Heaven Up Here

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Heaven Up Here entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Porthcawl an der Küste von Südwales, im Frühjahr 1981. Die Band nimmt in Wales ihr zweites Album auf und hat einen freien Tag. Die vier stehen am Strand, und vor ihnen steht der Fotograf Brian Griffin mit seiner Kamera.

Griffin hat Eimer mitgebracht, gefüllt mit Fischabfällen. Die Möwen sollen ins Bild fliegen. Die Sonne steht tief, die Wolken sind schwer. Die Musiker sind gegen das Licht nur noch Umrisse. Es ist ein seltsames Bild für eine Rockband: kein Blick in die Kamera, keine Pose, nur vier Silhouetten vor einem Himmel, der nach Unwetter aussieht.

Ein Bild, für das man kämpfen musste

Beim Label kam das Foto zunächst nicht an. Bill Drummond, der Manager der Band, und Rob Dickins, der Chef von Korova, lehnten die Bilder ab. Griffin und der Gestalter Martyn Atkins setzten sich trotzdem durch. Die beiden hatten schon das Debüt gestaltet, dort stand die Band in einem dunklen Wald. Jetzt war es der Strand.

Das Cover passt zur Musik. Heaven Up Here klingt nach Küste und nach Wetter, nach Weite und Wind. Bei den NME Awards 1981 wurde die Platte zum besten Album gewählt, die Hülle zum bestgestalteten Cover. Simon Reynolds hat diese Wahl später als Protest der stillen Mehrheit des Post-Punk gegen den neuen, glatten Pop gedeutet.

02Wie Heaven Up Here entstand

Das erste Album Crocodiles war 1980 erschienen. Für das zweite wollte die Band etwas anderes. Mit den bisherigen Produzenten, ihren Managern Bill Drummond und David Balfe, gab es musikalische Meinungsverschiedenheiten. Also holten die vier Hugh Jones. Er hatte Crocodiles als Toningenieur betreut und die EP Shine So Hard mitproduziert. Jetzt produzierte er gemeinsam mit der Band.

Aufgenommen wurde im März 1981 in den Rockfield Studios bei Monmouth in Wales. Dazu kam ein Gastmusiker: Les Penning spielte Holzblasinstrumente. Alle elf Lieder sind von allen vier Bandmitgliedern geschrieben: Will Sergeant, Ian McCulloch, Les Pattinson und Pete de Freitas.

Ein Soul-Album, im Kopf

In den Begleittexten zur Neuauflage von 2003 erzählten die Musiker, was sie damals vorhatten. McCulloch sagte, die Band habe ein Soul-Album aufnehmen wollen. Im Hinterkopf habe er die ganze Zeit „What Goes On“ von The Velvet Underground gehabt. Man hört davon wenig Soul im üblichen Sinn. Aber man hört den Willen, dass die Lieder sich bewegen und nicht stillstehen.

Les Pattinson gab zu, dass die Band oft faul gewesen sei. Deshalb mieteten sie in Liverpool einen Proberaum im Ministry, um sich eine Arbeitsweise und eine gemeinsame Sprache im Rhythmus zu erarbeiten. McCulloch wiederum nannte die Platte später Sergeants Album: Der Gitarrist sei bei den Aufnahmen herrisch gewesen und habe alles kontrollieren wollen.

Am 29. Mai 1981 erschien Heaven Up Here in Großbritannien bei Korova, im Juni bei Sire in den USA. Die Platte kam auf Platz zehn der britischen Charts und blieb 16 Wochen dort. In den USA reichte es nur für Platz 184. Die einzige Single in Großbritannien war „A Promise“, sie erschien im Juli und kam auf Platz 49. „Over the Wall“ wurde nur in Australien als Single veröffentlicht.

03Der Klang

Wer Ocean Rain kennt, die späte, große Platte der Band mit Orchester, hört hier eine andere Gruppe. Kein Orchester, kein Glanz. Im Kern Bass, Schlagzeug, Gitarren und eine Stimme, dazu ein paar Holzbläser von Les Penning. Und doch klingt Heaven Up Here nicht karg. Simon Reynolds hat den Klang in seinem Buch Rip It Up and Start Again beschrieben: übereinandergelegte Gitarren, aufblitzende Tasten, mehrfach aufgenommener Gesang und atmosphärischer Dunst.

Will Sergeant spielt keine Riffs, die man nachpfeifen könnte. Seine Gitarre schneidet, flirrt, schiebt Flächen in den Raum. Aaron Warshaw schrieb bei AllMusic, Sergeants Gitarrenspiel sei hier in seiner kantigsten Form. Darunter treiben Pattinson und de Freitas. Das Schlagzeug ist das Fundament, auf dem alles andere schwankt.

Eine Stimme, die sich nicht zurückhält

Über allem McCulloch. Er singt, als ginge es um alles. Warshaw schrieb, er singe durchweg mit hochfliegender Hingabe und Leidenschaft. Man kann das Pathos finden. Man kann aber auch hören, wie ernst er es meint.

Die zeitgenössischen Kritiken lasen die Platte sehr verschieden. Der NME fand sie dunkler und leidenschaftlicher als das Debüt. Record Mirror schrieb von einer Anatomie der Melancholie, „prachtvoll im Glamour des Untergangs“. Der Melody Maker hörte das Gegenteil: majestätische, erhebende Musik, die durch die dunklen Tage scheinen werde. Robert Christgau in der Village Voice konnte mit dem Ganzen nichts anfangen und sprach von psychedelischem Gejaule ohne Melodie.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Elf Lieder, keins über sechs Minuten, das kürzeste knapp zweieinhalb. Die Platte beginnt mit „Show of Strength“, und der Titel ist Programm: Die Band zeigt gleich am Anfang, was sie kann. Danach folgen „With a Hip“ und „Over the Wall“, mit knapp sechs Minuten das längste Stück. Die erste Seite der Originalplatte endet mit „A Promise“, der Single.

Die zweite Seite beginnt mit dem Titelstück, gefolgt von „The Disease“, dem kürzesten Lied. Dann „All My Colours“, „No Dark Things“, „Turquoise Days“. Die Lieder gleichen sich nicht, aber sie gehören zusammen. Es gibt keinen großen Hit, der alles andere überstrahlt: Die einzige britische Single kam nicht über Platz 49 hinaus.

Das Ende

Am Schluss steht „All I Want“. Simon Reynolds nannte es eine lärmende Feier des Begehrens um seiner selbst willen. Nach vierzig Minuten Wetter und Wind ist das ein Ausbruch, kein Ausklang. Die Platte endet nicht mit einem Seufzer, sondern mit Kraft.

Reynolds hat Heaven Up Here mit Closer von Joy Division verglichen, das ein Jahr früher erschienen war. Beide Platten sind dunkel, beide haben diesen Hall. Aber Heaven Up Here dreht sich am Ende um. Das hört man nur, wenn man bis zum Schluss bleibt.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 44 Minuten, das passt gut in einen Abend. Heaven Up Here ist keine Platte aus einzelnen Hits. Wer nur ein Lied herausgreift, hört eine Gitarre, einen Sänger, ein bisschen Hall. Wer die ganze Platte hört, hört eine Landschaft.

Der Bogen ist einfach. Die ersten Stücke sind kantig und unruhig, die Mitte wird dichter und dunkler, und zum Schluss bricht etwas auf. Dieser Weg ist das, was die Platte zusammenhält. Es gibt keinen Moment, an dem sie sich ausruht, aber auch keinen, an dem sie einen verliert.

Zum Licht

Was mich an dieser Platte am meisten berührt, ist die Richtung. Sie beginnt in einer Stimmung, die man aus dem Post-Punk jener Jahre kennt: ernst, düster, ein bisschen verloren. Und sie endet mit einem Lied, das einfach nur will. McCulloch sagte 1980 in einem Interview, er sei stolz darauf, in einer Rockband zu sein, und möge einfache Lieder. Auf diesem Album hört man beides: den Stolz und die Einfachheit.

Wenn „All I Want“ vorbei ist, bleibt das Bild vom Cover. Vier Schatten am Strand, die Sonne tief, die Möwen in der Luft. Nach vierundvierzig Minuten weiß man, warum die Band dort stand.

Welches Lied haben Sie mitgenommen – eines aus der dunklen Mitte oder das laute am Schluss?