Out of Time

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Out of Time entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Peter Buck hat sich eine Mandoline gekauft und kann sie noch nicht spielen. Er sitzt vor dem Fernseher, es läuft Baseball, daneben steht ein Bier. Während er übt, nimmt ein Ghettoblaster alles auf. Es ist kein Studio, keine Session, nur ein Gitarrist, der ein neues Instrument ausprobiert.

Am nächsten Tag hört er sich die Aufnahme an. Vieles darauf sei einfach er gewesen, wie er Mandoline spielen lernt, hat Buck später erzählt. Und dazwischen ein Stück, aus dem „Losing My Religion“ wurde.

Ein Ausdruck aus dem Süden

Der Titel ist eine Redewendung aus den Südstaaten der USA. Sie hat nichts mit Glauben zu tun. Sie bedeutet, die Fassung zu verlieren, mit den Nerven am Ende zu sein. Buck war sich selbst nicht sicher, ob es den Ausdruck wirklich gibt, bis eine ältere Frau in New Orleans ihn kannte.

Michael Stipe hat den Song als Lied über eine unerwiderte Liebe beschrieben. Als Vorbild nannte er „Every Breath You Take“ von The Police, einen Song über Besessenheit. Gesungen hat er seinen Teil in einem einzigen Durchgang.

Die erste Demofassung entstand im Juli 1990 in Athens, die endgültige im September in den Bearsville Studios bei Woodstock. Im Oktober kamen in Atlanta Streicher dazu, gespielt von Mitgliedern des Atlanta Symphony Orchestra. „Losing My Religion“ wurde im Februar 1991 die erste Single. In den USA kam sie auf Platz 4, höher als jede Single der Band davor oder danach. Bei den Grammys 1992 gewann der Song zwei Preise, einen davon für das Video von Tarsem Singh.

02Wie Out of Time entstand

1988 waren R.E.M. zu Warner Bros. gewechselt. Mit Green gingen sie auf ihre bis dahin größte Tournee, mit Projektionen und Kunstfilmen auf der Bühne. Danach war die Band erschöpft. Sie beschloss eine längere Pause, die erste seit ihrer Gründung.

Als die vier Mitte 1990 wieder zusammenkamen, arbeiteten sie anders. Bisher hatten sie Instrumente wie Mandoline oder Orgel erst nachträglich auf fertige Songs gelegt. Jetzt schrieben sie direkt auf diesen Instrumenten, dazu auf der Akustikgitarre. Die verzerrte E-Gitarre trat zurück.

Drei Studios, ein Produzent

Aufgenommen wurde in drei Studios: in den Bearsville Studios bei Woodstock im Staat New York, im Studio von John Keane in Athens, Georgia, der Heimatstadt der Band, und bei Soundscape in Atlanta. Produziert hat Scott Litt zusammen mit der Band, wie schon bei Green.

Manche Songs entstanden in kürzester Zeit. „Country Feedback“ brachte Buck als Folge von vier Akkorden mit. Bill Berry spielte dazu Bass, und die gesamte Aufnahme dauerte ohne Mischung rund 35 Minuten. Stipe kam einen Tag später und hatte keinen Text dabei, nur zwei kleine Zeichnungen, einen Indianerkopf und einen Pfeil. Er sang, was ihm in den Sinn kam.

„Texarkana“ dagegen bereitete ihm wochenlang Mühe. Er fand keinen Text. Am Ende schrieb Mike Mills Musik und Worte und sang den Song selbst, Stipe nur im Hintergrund.

Das Album erschien im März 1991. Eine Tournee gab es nicht, nur einzelne Auftritte im Fernsehen und auf Festivals. Am 13. April 1991 spielte die Band in der Sendung Saturday Night Live „Shiny Happy People“, mit Kate Pierson, und „Losing My Religion“.

03Der Klang

Die vier tauschten die Rollen. Buck spielte Mandoline, Mills wechselte an Orgel, Klavier und Cembalo, Berry griff bei einigen Songs zum Bass. Für mehrere Stücke schrieb Mark Bingham Streicherarrangements, für „Losing My Religion“ zusammen mit Mills.

Dazu kamen Gäste. Kidd Jordan spielt Tenor-, Alt- und Baritonsaxofon und Bassklarinette. John Keane, in dessen Studio die Band aufnahm, spielt Pedal-Steel-Gitarre. Peter Holsapple ergänzt Bass und Gitarren. In „Endgame“ spielt Cecil Welch Flügelhorn, und Stipe fand, der Part erinnere an Henry Mancini.

Orgel wie im Bestattungsinstitut

„Low“ ist der stillste Song der ersten Seite. Mills spielt eine Orgel, die eher an eine Trauerhalle erinnert als an eine Rockband. Stipe sagte damals, er möge keine Liebeslieder, er halte sie für manipulativ. „Low“ ist trotzdem eines.

„Endgame“ hat gar keinen Text. Stipe singt nur Silben, weil Worte die Musik auf eine Geschichte festlegen würden. Der Arbeitstitel war „End Title Sequence“, gedacht wie der Abspann eines Films.

Und dann ist da die Stimme von Kate Pierson von den B-52's. Sie singt in vier Songs mit: „Shiny Happy People“, „Near Wild Heaven“, „Country Feedback“ und „Me in Honey“. „Shiny Happy People“ hat in Einleitung und Mitte einen kurzen Teil im Dreivierteltakt. Mills war davon nicht überzeugt. Berry fand, solche verrückten Ideen hielten die Aufnahmen frisch.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die beiden Plattenseiten tragen Namen: „Time“ und „Memory“, Zeit und Erinnerung. Die erste Seite hat fünf Titel, die zweite sechs. Das ist kein Konzeptalbum mit durchgehender Geschichte. Aber die Lieder kreisen um ähnliche Dinge: um Liebe, um Nähe, um das, was man nicht sagen kann.

Greg Kot schrieb in der Chicago Tribune von einem Zyklus von Liebesliedern, die selbst in weiten Arrangements intim klingen. Er nannte das Album „R.E.M.s geschlossenstes Werk seit Reckoning“. David Cavanagh vom britischen Magazin Select fiel auf, dass die Band die politischen Themen der Vorgänger hinter sich ließ.

Mehrere Stimmen

Ungewöhnlich für R.E.M. ist, wie viele Stimmen man hört. Mills singt „Near Wild Heaven“ und „Texarkana“. Kate Pierson ist in vier Songs zu hören. Den Anfang macht der Rapper KRS-One: „Radio Song“ beginnt mit seiner gesprochenen Einleitung, nicht mit der Band. Die Musiker fanden, dem Song habe ohne ihn die Wucht gefehlt.

„Near Wild Heaven“ klingt nach den Beach Boys. Buck und Mills hörten während der Aufnahmen die Neuausgaben von Smiley Smile und Wild Honey. Stipe hörte nur mit, weil die beiden ihn dazu drängten.

Nicht alle Kritiker waren überzeugt. David Browne schrieb in Entertainment Weekly, die vielen Gäste gäben der Platte zwar eine andere Textur, an die Lebendigkeit früherer Alben reiche sie aber nicht heran. Und Stipe selbst ging mit „Shiny Happy People“ später hart ins Gericht. Er nannte es aber auch das fröhlichste Lied, das er geschrieben habe.

Parke Puterbaugh fasste es im Rolling Stone so: R.E.M. hätten sich „zugleich verzweigt und ihre Stärken gefestigt“. Im Musikexpress schrieb Arno Frank, das Album zeige die Band „auf dem Gipfel ihres Könnens“.

05Warum es einen Abend trägt

Das Album beginnt mit einer Stimme, die nicht zur Band gehört. KRS-One spricht, dann setzt „Radio Song“ ein, funkig, mit Saxofonen und Bandschleifen. Es ist der lauteste Einstieg, den die Platte hat. Gleich danach kommt die Mandoline von „Losing My Religion“, und der Ton ist gesetzt.

Die erste Seite wird dann ruhiger. „Low“ mit seiner Orgel, „Near Wild Heaven“ mit Mills' Gesang und viel Harmonie, schließlich „Endgame“ ohne Worte, wie ein Abspann mitten im Album. Die zweite Seite setzt mit „Shiny Happy People“ hell neu an. Danach wird sie stiller und persönlicher: „Belong“ aus der Garage, „Half a World Away“ mit Cembalo und Mandoline, „Texarkana“, dann „Country Feedback“, in 35 Minuten aufgenommen und so roh, wie die Entstehung klingt.

Ein einziger Akkord am Ende

Den Schluss macht „Me in Honey“. Der Song ist um einen einzigen Akkord gebaut. Mills spielte ein Riff, Buck und Berry stiegen ein, die erste Idee war rund 30 Sekunden lang. Stipe hat ihn als Antwort auf „Eat for Two“ von 10,000 Maniacs beschrieben, die Band seiner Freundin Natalie Merchant: eine männliche Sicht auf eine Schwangerschaft, mit widersprüchlichen Gefühlen. Kate Pierson singt noch einmal mit. Es ist kein großes Finale, eher ein Ausklang.

Was die elf Titel zusammenhält, sind die Instrumente, die immer wiederkehren: Mandoline, Orgel, Streicher, die zweite Stimme. Kein Song ist länger als fünf Minuten. Mit rund 44 Minuten ist es ein kurzes Album.

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