Heaven or Las Vegas

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Heaven or Las Vegas entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Ein Studio in Twickenham, im Südwesten Londons. Der Gitarrist ist oft nicht da. Am Mischpult sitzt der Bassist Simon Raymonde, hinter der Scheibe steht Elizabeth Fraser und singt. Tagelang geht das so, nur die beiden. Raymonde hat später erzählt, dass er in diesen Wochen zum ersten Mal ganz begriffen habe, was für eine Sängerin er da vor sich hatte.

Nach einem Take kam Fraser in den Regieraum und fragte, wie es gewesen sei. Raymonde erinnert sich, dass er sich dann die Tränen weggewischt und nur gesagt habe: „Das war in Ordnung, Liz“. Mehr Lob vertrug sie nicht. Sagte er, es sei großartig gewesen, antwortete sie, sie selbst finde es schlecht. Also lernte er, sich zurückzuhalten, obwohl ihn fast jeder Durchgang umhaute.

Eine Stimme ohne klare Worte

Wer das Album zum ersten Mal hört, versteht die Szene sofort. Frasers Stimme steigt hoch, fällt, bricht, setzt neu an. Man hört Silben, Laute, manchmal ein englisches Wort, oft nicht einmal das. Fraser selbst hat ihre schwer verständliche Aussprache mit Faulheit und schlechter Diktion erklärt, ganz ohne Geheimnis. Die Wirkung ist trotzdem eine andere: Man hört nicht auf den Inhalt, sondern auf das Gefühl. Und das ist auf diesem Album hell und warm wie auf keinem anderen der Band.

02Wie Heaven or Las Vegas entstand

Ende der Achtziger waren die Cocteau Twins seit fast zehn Jahren beim Londoner Label 4AD, sie hatten fünf Alben gemacht und in den USA gerade einen Vertrag mit Capitol unterschrieben. Aus der schottischen Kleinstadt Grangemouth war eine der bekanntesten Bands des britischen Independent geworden. Privat war vieles im Umbruch. Raymonde hatte geheiratet. Fraser und der Gitarrist Robin Guthrie, seit vielen Jahren ein Paar, erwarteten ein Kind.

Im September 1989 kam ihre Tochter Lucy Belle zur Welt. Kurz danach, mitten in den Aufnahmen, starb Raymondes Vater Ivor, ein Arrangeur und Komponist, der für ihn sehr wichtig gewesen war. Raymonde sprach später von einer dunklen Wolke über den Sessions. Er war damals 27. Und er glaubt heute, dass gerade dieses Ereignis der Platte ihre Spannung gegeben hat.

Zwischen Geburt und Abschied

Dazu kam etwas, über das die Band lange nicht sprach. Guthrie war abhängig von Kokain, die Sucht hatte schon während der Arbeit an Blue Bell Knoll zugenommen. Fraser und Raymonde hofften, das Kind würde daran etwas ändern. Das tat es nicht. Guthrie war seltener im Studio, und Raymonde übernahm mehr Verantwortung als je zuvor. Er sagte über diese Zeit, die Musik habe vieles überdeckt, über das niemand zu lange nachdenken wollte.

Gearbeitet wurde wie immer: Zuerst programmierte Guthrie die Drumcomputer, dann entwickelten er und Raymonde die Musik, erst danach kam Fraser mit ihrer Stimme dazu. Anders als früher schrieben die drei diesmal viel gemeinsam im selben Raum. Raymonde erinnert sich an eine ungeschriebene Regel: Wenn es an einem Tag nicht lief, sollte man nichts erzwingen, sondern lieber bowlen gehen. Rückblickend nannte er die Platte den Moment, in dem alle drei „zur selben Zeit auf derselben Astralebene“ gewesen seien.

Aufgenommen wurde in September Sound in Twickenham, einem Teil der Eel-Pie-Studios, die Pete Townshend von The Who gehörten. Produziert hat die Band selbst. Das Album erschien am 17. September 1990, dem ersten Geburtstag von Lucy Belle.

03Der Klang

Viele Klänge auf diesem Album halten Hörer für Synthesizer. Es sind fast immer Gitarren. Guthrie baute seinen Sound über Effektgeräte, Hall und Echo, bis eine Gitarre wie ein Chor klingt oder wie Glas. Manches davon entstand zufällig. Bei „Fifty-Fifty Clown“ probierten die beiden ein neues Effektgerät aus. Raymonde steckte eine Gitarre ein, Guthrie spielte weitere Spuren dazu, und Synthesizer kamen gar nicht vor. Zum Eröffnungsstück „Cherry-Coloured Funk“ sagte Raymonde knapp: „Das sind einfach alles Gitarren und Bass“ – und die Stimme.

Darunter liegt der Drumcomputer. Raymonde verglich Guthries Rhythmen auf diesem Album mit Hip-Hop-Beats. Die Musik ist davon weit entfernt, aber sie kommt, wie er sagt, aus einer tanzbaren Ecke. Man merkt das an den Songs: Sie haben mehr Zug als die früheren Platten, die Rhythmen sind synkopiert, die Basslinien laufen deutlich hörbar mit. Raymondes Bass ist hier so präsent wie nirgends sonst bei der Band.

Wärmer als alles davor

Kritiker haben das Album als Dream Pop beschrieben, als schwebenden, verhallten Pop, und es gilt heute als das Album, an dem sich diese Richtung misst. Im Vergleich zu Blue Bell Knoll klingt es freundlicher und offener. Die Songs mischen Dur und Moll, sie haben Refrains, die man wiedererkennt, auch wenn man sie nicht mitsingen kann.

Und Fraser singt anders. In „I Wear Your Ring“ ist sie ungewöhnlich deutlich zu verstehen, ein Kritiker verglich sie dort mit Karen Carpenter. In „Iceblink Luck“ bleibt sie in einer tieferen Lage. In „Road, River and Rail“ bricht ihre Stimme an einzelnen Stellen. Sie selbst hat erzählt, dass die etwas verständlicheren Worte dieses Albums mit ihrer Tochter zu tun haben. Mehrere Songs kreisen um die Geburt, „Pitch the Baby“ zum Beispiel um die Freude über ein neues Kind.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Das Album ist kurz, zehn Songs in gut 37 Minuten. Die meisten Stücke dauern um die drei Minuten, fast wie Singles. Nur zwei sind länger: das Titelstück genau in der Mitte und „Frou-Frou Foxes in Midsummer Fires“ am Schluss. So hat die Platte eine klare Form. Sie beginnt mit dem Bass von „Cherry-Coloured Funk“, der sofort den Raum füllt, hat in der Mitte ihren hellsten Punkt und endet mit einem Stück, das sich Zeit lässt.

Dazwischen wechseln Farben, nicht Stimmungen. „Iceblink Luck“, die einzige Single, ist hell und leicht. „Fotzepolitic“ verbindet klingelnde Gitarren, die an Folk-Rock erinnern, mit einem warmen Gesang. „Wolf in the Breast“ nennt Raymonde eines seiner liebsten Stücke, weil sich sein Bass und Guthries Gitarre darin so ineinander verschränken. Die Songtitel helfen beim Orientieren nicht, sie sind so rätselhaft wie die Texte. Man merkt sich die Songs eher an ihrem Klang.

Wahrheit oder Kommerz

Der Titel hat mehrere Deutungen gefunden. Der Journalist Martin Aston las ihn in seiner Geschichte von 4AD als Gegensatz von Wahrheit und Künstlichkeit, von Musik und Geschäft, vielleicht auch als letzten Wurf der Würfel. Guthrie selbst gab sich 1990 gegenüber Select nüchterner: Es seien einfach zwei Orte, an denen die Band nie gewesen sei. Und er kündigte halb im Scherz an, man werde in Las Vegas in einem Hotel oder Casino spielen, „so wie Elvis“.

Das Album kam in Großbritannien auf Platz sieben, die höchste Platzierung der Band. In den USA erreichte es Platz 99. Die Kritik war sich weitgehend einig: Q nannte es die bisher beste Stunde der Band, der NME gab acht von zehn Punkten. Später wuchs der Ruf weiter. Pitchfork setzte es 2018 auf Platz eins seiner besten Dream-Pop-Alben, der Rolling Stone nahm es 2020 in seine Liste der 500 größten Alben auf.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 37 Minuten ist es ein kurzes Album. Und es gibt wenige Alben, bei denen man so schnell vergisst, dass man zuhört.

Am Stück gehört, hat dieses Album eine klare Form. Der Bass von „Cherry-Coloured Funk“ füllt sofort den Raum, das Titelstück in der Mitte ist der hellste Punkt, und „Frou-Frou Foxes in Midsummer Fires“ am Schluss lässt sich Zeit. Die verhallten Gitarren brauchen keine Lautstärke, sie brauchen Ruhe. Der Bass trägt, die Drumcomputer bleiben leicht, und Frasers Stimme steht darüber, ohne zu drängen. Ich höre in diesem Album etwas, das man schwer beschreiben kann: Musik, die gleichzeitig glücklich und traurig ist, ohne sich für eines zu entscheiden.

Für wen dieses Album passt

Für alle, die um 1990 in einem Plattenladen vor den 4AD-Regalen standen, ist das Album eine Rückkehr in eine bestimmte Zeit. Für alle anderen ist es ein guter Einstieg: Man muss nichts wissen, kein Englisch verstehen, keine Texte kennen. Die Worte sind ohnehin kaum zu verstehen. Gerade das macht es leicht, sich darauf einzulassen.

Was Fraser da eigentlich singt, weiß man oft nicht. Wie es mit der Band weiterging, steht im Porträt der Cocteau Twins. Das Album endet mit „Frou-Frou Foxes in Midsummer Fires“, einem Stück, das sich Zeit lässt.

Wo waren Sie, als Sie zum ersten Mal eine Stimme gehört haben, die Sie berührt hat, ohne dass Sie ein Wort verstanden?