Geogaddi

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Geogaddi entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Im Februar 2002 sollte das zweite Album von Boards of Canada erscheinen, und Warp machte etwas Ungewöhnliches. Das Label schickte den Musikjournalisten keine Vorabexemplare. Wer die Platte vorab hören wollte, musste in eine Kirche gehen. Dort lief Geogaddi bei eigens veranstalteten Hörabenden, nach einer Idee der beiden Brüder. Wie viele Kirchen es genau waren, darüber gehen die Angaben auseinander.

Das passte zu einer Band, die fast nichts von sich preisgab. Seit 2001 spielten Boards of Canada keine Konzerte mehr. Interviews gaben sie selten, und dass Michael Sandison und Marcus Eoin Brüder sind, sagten sie erst 2005 öffentlich. Was man hatte, war die Musik. Und diese Musik war voller Andeutungen.

Rückwärts hören

Schon die Titel legen Spuren. „Music Is Math“, „The Smallest Weird Number“, „A Is to B as B Is to C“, „Alpha and Omega“, „The Devil Is in the Details“. In den Stücken stecken rückwärts abgespielte Stimmen und versteckte Botschaften. In „1969“ fällt in Samples der Name David Koresh, des Anführers der Davidianer, deren Gelände in Waco 1993 nach einer Belagerung abbrannte. Die Platte dreht sich um Zahlenmystik, um Heidentum, um Okkultes und um religiöse Sekten.

Die Gesamtlänge beträgt 66 Minuten und 6 Sekunden. Die Zahl soll auf eine Anregung von Warp-Chef Steve Beckett zurückgehen. Dazu passt, dass das letzte Stück, „Magic Window“, aus einer Minute und 47 Sekunden Stille besteht. Ohne diese Stille wäre die Zahl nicht erreicht.

Was hinter dem Titel steckt, haben die Brüder nie ganz aufgelöst. Marcus Eoin sagte 2002 im Gespräch mit Mark Pytlik für HMV, es sei „eine Kombination von Wörtern, die eine Idee von damals beschreiben“. Michael Sandison ergänzte im selben Frühjahr in der niederländischen Zeitschrift OOR, sie hätten ihre eigene Deutung, und die Hörer sollten ihre eigene finden.

02Wie Geogaddi entstand

Nach dem Debüt Music Has the Right to Children von 1998 nahmen sich die Brüder Zeit. Marcus Eoin erzählte Philip Sherburne für Alternative Press im Mai 2002, sie hätten ein Jahr lang nichts geschrieben, seien gereist und hätten gefilmt. Danach hätten sie etwa ein Jahr lang ihre Studios umgebaut und mit technischen Problemen gekämpft. Die eigentliche Arbeit am Album sei in den letzten zwei Jahren passiert. „Wir arbeiten wohl langsamer als andere Bands“, sagte er.

Aufgenommen wurde zwischen 1999 und 2001 in Hexagon Sun, dem eigenen Studio in den Pentland Hills südwestlich von Edinburgh. Die Ausrüstung beschrieb Michael Sandison gegenüber HMV als Mischung: „Etwa die Hälfte unserer Ausrüstung ist altes, kaputtes Zeug.“ Der Rest sei recht neu. Sie hätten viele billige Instrumente, es sei wie in einem Trödelladen. Als Klangquelle diene fast immer ein echtes Instrument oder ein analoger Synthesizer.

Kunst, Geometrie, Mathematik, Religion

Ein festes Konzept gab es nach eigener Aussage nicht. Sandison sagte Alternative Press: „Wir hatten eine lose Idee, eine Platte über Kunst, Geometrie, Mathematik und Religion zu machen.“ Mehr nicht. Den dunkleren Ton nannte er „nur ein Spiegel der Stimmung, die wir beim Schreiben hatten“. Zu dieser Stimmung gehörten nach seinen Worten auch Todesfälle im nahen Umfeld und persönliche Krisen.

Ein weiterer Einschnitt kam spät in der Produktion. Am 11. September 2001 saßen die beiden den ganzen Tag vor dem Fernseher, wie sie Jahre später dem Onlinemagazin Playlouder erzählten. Danach habe es sie zu einer dunkleren Platte gedrängt.

Als Einflüsse nannte Sandison die schottische Folkgruppe The Incredible String Band und den Film The Wicker Man von 1973, einen Horrorfilm über einen heidnischen Kult auf einer schottischen Insel. Daher kommen die Flöten, Gitarren und Stimmen, die auf dem Album auftauchen, oft so stark bearbeitet, dass man ihre Herkunft kaum noch erkennt.

03Der Klang

Wer das Debüt kennt, erkennt den Klang sofort. Verstimmte Synthesizer, die leicht leiern, als hätte das Band eine Delle. Schwere, langsame Beats. Stimmfetzen, die aus einem alten Fernseher kommen könnten. Marcus Eoin hat 2002 widersprochen, dass sie dafür alte Platten plündern: „Wir machen eigene Melodien und lassen sie klingen wie Aufnahmen von vor 25 Jahren.“

Neu ist die Dichte. Die Brüder hatten sich ein „riesiges psychedelisches Ungetüm“ vorgenommen, mit mehr Facetten und mehr Details als zuvor, ein Konzentrat aus chaotischen kleinen Melodien. Der Klang sollte unschärfer und organischer werden, mit Stimmen und Flöten. Mark Richardson schrieb bei Pitchfork, die Atmosphäre sei „einen Ton dunkler als frühere Veröffentlichungen … mit einem merklichen Faden Paranoia“.

Ein Klang aus dem Traum

Wie direkt die Stücke manchmal entstanden, zeigt „Gyroscope“. Marcus Eoin erzählte HMV, er habe den Klang geträumt. Er habe das Stück so schnell umgesetzt, dass das Ergebnis zu 99 Prozent wie in seinem Traum geworden sei.

Daneben stehen die langen Strecken. „Sunshine Recorder“ mit über sechs Minuten, „Julie and Candy“, „The Beach at Redpoint“ und mit gut sieben Minuten „Alpha and Omega“, das längste Stück. Sie wiegen sich langsam, fast wie Wiegenlieder, und haben doch etwas Unheimliches. Das ist der Kern der Platte: Kindheitsklang und ein Unbehagen, das man nicht genau benennen kann.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Dreiundzwanzig Titel klingen nach Zerstückelung. Tatsächlich ist es umgekehrt. Die kurzen Stücke, „Beware the Friendly Stranger“ mit 38 Sekunden, „I Saw Drones“ mit 27, „Energy Warning“, „Opening the Mouth“, sind Übergänge. Sie verbinden die längeren Stücke zu einem Strom. Sandison sagte OOR, sie könnten aus solchen kurzen Stücken sofort zehn Alben machen. Auf der Platte seien die, die im Gesamtfluss am meisten Sinn ergeben.

Die Brüder haben das Album selbst als Erzählung gedacht. „Es soll laufen wie der Soundtrack eines seltsamen Musicals“, sagte Sandison, oder eines erdachten Films. Marcus Eoin beschrieb das Thema als Verwirrung, als „eine Art ‚Alice im Wunderland‘-Abenteuer, aber mit beschädigtem Verstand“.

Eine Feuerprobe

Am deutlichsten wurde Sandison mit einem Bild. Geogaddi sei „eine Platte für eine Art Feuerprobe, eine klaustrophobische, verschlungene Reise“. Sie führe durch ziemlich dunkle Erfahrungen, bevor man wieder an die frische Luft komme. Genau so ist die Platte gebaut. Nach dem freundlichen Auftakt mit „Ready Lets Go“ und „Music Is Math“ wird es enger, mit „1969“, „Alpha and Omega“ und „The Devil Is in the Details“ wird es unheimlich. Erst gegen Ende öffnet sich etwas.

Die Kritik war sich weitgehend einig. Bei Metacritic kam das Album auf 84 von 100 Punkten. Kitty Empire nannte es im NME „das Elektronik-Album des Jahres“, Q fand es „in jeder Hinsicht befriedigend, in der Aphex Twins Drukqs es nicht war“. Leiser blieb der Rolling Stone: Pat Blashill fand die Platte „wunderbar vage“. Manche vermissten Neues gegenüber dem Debüt. Eoin selbst räumte gegenüber HMV ein, dass sie den Klang des ersten Albums wohl bestärken wollten.

05Warum es einen Abend trägt

Geogaddi ist keine Sammlung, sondern ein Weg. Wer bei „Ready Lets Go“ einsteigt, geht durch einen dunklen Mittelteil, in dem sich Kinderlieder und Unbehagen mischen. Die kurzen Zwischenstücke lassen keine Pause entstehen, in der man aussteigen möchte. Man merkt kaum, wann ein Stück aufhört und das nächste beginnt.

Dann kommen „Dawn Chorus“, das Morgenkonzert der Vögel, „Diving Station“ und „You Could Feel the Sky“. Der Druck lässt nach. Mit „Corsair“ endet die Musik, ruhig und weit. Sandison hat genau das gemeint, als er sagte, sie hätten das Album darum mit „Corsair“ beendet. Danach kommt die Stille von „Magic Window“, und die gehört dazu.

Sechsundsechzig Minuten

Mit 66 Minuten ist das Album lang, aber es passt gut in einen Abend. Die Länge fühlt sich nicht an wie eine Stunde Musik, sondern wie eine Strecke, die man einmal gegangen ist. Am Ende sitzt man in einer Stille, die Teil des Albums ist.

Welches Geräusch aus Ihrer Kindheit würden Sie heute sofort wiedererkennen?