderte sich das. Es gewann einen Grammy, es kam in Großbritannien, in Australien und in Neuseeland in die Charts. Und es war der Anfang einer späten Karriere, die bis heute andauert.

02Wie Damn Right, I've Got the Blues entstand

Die Vorgeschichte spielt in Chicago. 1989 eröffnete Buddy Guy an der South Wabash Avenue einen eigenen Club, das Legends. Einen Club hatte er schon einmal betrieben, die Checkerboard Lounge, zusammen mit einem Partner, seit 1972. Das Legends wurde schnell zu einer Adresse für Bluesmusiker aus aller Welt, die in der Stadt waren. Guy spielte dort selbst, regelmäßig.

Um dieselbe Zeit holte Eric Clapton ihn nach London. In der Royal Albert Hall gab Clapton 1990 und 1991 lange Konzertreihen, und an den Bluesabenden stand Buddy Guy mit auf der Bühne. Das britische Publikum kannte ihn noch aus den Sechzigern, als er mit dem American Folk Blues Festival durch Europa getourt war. Jetzt sahen ihn Tausende an einem Abend.

Ein britisches Label, ein Studio in London

Der Vertrag kam schließlich von Silvertone, einem Label aus Großbritannien. Produziert hat John Porter, aufgenommen wurde in den Battery Studios im Londoner Stadtteil Willesden, Toningenieur war Tony Platt. Die Band war gemischt: Greg Rzab spielte Bass, Richie Hayward, der Schlagzeuger von Little Feat, saß am Schlagzeug. An der Orgel saß Mick Weaver, an der Rhythmusgitarre Neil Hubbard, am Klavier teils Pete Wingfield. Dazu kamen die Memphis Horns mit Wayne Jackson und Andrew Love und drei Sängerinnen im Hintergrund.

Die Gäste wurden gezielt eingesetzt. Mark Knopfler spielt auf „Where Is the Next One Coming From?“, einem Stück von John Hiatt. Jeff Beck ist auf „Mustang Sally“ zu hören, Eric Clapton auf „Early in the Morning“. Keiner von ihnen drängt sich vor. Man hört eher, wie viel Respekt sie vor dem Mann haben, mit dem sie spielen.

03Der Klang

John Porter hat die Platte sauber und groß aufgenommen, wie man Anfang der Neunziger eben aufnahm. Das Schlagzeug sitzt weit vorn, die Hammondorgel legt einen breiten Teppich darunter, die Bläser kommen in kurzen, satten Stößen. Das ist kein Chicagoer Kellerklang wie bei den alten Chess-Aufnahmen. Es ist eine moderne Bluesplatte, die im Radio bestehen sollte.

Doch mitten in dieser Ordnung steht Buddy Guy und hält sich nicht daran. Seine Stratocaster klingt dünn und bissig, er zieht die Saiten weit, lässt Töne zittern und bricht sie dann ab. Oft spielt er ein paar Takte fast gar nichts, nur ein einzelnes Anschlagen, und dann eine Kaskade. In seinen Konzerten spielte er seit Jahren Stratocasters mit Punkten auf dem Korpus. Die Punkte erinnern an seine Mutter.

Eine Stimme mit zwei Registern

Seine Stimme hat diese Sprünge ebenfalls. Er kann flüstern wie ein Mann, der einem ein Geheimnis erzählt, und im nächsten Moment klingt er, als stünde er am anderen Ende eines Saals. Die Sängerinnen im Hintergrund und die Bläser bringen einen Hauch Soul hinein. Bei „Mustang Sally“, dem alten Soulhit von Sir Mack Rice, wird daraus ein Tanzstück, bei dem Jeff Beck und Guy sich die Gitarrenphrasen zuwerfen.

Bill Dahl hat bei AllMusic kritisiert, die Platte enthalte zu viele abgenutzte Coverversionen. Er hat recht, was die Auswahl angeht. Aber er räumt auch ein, dass Guys Gitarre sich durch alles hindurchschneidet. Das ist der Grund, warum man bekannte Stücke hier anders hört.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die Platte hat einen klugen Aufbau. Am Anfang stehen zwei schnelle, laute Stücke, das Titelstück und der Song von John Hiatt. Dann kommt mit „Five Long Years“ der erste lange, langsame Blues. Danach wird es wieder beweglicher, mit „Mustang Sally“, mit „There Is Something on Your Mind“ und mit „Early in the Morning“, einem alten Stück, das Louis Jordan bekannt gemacht hat. So wechseln sich Spannung und Entspannung ab.

In der zweiten Hälfte kommt das zweite eigene Stück, „Too Broke to Spend the Night“, dessen Titel schon die Selbstironie verrät. Dann „Black Night“, fast acht Minuten, noch dunkler als „Five Long Years“. Und mit Willie Dixons „Let Me Love You Baby“ noch einmal ein kurzer Chicagoer Blues, aus der Feder jenes Mannes, der bei Chess die Fäden zog, als Guy dort im Studio stand.

Das Ende als Widmung

Am Schluss steht „Rememberin' Stevie“, ein Instrumental, fast sieben Minuten lang. Stevie Ray Vaughan war im August 1990 bei einem Hubschrauberabsturz ums Leben gekommen, nach einem Konzert in Alpine Valley, Wisconsin, bei dem auch Buddy Guy auf der Bühne stand. Vaughan hatte Guy stets als eines seiner großen Vorbilder genannt. Dass die Platte mit diesem Stück endet, gibt ihr im Rückblick ein Gewicht, das die einzelnen Lieder allein nicht hätten.

Man muss die Geschichte nicht kennen, um das Stück zu verstehen. Es ist kein Trauermarsch. Es liegt zwischen Klage und Feier, und gerade das macht es schwer. Ein älterer Musiker spielt für einen jüngeren, der vor ihm gegangen ist.

05Warum es einen Abend trägt

Gut 53 Minuten sind eine angenehme Länge. Genug, um in die Platte hineinzufinden.

Die Platte lädt dazu ein, laut zu hören. Das Titelstück am Anfang verlangt es fast. Aber die langsamen Stücke brauchen Ruhe. Bei „Five Long Years“ wartet man darauf, was die Gitarre als Nächstes tut.

Ich mag an dieser Platte, dass sie nicht höflich ist. Sie sucht den Kontakt zum Publikum, wie ein Mann, der in seinem eigenen Club steht und jeden einzelnen Gast anspricht.

Der Bogen

Am Stück gehört, wechseln sich Spannung und Entspannung ab. Zwei schnelle, laute Stücke am Anfang, dann der erste lange, langsame Blues. Danach wird es wieder beweglicher, bis „Black Night“ fast acht Minuten lang noch dunkler wird als „Five Long Years“. Die Wechsel zwischen laut und leise, zwischen Bläsern und nackter Gitarre wirken gerade deshalb, weil nichts dazwischen steht. Am Schluss kommt „Rememberin' Stevie“, ein Instrumental, das zwischen Klage und Feier liegt.