Fear of Music

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Fear of Music entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Long Island City, Queens, Ende April 1979. Vor einem Wohnhaus steht ein Lieferwagen des New Yorker Studios Record Plant. Innen ist er ein Aufnahmeraum auf Rädern. Aus dem Wagen laufen Kabel nach oben, durch ein Fenster, in einen Loft. Dort wohnen Schlagzeuger Chris Frantz und Bassistin Tina Weymouth.

In diesem Loft hat die Band schon geprobt, als sie noch keinen Plattenvertrag hatte. Jetzt nimmt sie hier die Grundspuren für ihr drittes Album auf. Keine Studiokabine, kein Regieraum mit Glasscheibe. Die vier spielen in dem Raum, den sie kennen. Der Wagen unten auf der Straße schneidet mit.

Eine Garagenband mit Produzent

Die Website Ultimate Classic Rock hat diese Arbeitsweise später als Lo-Fi beschrieben, wie bei einer Garagenband. Das stimmt nur halb. Denn mit im Raum war Brian Eno, der schon das zweite Album der Band produziert hatte. Was im Loft entstand, war erst der Anfang. In mehreren Studios in Manhattan kam danach noch viel dazu.

Die Szene erklärt trotzdem viel über das Album. Talking Heads wollten nach einem Hit nicht einfach weitermachen wie bisher. Sie gingen zurück an den Ort, an dem alles angefangen hatte. Und sie nahmen von dort aus einen anderen Weg.

02Wie Fear of Music entstand

1978 hatten Talking Heads ihren ersten Hit. Ihre Fassung von Al Greens „Take Me to the River“ lief im Radio, das zweite Album More Songs About Buildings and Food verkaufte sich gut. Die Band fühlte sich danach wie eine Maschine für Singles. Das wollte sie nicht bleiben. Byrne sagte dem Rolling Stone, als das neue Album erschien: „Es würde uns nicht gefallen, Musik zu machen, die man nicht anhören kann.“ Aber Kompromisse nur für den Erfolg wollte die Band eben auch nicht.

Also wieder Eno. Er war in dieser Zeit mehr als ein Produzent. Er bearbeitete Spuren elektronisch und gab der Band Sicherheit im Studio. Für Eno war die Rhythmusgruppe der Kern. Dem Rolling Stone sagte er 1979 im Gespräch mit Mikal Gilmore: „Bei Talking Heads ist die Rhythmusgruppe wie ein Schiff oder ein Zug.“ Sie wisse genau, wohin sie wolle.

Erst die Spur, dann der Text

Gearbeitet wurde in Schichten. Zuerst entstanden im Loft die Grundspuren. Erst danach wurde ausgebaut, und Byrne entwickelte seine Gesangslinien und Texte oft erst auf diesen Spuren. Ergänzt wurde in vier Studios in Manhattan: The Hit Factory, Atlantic, R.P.M. und Record Plant. Bei „Drugs“, dem letzten Stück, arbeiteten Byrne und Eno laut einem Rückblick des Magazins Albumism getrennt an Teilen, die sie dann zusammensetzten.

Viele Songs stammen aus Byrnes Alltag. Er wohnte damals selbst in einem Loft an der Avenue A im East Village. „Life During Wartime“ schrieb er dort. Er habe dabei an die Baader-Meinhof-Gruppe gedacht, an Patty Hearst und an den Tompkins Square Park, sagte er später. Und fasste zusammen: „Das ist ein Song über das Leben in Alphabet City.“ So hieß die Gegend um die Avenues A bis D.

Anders als auf dem Vorgängeralbum setzte Byrne seine Figuren nicht in den Alltag, sondern in Lagen, die nach Ausnahmezustand klingen. „Cities“ fragt, in welcher Stadt man leben sollte. „Air“ ist eine Art Protestsong über die Luft, angeregt von Brechts Dreigroschenoper. Fear of Music erschien am 3. August 1979 bei Sire Records. Kurz zuvor war die Band schon auf Tour gewesen, im Juni in Neuseeland, Australien, Japan und auf Hawaii.

03Der Klang

Jon Pareles schrieb im Rolling Stone, es sei die bis dahin aufwendigste Produktion der Band, voller Overdubs und Effekte. Das hört man. Unter vielen Songs liegen Schichten aus Klang, die nicht sofort als Instrument erkennbar sind. Eno hat sie elektronisch verfremdet. Gleichzeitig bleibt das Fundament karg: ein Schlagzeug, das kaum variiert, ein Bass, der gern gegen den Schlag spielt.

Pareles nannte das einfache Mittel dahinter: Wiederholung. Gleichbleibende Rhythmen, Harmonien, die sich kaum bewegen. Darüber Byrnes Stimme, aufgeregt und mit großen Augen. Während die Band spiele wie eine effiziente Maschine, so Pareles, bewahre Byrne „die Schönheit des menschlichen Fehlers“.

Disco, gut versteckt

In mehreren Songs stecken Disco-Rhythmen. Sie sind getarnt, aber in der Abmischung bewusst nach vorn geholt. Tom Bentkowski schrieb im New York Magazine, die Band habe das Intellektuelle „ansteckend und sogar tanzbar“ gemacht.

Byrne selbst beschrieb in seinem Buch How Music Works (2012) ein klares Ziel: „Wir achteten darauf, dass kein Song genau wie ein anderer klang.“ So wechselt das Album ständig die Farbe. „Paper“ ist kurz und hektisch. „Heaven“, geschrieben von Byrne und Harrison, ist langsam und fast still. „Drugs“ am Schluss löst die Songform beinahe auf.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die Titel geben die Richtung vor. Fast jeder Song trägt ein einzelnes Substantiv als Namen: „Mind“, „Paper“, „Cities“, „Air“, „Heaven“, „Animals“, „Drugs“. Das klingt wie die Einträge in einem Verzeichnis. Jeder Song nimmt sich einen Gegenstand vor und betrachtet ihn mit Misstrauen. Zusammen ergibt das eine Art Inventur der Welt, aus der Sicht von jemandem, dem alles ein wenig fremd ist.

Jerry Harrison hat es 1999 im Gespräch mit Anil Prasad so beschrieben: „Fear of Music vollendete die frühe Vision der Band.“ Das Album habe aber zugleich eine neue Raffinesse gehabt. Es ist also beides: Abschluss der ersten Phase und Übergang zu etwas Neuem.

Was die Kritik hörte

Die Presse war 1979 begeistert. NME, Melody Maker und die Los Angeles Times wählten es zum besten Album des Jahres. Richard Cromelin nannte es in der Los Angeles Times „einen Quantensprung“ für die Band. Robert Christgau lobte in der Village Voice die ruppige Seltsamkeit, fand aber, etwas Süße könne nicht schaden. In der Kritikerumfrage Pazz & Jop landete das Album auf Platz vier.

Später fielen die Urteile gemischter aus. William Ruhlmann nannte es bei AllMusic ein unausgeglichenes Übergangsalbum, dessen beste Songs aber an die besten der Band heranreichten. Der Spin Alternative Record Guide hielt es 1995 für das musikalisch vielseitigste Album der Band. In den USA kam es auf Platz 21, in Großbritannien auf Platz 33. Gold gab es in den USA erst 1985. Der Schriftsteller Jonathan Lethem widmete dem Album einen eigenen Band der Buchreihe 33⅓.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 41 Minuten, elf Songs. Das ist kurz für einen Abend und lässt Raum. Das Album beginnt mit einem Auftakt, den niemand erwartet: Trommeln, Fripps Gitarre und Silben ohne Bedeutung. Danach wird es enger. „Mind“, „Paper“ und „Cities“ folgen schnell aufeinander, nervös, kantig, gut gelaunt auf eine unruhige Art.

Mit „Life During Wartime“ kommt der bekannteste Song. Er treibt nach vorn wie eine Flucht. Fünf Jahre später wurde er in dem Konzertfilm Stop Making Sense zur Szene, in der Byrne und die Background-Sänger über die Bühne joggen. Auf dem Album steht er in der Mitte der ersten Hälfte und gibt ihr Druck.

Ein langsamer Ausgang

Die zweite Hälfte wird ruhiger und seltsamer. „Air“ und „Heaven“ nehmen Tempo heraus. „Heaven“ ist das zärtlichste Stück des Albums, später unter anderem von Simply Red, Jimmy Scott und The National gesungen. Byrne sagte, der Titel gehe auf ein Lokal gleichen Namens in Großbritannien zurück. Dann zieht das Album mit „Animals“ und „Electric Guitar“ noch einmal an.

Am Ende steht „Drugs“, mit gut fünf Minuten das längste Stück. Es hat kaum noch einen festen Boden. Stimmen und Geräusche treiben, der Rhythmus wird schwerelos. Nach zehn Songs, die etwas benennen, verliert sich das Album im Schweben. Wer es am Stück hört, merkt den Bogen: vom Lärm einer Stadt am Anfang bis zu einem Zustand, in dem alles langsam unscharf wird.

Wie klingt ein Album, das sich vor Alltagsdingen fürchtet und dazu tanzen lässt?