Rage Against the Machine

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Rage Against the Machine entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Tom Morello gibt Gitarrenunterricht. In einer Stunde erklärt er einem Schüler das Drop-D-Stimmen: Die tiefste Saite wird einen Ganzton heruntergestimmt, von E auf D. Die Gitarre klingt danach schwerer und dunkler. Während er das vorführt, spielt Morello ein Riff, das ihm gefällt. Er unterbricht die Stunde und nimmt es auf.

Am nächsten Tag bringt er das Riff mit in den Proberaum. Die Band baut daraus einen Song. Morello hat später beschrieben, was da zusammenkam: sein Riff, Tim Commerfords Bass, den er mit Magma verglich, Brad Wilks Schlagzeug, das er funky und brutal nannte, und die Überzeugung, mit der Zack de la Rocha sang. Der Song heißt „Killing in the Name“.

Ein Song, der nicht im Booklet steht

Am 20. Oktober 1992 schickte Epic das Stück als erste Single an die amerikanischen Radiosender, gut zwei Wochen vor dem Album. Es handelt von Rassismus in staatlichen Institutionen und bringt die Polizei mit weißen rassistischen Gruppen in Verbindung. Es enthält 17 Kraftausdrücke, das Video lief in den USA deshalb kaum. Trotzdem wurde „Killing in the Name“ der Song, mit dem die Band bekannt wurde.

Wer das Booklet aufschlägt, findet zu jedem Stück den vollständigen Text. Nur bei Nummer zwei steht nichts außer dem Titel. Dann geht es mit dem nächsten Song weiter. Das Stück, das alle kennen, ist auf dem Papier eine Leerstelle.

02Wie Rage Against the Machine entstand

Die Band fand sich 1991 in Los Angeles zusammen. Morellos vorherige Band Lock Up hatte sich gerade aufgelöst. Deren Schlagzeuger Jon Knox ermunterte den Bassisten Tim Commerford und den Sänger Zack de la Rocha, mit Morello zu proben. Morello holte Brad Wilk ans Schlagzeug. Den Namen nahmen sie von einem Song, den de la Rocha für seine frühere Hardcore-Band Inside Out geschrieben hatte.

Am 23. Oktober 1991 spielte die Band zum ersten Mal öffentlich, an der California State University in Northridge. Kurz darauf nahm sie selbst eine Kassette mit zwölf Songs auf. Dieses Demo war die Grundlage für das Album: Sieben der zehn Stücke sind darauf schon in frühen Fassungen zu hören. Mehrere Plattenfirmen interessierten sich für die Band, sie unterschrieb bei Epic.

Drei Studios, ein Frühjahr

Aufgenommen wurde im April und Mai 1992 in drei Studios im Großraum Los Angeles: Sound City in Van Nuys, Industrial Recording in North Hollywood und Scream in Studio City. Produziert hat Garth Richardson zusammen mit der Band. Abgemischt hat Andy Wallace, gemastert Bob Ludwig. Am 6. November 1992 erschien das Album.

03Der Klang

Das Album beginnt mit „Bombtrack“, und vom ersten Stück an hört man, was diese vier Musiker ausmacht: Rap, gesprochen und geschrien, über Gitarren, wie man sie aus dem Metal kennt, und einen Rhythmus, der aus dem Funk kommt. Kritiker nannten das später Rap-Metal oder Crossover. Der Kritiker Eduardo Rivadavia schrieb bei AllMusic, es sei das erste Album gewesen, das Rap und Heavy Metal überzeugend verbunden habe.

Morello orientierte sich auf diesem Album noch stark an Metal und Funk. Auf den späteren Platten rückte er mit seiner Gitarre näher an den Hip-Hop heran. Wichtig war der Band aber schon 1992, dass alles von Hand gespielt ist. Am Ende des Booklets steht ein Satz, der später auf weiteren Alben wiederkehrte: Bei den Aufnahmen seien keine Samples, keine Keyboards und keine Synthesizer verwendet worden.

Ein Debüt mit Druck

Für ein Debüt ist die Platte auffallend sorgfältig produziert. Andy Wallace hat sie so abgemischt, dass Bass und Schlagzeug viel Platz bekommen, ohne die Stimme zu verdecken. Audio-Magazine nutzen „Take the Power Back“ bis heute, um Verstärker und Lautsprecher zu testen.

Robert Hilburn von der Los Angeles Times nannte die Platte „ein auffallendes, politisch bewusstes Debüt“. De la Rocha verglich er mit Bob Marley, was die Ausstrahlung auf der Bühne angeht, und mit Chuck D von Public Enemy, was das Rappen angeht. Das Q Magazine sprach von einer Platte „mit echter Haltung und Energie“.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die zehn Stücke sind sich in der Länge ähnlich. Sieben dauern länger als fünf Minuten, keines ist kürzer als vier. Es gibt keine kurzen Zwischenspiele und keine Ballade. Die Besetzung bleibt immer dieselbe: Gitarre, Bass, Schlagzeug, Stimme, nur bei einem Stück kommen zwei Gäste dazu. Das macht die Platte geschlossen.

Auch thematisch hält sie zusammen. Die Band verstand sich als politisch links und hat das nie versteckt. Rassismus, Macht und Widerstand ziehen sich durch die Texte, die man im Booklet nachlesen kann. Das Cover zeigt einen Protest, die Danksagung nennt Aktivisten. Musik, Bild und Text erzählen dasselbe.

Ein langsamer Erfolg

Anfangs verkaufte sich das Album schleppend. Das änderte sich mit dem Sommer 1993, als die Band beim Lollapalooza-Festival auftrat. In den USA stiegen die Verkäufe bis Ende des Jahres von 75.000 auf 400.000. In Deutschland kam das Album auf Platz 22 und hielt sich 77 Wochen in den Charts, in den Niederlanden erreichte es Platz fünf, in Großbritannien Platz 17. In den USA wurde es später mit dreifachem Platin ausgezeichnet.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 53 Minuten, zehn Stücke, kein Füllmaterial. Mit dieser Länge passt das Album gut in einen Abend. Wichtiger ist, wie es sich am Stück anfühlt. Die bekannte Single kommt gleich an zweiter Stelle. Wer nur sie kennt, merkt danach schnell, dass sie kein Einzelfall ist. Die Platte hält die Spannung, die sie dort aufbaut.

In der Mitte stehen „Know Your Enemy“ und „Wake Up“, die Christgau als Höhepunkte nannte. „Wake Up“ ist mit gut sechs Minuten eines der längsten Stücke. Es ist 1999 auf dem Soundtrack zu Matrix erschienen und vielen auch daher bekannt.

Der letzte Titel

Am Ende steht „Freedom“, genauso lang wie „Wake Up“. Die Band hat es 1993 auch als Single veröffentlicht. Ein leiser Ausklang ist es nicht: Das Album hört so entschlossen auf, wie es angefangen hat. Danach ist es still. Zehn Stücke lang hat diese Platte nicht nachgelassen, und genau diese Gleichmäßigkeit ist ihre Stärke. Sie erzählt keine Geschichte von A nach B. Sie hält eine Haltung, vom ersten bis zum letzten Takt.

Wie es mit der Band nach 1992 weiterging, mit zwei Nummer-eins-Alben, Trennung, Wiedervereinigung und Auflösung, steht im Porträt von Rage Against the Machine.

Wo waren Sie, als Sie dieses Riff zum ersten Mal gehört haben – im Jugendzimmer, auf einer Party oder im Dezember 2009 im Radio?