Music Has the Right to Children

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Music Has the Right to Children entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Bei der Aufnahme von „Rue the Whirl“ stand das Studiofenster offen. Draußen sangen Vögel, und die Mikrofone nahmen sie mit auf. Die Brüder hätten den Take wiederholen können. Sie fanden aber, dass die Vögel dem Stück etwas gaben, und ließen sie drin.

Das ist bezeichnend für die ganze Platte. Boards of Canada arbeiteten nicht in einem abgeschotteten Studio, auch wenn die Presse später gern von einem „Bunker“ schrieb. Die Band nannte das eine Übertreibung des Labels. Ihr Studio lag in den Pentland Hills, einer Hügellandschaft vor Edinburgh, und die Landschaft ist in der Musik zu spüren.

Hexagon Sun

In den Neunzigern gehörten die Brüder zu einem losen Künstlerkreis namens Hexagon Sun, der Filme drehte und Feste im Freien veranstaltete. Ihre Musik verbreiteten sie auf selbst gemachten Kassetten. 1996 wurde Sean Booth von Autechre auf ihre EP Hi Scores aufmerksam und empfahl sie dem kleinen Label Skam. Kurz darauf meldete sich auch Warp. Beide Labels brachten das Album schließlich gemeinsam heraus.

02Wie Music Has the Right to Children entstand

Musik machten die Brüder schon als Kinder. Sie legten Synthesizer über Kassettenaufnahmen von Kurzwellenradio und nahmen mit zwei Kassettenrekordern Spur um Spur übereinander auf, bis die Einzelheiten im Rauschen verschwammen. Diese Arbeitsweise behielten sie im Kern bei. Für das Album nutzten sie Sampler, alte Synthesizer, die sie bewusst verstimmten, Drumcomputer und Tonbandmaschinen. Aufgenommen wurde zwischen 1995 und 1997, „Smokes Quantity“ stammt sogar von der EP Twoism aus dem Jahr 1995.

Auch andere Stücke haben eine Vorgeschichte. „The Color of the Fire“ war zuvor unter dem Titel „I Love U“ auf der Kassettensammlung A Few Old Tunes erschienen. Erste Bandaufnahmen hatten die Brüder schon um 1987 und 1988 gemacht und später vernichtet. Marcus Eoin nannte sie den Keim des Projekts.

Als Einflüsse nannte die Band Devo, Wendy Carlos, DAF, Jeff Wayne, Julian Cope, My Bloody Valentine und Seefeel, dazu Musik aus Film und Fernsehen und den Pop der Achtziger. Für die elektronische Musik, die Ende der Neunziger angesagt war, interessierten sie sich nach Eoins Worten kaum. Tanzmusik zu machen, war nicht ihr Ziel.

Der Bandname geht auf die Lehrfilme des National Film Board of Canada zurück, die die Brüder als Kinder gesehen hatten. Auch einzelne Titel verweisen darauf: „Pete Standing Alone“ ist nach der Hauptfigur einer NFB-Dokumentation von 1960 benannt.

Ein vertauschter Titel

Der Albumtitel dreht einen Satz um. Die Band hat erzählt, er gehe auf ein Schulbuch für den Musikunterricht aus den Siebzigern zurück, das „Children Have the Right to Music“ hieß. Vertauscht man die beiden Begriffe, bekommt der Satz einen ganz anderen, beinahe bedrohlichen Klang. Die Titel der Stücke enthielten, so die Band, versteckte Hinweise, die man verstehen könne oder auch nicht.

Das Album erschien am 20. April 1998 bei Warp und Skam. In den USA folgte es im August bei Matador. Schon im Januar war „Aquarius“ als Single vorausgegangen, später im Jahr kam eine zweite mit „Telephasic Workshop“ und „Roygbiv“. Bei einer späteren Neuauflage kam das Stück „Happy Cycling“ dazu. Es verwendet den Ruf eines Vogels, der Rotfußseriema, aus der Filmmusik von Vangelis zu der Dokumentation La Fête sauvage von 1976.

03Der Klang

Die Synthesizer auf diesem Album sind nie ganz sauber gestimmt. Sie schwanken leicht, wie ein Band, das nicht mehr ganz gleichmäßig läuft. Darunter liegen langsame Rhythmen, darüber Stimmfetzen aus altem Kinderfernsehen: In „Aquarius“ und „The Color of the Fire“ stammen sie aus der Sesamstraße, in „Telephasic Workshop“ aus dem öffentlichen Fernsehen Nordamerikas der Siebziger. „Mit einer Melodie weckt man Gefühle viel leichter als mit einem Rhythmus“, sagte Marcus Eoin 1998.

Nicht alle Stimmen kommen aus dem Kinderfernsehen. In „Aquarius“ steckt laut der deutschen Wikipedia auch ein Ausschnitt aus Galt MacDermots „Aquarius“, dem bekannten Lied aus dem Musical Hair. Dazu kommen Feldaufnahmen und Klänge, die die Brüder stark bearbeitet haben.

Die Brüder haben ihren Klang bewusst gealtert. Sie wollten, dass man beim Hören denkt: Das kenne ich, aber ich weiß nicht, woher.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Siebzehn Stücke, aber kein Durcheinander. Lange Stücke wie „An Eagle in Your Mind“ oder „Telephasic Workshop“ wechseln sich mit kurzen Zwischenspielen ab, manche kaum eine Minute lang. Die kurzen Stücke wirken wie Überleitungen zwischen Räumen. So entsteht ein durchgehender Fluss, den man nicht in Songs zerlegen möchte.

Eine Traurigkeit ohne Anlass

Die Band hat gesagt, ihre Musik sei eine sehr persönliche Sache, mit der sie auch die Traurigkeit über den Verlust der Wahrnehmung ausdrücke, die man als Kind besitzt. Diese Traurigkeit ist leise. Sie liegt unter freundlichen Melodien, hellen Klängen und Kinderstimmen. Das Magazin Fact nannte das Album eine erwachsene Betrachtung der Kindheit, verspielt und zugleich emotional reif. Von ursprünglich 5.000 gepressten Exemplaren wuchs es auf über 200.000 verkaufte Alben.

Wie die Kritik es hörte

Schon 1998 war das Echo freundlich. Neil Davenport nannte es in den Manchester Evening News „das beste Album, das Sie dieses Jahr hören werden“. Alexis Petridis lobte im Daily Telegraph warmes, menschliches, sogar witziges Material. In den britischen Albumcharts kam die Platte damals trotzdem nur auf Platz 193.

Mit den Jahren wuchs ihr Ruf. Mark Richardson schrieb 2004 bei Pitchfork: „Hier steckt Gott im Detail.“ Er hob hervor, dass das Album Kindheit heraufbeschwört, ohne niedlich zu werden. John Bush gab bei AllMusic die Höchstwertung und sprach von „reiner Maschinen-Seele“. 2017 setzte Pitchfork das Album auf Platz zwei seiner Liste der besten IDM-Alben. Das Magazin Mojo führt es unter seinen hundert modernen Klassikern.

05Warum es einen Abend trägt

Auf Vinyl verteilt sich das Album auf zwei Platten und vier Seiten. Die erste Seite beginnt mit „Wildlife Analysis“, kaum mehr als eine Minute, wie das Einschalten eines alten Projektors. Danach folgen fünf Stücke. Am Stück gehört, merkt man trotzdem, wie jede der früheren Plattenseiten eine eigene kleine Welt ist.

Die erste Seite wechselt zweimal zwischen kurz und lang: „An Eagle in Your Mind“ und „Telephasic Workshop“ sind jeweils gut sechs Minuten lang, dazwischen und danach stehen Stücke von knapp zwei Minuten. Die dritte Seite beginnt mit „Rue the Whirl“, mit über sechseinhalb Minuten dem längsten Stück des Albums. Die vierte führt über „Pete Standing Alone“ und „Open the Light“ langsam zum Ende.

Mit rund 63 Minuten hat das Album eine gute Länge für einen Abend.

Ein Album für die Dämmerung

Music Has the Right to Children verlangt keine Aufmerksamkeit, belohnt sie aber. Irgendwann merkt man, dass man an Dinge denkt, an die man lange nicht gedacht hat: an Sommer, an Fernsehsendungen, an Fotos in einer Schublade. Am Ende steht „One Very Important Thought“.

Welche Erinnerung würden Sie wiederfinden, wenn Sie ihr nur lange genug zuhörten?