Pat Metheny Group

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Pat Metheny Group entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Pat Metheny hatte das Stück zunächst für sich geschrieben. Für einen kleinen Clubauftritt mit seinem Bruder Mike, einem Flügelhornisten. So hat er es 2004 selbst erzählt, in seinen Notizen zur ECM-Sammlung :rarum. Danach landete es bei seiner neuen Band. Mit dem Pianisten Lyle Mays arbeitete er es aus, auf der Platte stehen beide als Komponisten.

Das Stück heißt „Phase Dance“. Es steht an zweiter Stelle auf dem ersten Album der Pat Metheny Group, direkt nach dem langen „San Lorenzo“. In Methenys Notizen steht ein einfacher Satz dazu: „Phase Dance war eines der Stücke, die wir jeden Abend spielten.“

Ein Stück, das die Band erklärt

Jeden Abend heißt in diesem Fall: sehr viele Abende. Die Band war seit 1977 fast ununterbrochen unterwegs. „Phase Dance“ war das Stück, an dem man hören konnte, was diese vier Musiker wollten. Metheny schreibt, in ihm stecke alles, was er sich von einer eigenen Gruppe immer erhofft hatte.

Was das ist, hört man schon in den ersten Takten. Eine Gitarre schlägt eine helle Figur an, der Bass wiegt sich darunter hin und her, das Schlagzeug hält alles locker zusammen. Dann übernehmen Gitarre und Klavier die Melodie, manchmal so eng, dass man nicht sicher sagen kann, wer gerade führt. Niemand drängt sich vor. Und trotzdem steigt das Stück, langsam, bis es weit oben ankommt.

Für mich ist das der Moment, in dem die Platte sich vorstellt. „San Lorenzo“ davor ist schön und groß. „Phase Dance“ ist das Stück, bei dem man versteht, warum es diese Band gab.

02Wie Pat Metheny Group entstand

Pat Metheny war 1978 dreiundzwanzig Jahre alt und schon kein Anfänger mehr. Er kam aus Lee’s Summit bei Kansas City, hatte sehr jung in Miami und Boston Gitarre unterrichtet und seit 1974 in der Band des Vibrafonisten Gary Burton gespielt. 1976 war sein erstes eigenes Album erschienen, Bright Size Life, ein Trio mit dem Bassisten Jaco Pastorius und dem Schlagzeuger Bob Moses. Es erschien bei ECM, dem Münchner Label von Manfred Eicher.

Lyle Mays hatte er bei einem Jazzfestival in Wichita kennengelernt. Mays kam aus Wisconsin, hatte an der University of North Texas für die dortige Bigband geschrieben und spielte Klavier mit einem sehr eigenen Gespür für Harmonien. Im Februar 1977 nahmen die beiden zum ersten Mal zusammen auf, für Methenys Album Watercolors, im Talent-Studio in Oslo. Am Schlagzeug saß Danny Gottlieb.

Ein Anruf, ein Kleinbus

Kurz danach gründete Metheny seine eigene Gruppe. „Als es Zeit für meine eigene Band war, rief ich als Erstes Lyle an“, schrieb er 2004. Gottlieb blieb, dazu kam der Bassist Mark Egan. Was dann folgte, beschreibt Metheny ohne Romantik: Man sei „in Kleinbussen durch ganz Nordamerika und Europa“ gefahren und habe gespielt, wo immer man sie haben wollte. Das ging so bis 1980.

Im Januar 1978 kam die Band nach Oslo, wieder ins Talent-Studio. Produzent war Manfred Eicher, am Mischpult saß Jan Erik Kongshaug, der Toningenieur, der den Klang von ECM über Jahrzehnte prägte. „Phase Dance“ kannte die Band da längst von der Bühne.

Das Album erschien noch im selben Frühjahr. In den Jazzcharts von Billboard kam es auf Platz fünf, in den Popcharts immerhin auf Platz 123. Für eine Instrumentalplatte von einem kleinen deutschen Label war das bemerkenswert.

03Der Klang

Scott Yanow hat den Klang bei AllMusic in wenigen Worten gefasst: Die Musik sei „schwebend statt swingend, elektrisch, aber nicht rockig“. Genau das unterschied die Band von vielem, was Ende der Siebzigerjahre als Jazzrock lief. Metheny sagt es in seinen Notizen deutlicher: „Wir standen der Musik, die man heute Fusion nennt, ziemlich ablehnend gegenüber.“

Statt Lautstärke und schneller Läufe ging es um Dynamik und um die Verteilung der Klangfarben. Metheny spielt sechs- und zwölfsaitige Gitarren, elektrisch und akustisch. Mays spielt Flügel, einen Oberheim-Synthesizer und eine Autoharp, eine Zither, die man mit Tasten greift und mit den Fingern zupft. Ihr Klirren liegt in „San Lorenzo“ unter der Musik wie ein Glitzern.

Zwei Instrumente, eine Stimme

Das Besondere ist, wie Gitarre und Klavier zusammengehen. Oft spielen sie dieselbe Linie, oder die eine beginnt einen Gedanken, den das andere zu Ende führt. Der Oberheim-Synthesizer, damals ein neues Instrument, wurde mit dieser Platte Teil des Bandklangs. Mays setzt ihn sparsam ein, meist als weiche Fläche, manchmal als zweite Melodiestimme.

Mark Egan spielt E-Bass, melodisch und warm. Danny Gottlieb spielt viel mit den Becken und hält die Rhythmen leicht. Dazu kommt Kongshaugs Aufnahme: viel Raum, klare Höhen, nichts verschwimmt. Man hört jedes Instrument für sich und trotzdem eine Band.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Sechs Stücke, verteilt auf zwei Plattenseiten. Die erste Seite gehörte ursprünglich nur zwei langen Stücken: „San Lorenzo“ mit gut zehn Minuten und „Phase Dance“ mit gut acht. Beide hatten Metheny und Mays gemeinsam geschrieben. Sie zeigen die Band von ihrer weiten, erzählenden Seite.

Die zweite Seite ist kleinteiliger. „Jaco“ ist eine Verbeugung vor Jaco Pastorius, mit dem Metheny sein erstes Album aufgenommen hatte. Es ist das funkigste Stück der Platte, der Bass hat hier mehr zu sagen als sonst. Danach „Aprilwind“ und „April Joy“, zwei Stücke, die als Paar gedacht sind. Am Ende „Lone Jack“, schnell und gut gelaunt, wieder von Metheny und Mays.

Lieder ohne Worte

Was die sechs Stücke verbindet, sind die Melodien. Yanow nannte sie „folkig“, und das trifft es. Man kann sie nachsummen, auch wenn sie in langen Bögen gebaut sind. Die Soli wachsen aus diesen Melodien heraus und kehren zu ihnen zurück. Niemand spielt nur, um zu zeigen, was er kann.

Das macht die Platte unauffällig, auf den ersten Blick. Sie hat keinen Hit, keine Gesangsnummer, kein Stück, das sich sofort aufdrängt. Yanow schließt seine Besprechung mit einem Satz, den ich gut verstehe: „Diese Musik wird mit jedem Hören interessanter.“ Beim ersten Durchgang hört man vor allem Stimmung. Beim dritten hört man, wie genau die vier aufeinander reagieren, wer wem wann Platz macht und wie selten jemand dem anderen ins Wort fällt.

Lone Jack heißt übrigens auch ein kleiner Ort in Missouri, nicht weit von Lee’s Summit, wo Metheny aufwuchs. Ob der Titel darauf anspielt, sagt die Platte nicht. Aber das Bild passt: Vieles an dieser Musik klingt nach Weite, nach Landstraße und Mittlerem Westen.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 41 Minuten, sechs Stücke. Das ist kurz genug, um ohne Pause durchzuhören, und lang genug, dass die Platte einen echten Bogen spannt.

Sie beginnt groß. „San Lorenzo“ baut sich über zehn Minuten auf, „Phase Dance“ setzt die Bewegung fort. Danach wird die Platte beweglicher: „Jaco“ bringt den Groove, „Aprilwind“ nimmt alles zurück auf eine einzelne Gitarre. Mit „April Joy“ kommt die Band wieder dazu, und man merkt, wie viel Raum diese vier Musiker zusammen füllen können.

Der letzte Titel

„Lone Jack“ ist schnell und gut gelaunt. Kein leiser Ausklang, sondern ein Aufbruch. Es klingt, als würde die Band gleich wieder ins Auto steigen und zum nächsten Auftritt fahren.

Was das Album zusammenhält, ist kein Konzept, sondern die Band selbst. Vier Musiker, die viele Abende miteinander gespielt haben und einander genau zuhören. Das hört man in jedem Stück. Am Ende hat man nicht sechs einzelne Nummern gehört, sondern eine Gruppe, die gerade ihre Sprache gefunden hat.

Bei welchem der sechs Stücke wussten Sie nicht mehr, ob gerade die Gitarre oder das Klavier führt?