Helplessness Blues

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Helplessness Blues entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Im Sommer 2008 waren Fleet Foxes plötzlich überall. Ihr erstes Album hatte die Band aus Seattle innerhalb weniger Monate bekannt gemacht. Danach kam die Frage, die nach jedem erfolgreichen Debüt kommt: Was jetzt?

Robin Pecknold, Sänger und einziger Songschreiber, hatte eine klare Vorstellung. Im Dezember 2009 erzählte er dem Guardian, die neuen Songs sollten „weniger poppig, weniger fröhlich und mehr vom Groove getragen“ sein. Vorbild war Roy Harpers Folkalbum Stormcock mit seiner zwölfsaitigen Gitarre. Und er wollte schnell aufnehmen. Fehler sollten drinbleiben. „Ich will, dass da Gitarrenfehler drauf sind“, sagte er.

Ein Jahr statt ein paar Tage

Es kam anders. Schon im Februar 2009 hatte die Band in einem gemieteten Haus außerhalb von Seattle geprobt. Die Aufnahmen daraus wurden größtenteils verworfen. Das kostete die Band rund 60.000 Dollar aus eigener Tasche. Dazu kamen Tourneen und die Soloprojekte von Schlagzeuger Josh Tillman. Pecknold hatte auf eine Veröffentlichung 2009 gehofft. Daraus wurde nichts.

Die eigentlichen Aufnahmen zogen sich durch das ganze Jahr 2010. Im Herbst ging die Band nach New York, um das Album abmischen zu lassen. Nach vier, fünf Tagen brach sie ab. Mit dem Material war sie nicht zufrieden, viele Songs wurden noch einmal neu aufgenommen. Gegenüber NPR beschrieb Pecknold den Druck so: Ein neuer Song dürfe „nicht zu sehr nach etwas klingen, das man schon gemacht hat“.

Auch privat hinterließ die Arbeit Spuren. Pecknold erzählte dem Rolling Stone, seine Freundin habe sich während der Aufnahmen von ihm getrennt, weil der Stress zu groß wurde.

Am 31. Januar 2011 stellte die Band den Titelsong zum kostenlosen Herunterladen ins Netz. Das Album folgte Anfang Mai.

02Wie Helplessness Blues entstand

Aufgenommen wurde an vier Orten. Der wichtigste war das Reciprocal Recording in Seattle, wo die Band von Januar bis Dezember 2010 immer wieder arbeitete. Im April ging es für zwölf Tage ins Dreamland Recording in West Hurley im Bundesstaat New York, vor allem für das Schlagzeug. Im Juli folgten zehn Tage im Bear Creek Studio in Woodinville bei Seattle. Im Herbst wurde im Avast Recording in Seattle gemischt und noch einmal aufgenommen.

Produziert hat die Band selbst, zusammen mit Phil Ek. Der Toningenieur aus Seattle hatte schon das Debüt betreut. Nach dem abgebrochenen Mix in New York wollte er in der Stadt bleiben. Im Gespräch mit dem Magazin Sound On Sound begründete er das ganz praktisch: So könne man in den eigenen Häusern schlafen.

Neue Leute, neue Instrumente

Zur Band gehörten jetzt sechs Musiker. Neben Pecknold, Gitarrist Skyler Skjelset, Keyboarder Casey Wescott und Josh Tillman am Schlagzeug waren zwei Neue dabei: Christian Wargo am Bass und Morgan Henderson an Kontrabass und Holzblasinstrumenten.

Die Liste der Instrumente ist lang. Pecknold spielte neben den Gitarren auch Klavier, Geige, Mandoline, Hackbrett und Harmonium. Wescott brachte Pumporgel, Spieluhr, Cembalo, Mellotron und tibetische Klangschalen mit. Gäste spielten Geige und Pedal-Steel-Gitarre.

Mehrere Stücke entstanden in Teilen. „The Plains / Bitter Dancer“, „Grown Ocean“ und der Titelsong wurden abschnittsweise aufgenommen und erst später zusammengesetzt. „Sim Sala Bim“ klang in der ersten Fassung zu langsam und wurde neu eingespielt. „Battery Kinzie“ kam erst ganz spät dazu, nach dem gescheiterten Mix in New York.

03Der Klang

Im Mittelpunkt steht Pecknolds zwölfsaitige Martin-Gitarre aus den Sechzigern. Phil Ek lobte im Gespräch mit Sound On Sound sein Spiel: „Er weiß, wie man Akustikgitarre richtig spielt.“ Lautstärke und Griffe stimmten, so Ek. Sie prägt den Klang der Platte stärker als beim Debüt.

Die mehrstimmigen Gesänge, das Markenzeichen der Band, entstanden anders, als man vermuten würde. Die Band versuchte zunächst, gemeinsam um ein Mikrofon herum zu singen. Das funktionierte nicht gut. „Es mischte sich einfach nicht so gut“, sagte Ek. Also sang jeder seine Stimme einzeln ein.

Weniger Hall

Auf dem Debüt lag viel Hall auf den Stimmen. Ek fand im Nachhinein, dass er Pecknolds Gesang dort verdeckt hatte. Für Helplessness Blues nahm er ihn zurück. Der Raumklang kommt nicht aus großen Sälen, sondern vor allem aus einer Hallplatte. Pecknolds Stimme steht dadurch klarer im Raum.

Der Rolling Stone hörte glänzende Akustikgitarren, Harmonium und Hackbrett und dazu wärmende Chorgesänge. Andy Gill schrieb im Independent, die Band mache große kreative Schritte, ohne ihren Grundklang aufzugeben. Das trifft es gut. Man erkennt Fleet Foxes sofort, aber die Songs sind länger, unruhiger und lassen mehr Raum für einzelne Instrumente.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die Platte beginnt mit „Montezuma“. Pecknold singt darin über das eigene Alter und über die Frage, ob man mit Mitte zwanzig schon geworden ist, wer man sein wollte. Gleich am Anfang ist damit das Thema gesetzt, das sich durch alle zwölf Songs zieht.

Der Titelsong steht in der Mitte, an sechster Stelle. Er handelt von einem Gegensatz: Man wurde großgezogen in dem Glauben, etwas Besonderes zu sein. Und dann die Sehnsucht, einfach Teil von etwas Größerem zu sein, mit einfacher Arbeit draußen. Der Rolling Stone nannte ihn „prächtig ausgestattet“.

Zwischen den langen Stücken

Die Platte wechselt zwischen langen, mehrteiligen Stücken und kurzen. „The Cascades“ dauert gut zwei Minuten, „Someone You’d Admire“ kaum länger. Diese kleinen Stücke wirken wie Atempausen zwischen den großen.

„Lorelai“ erzählt von einer Beziehung, die durch Abstand und Vernachlässigung zerfällt. „The Shrine / An Argument“ geht noch weiter, in Wut und Verlust. Danach kommen nur noch zwei Songs. Der letzte, „Grown Ocean“, bietet so etwas wie Trost.

Die Kritik war sich weitgehend einig. Bei Metacritic stand das Album bei 85 von 100 Punkten. Das Magazin PopMatters setzte es auf Platz eins seiner Jahresbestenliste 2011, Paste auf Platz zwei. Bei den Grammys im Februar 2012 war es als bestes Folk-Album nominiert. Es blieb die einzige Platte der Band mit Josh Tillman. Er stieg im Januar 2012 aus und wurde kurz darauf als Father John Misty bekannt.

05Warum es einen Abend trägt

Mit knapp 50 Minuten hat das Album eine gute Länge für einen Abend.

Am Stück gehört, hat die Platte einen klaren Bogen. Sie beginnt mit einer Frage an sich selbst, in „Montezuma“. Dann werden die Stücke länger und unruhiger. Der Titelsong in der Mitte ist der Kern. „The Shrine / An Argument“ ist der Punkt, an dem alles einmal auseinanderfällt.

Zusammengehalten wird das von der zwölfsaitigen Gitarre und von den Stimmen, die immer wieder zusammenfinden. Die kurzen Stücke dazwischen geben dem Zuhören Luft. Man merkt beim Durchhören, wie bewusst diese Abfolge gebaut ist.

Der letzte Titel

Am Ende steht „Grown Ocean“. NPR hörte darin trillernde Flöten, die über dem Song schweben. Nach dem Streit und dem Verlust des vorletzten langen Stücks ist das ein offenes, fast hoffnungsvolles Ende. Es klingt nicht nach einer Antwort, eher nach einem Aufatmen.

Mir gefällt an diesem Album, dass man ihm die Mühe nicht anhört. Ein Jahr Arbeit, verworfene Fassungen, ein abgebrochener Mix. Und trotzdem wirkt es, als hätte jemand einfach in Ruhe zwölf Lieder gesungen.

Wie alt waren Sie, als Sie sich zum ersten Mal gefragt haben, wofür Sie eigentlich da sind?