Return to Forever

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Return to Forever entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Am 2. und 3. Februar 1972 stehen fünf Musiker in den A&R Studios in New York. Am Mischpult sitzt der Toningenieur Tony May, produziert wird die Aufnahme von Manfred Eicher, der drei Jahre zuvor in München sein Label ECM gegründet hat. Die Aufnahmen dauern zwei Tage. Am Ende stehen vier Stücke auf dem Band.

Chick Corea spielt nur ein Instrument: ein Fender Rhodes, das elektrische Klavier mit dem glockigen, leicht schwebenden Ton. Neben ihm Joe Farrell an Flöte und Sopransaxofon, Airto Moreira an Schlagzeug und Percussion, Flora Purim mit Gesang und Percussion. Und am Bass Stanley Clarke, zwanzig Jahre alt.

Ein Bassist auf dem Weg ins Orchester

Clarke kam aus Philadelphia und hatte einen anderen Plan. Er wollte der erste schwarze Musiker im Philadelphia Orchestra werden. Dann lernte er Chick Corea kennen. Corea stellte gerade eine Band für den Saxofonisten Stan Getz zusammen und schrieb neue Stücke, und Clarke blieb.

Auf diesem Album spielt er in den ersten drei Stücken E-Bass, im langen letzten Kontrabass. Man hört beides als dasselbe: einen Bass, der nicht nur den Boden legt, sondern mitredet. Der ECM-Kenner Tyran Grillo schrieb später, jeder Musiker klinge hier „wie eine Stimme in einem kleinen Chor“. Clarke ist in diesem Chor die tiefste und vielleicht die beweglichste.

02Wie Return to Forever entstand

Zwei Jahre vorher hatte Corea noch ganz anders gespielt. Von Herbst 1968 bis 1970 saß er in der Band von Miles Davis am elektrischen Klavier, auf In a Silent Way und Bitches Brew. Danach gründete er mit Dave Holland, Anthony Braxton und Barry Altschul die Gruppe Circle: freie Improvisation, ohne Rücksicht auf Zuhörer. Rückblickend sagte er 1985 im Down Beat über diese Zeit: „Es gab keine echte Absicht, mit einem Publikum zu kommunizieren.“

Das wollte er ändern. Corea hat den Wechsel selbst mit seiner Hinwendung zu Scientology in Verbindung gebracht, mit dem Wunsch, sich besser mit seinem Publikum zu verständigen. Musikalisch hieß das: Melodien, die man mitsummen kann, Rhythmen aus Brasilien und Spanien, ein Klang, der leicht wirkt.

Zwei Alben, ein paar Wochen

Die neue Gruppe fand sich Ende 1971 zusammen. Airto Moreira und Flora Purim kamen aus Brasilien; Airto hatte 1970, wie Corea, bei Miles Davis gespielt. Joe Farrell war ein gefragter Saxofonist der New Yorker Szene. Die Stücke, die Corea für Stan Getz geschrieben hatte, landeten auf zwei Alben, die beide im Februar und März 1972 in New York entstanden: auf diesem und auf Getz' Captain Marvel, das erst 1975 erschien.

Die Texte zu „What Game Shall We Play Today“ und „Sometime Ago“ schrieb Neville Potter, alle Musik stammt von Corea. Das Album war seine vierte Veröffentlichung bei ECM. Es kam im September 1972 in Deutschland und Japan heraus. In den USA erschien es erst 1975 – da stand es dann auf Platz acht der Billboard-Jazzcharts.

03Der Klang

Der Klang dieses Albums ist vor allem das Rhodes. Corea spielt kein Klavier, keinen Flügel, keine Orgel. Das elektrische Klavier gibt jedem Akkord einen weichen Anschlag und einen langen, glockigen Nachklang. Darüber liegen Flöte oder Sopransaxofon und Flora Purims Stimme.

Purim singt nicht immer Worte. Im Titelstück singt sie ohne Text, ihre Stimme wird zu einem weiteren Instrument neben der Flöte. Airto Moreira spielt kein durchgehendes Jazzschlagzeug, sondern mischt Becken, Trommeln und Percussion so, dass der Rhythmus eher federt als treibt.

Leicht, aber nicht harmlos

Steve Huey hat den Klang bei AllMusic so beschrieben: „warm, leicht und luftig, wie eine sanfte Brise an einem tropischen Strand“. Das stimmt, aber es ist nur die halbe Beschreibung. Unter der Leichtigkeit liegt viel Arbeit. Die Themen sind lang und verwinkelt, die Tempi wechseln, und die fünf spielen so eng zusammen, dass man oft nicht sagen kann, wer gerade führt.

Aufgenommen wurde in zwei Tagen, und das hört man. Nichts klingt zusammengesetzt. Die Stücke wirken, als seien sie in einem Raum entstanden, in dem alle einander sehen konnten.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Vier Stücke, und jedes hat eine andere Aufgabe. Das Titelstück eröffnet mit zwölf Minuten, schwebend am Anfang, später mit Tempo. „Crystal Silence“ ist das ruhige Gegenstück, ein langsames Stück, das sich Zeit lässt. Es wurde ein Jazzstandard; Corea nahm es noch 1972 mit dem Vibrafonisten Gary Burton als Duo für ECM erneut auf.

„What Game Shall We Play Today“ ist das kürzeste Stück, viereinhalb Minuten, fast ein Lied. Flora Purim singt es leicht, beinahe beiläufig. Es ist das einzige Stück, das man sich im Radio vorstellen könnte. Danach folgt das lange Finale.

Eine Band, bevor sie eine war

Auf dem Cover steht nur Chick Corea. Erst das nächste Album, Light as a Feather, im Oktober 1972 in London aufgenommen, hieß „Chick Corea and Return to Forever“. Es enthielt „Spain“, Coreas bekannteste Komposition. Danach verließen Purim, Moreira und Farrell die Gruppe. Mit Lenny White am Schlagzeug und später Al Di Meola an der Gitarre wurde Return to Forever eine laute Jazzrock-Band.

Dieses erste Album ist deshalb ein Einzelstück. Es hat die Leichtigkeit der Besetzung mit den beiden Brasilianern und schon die Länge und den Ehrgeiz, den Corea später auf große Bühnen brachte. Man hört eine Band, die sich gerade erst findet, und noch nicht weiß, wie bekannt sie wird.

05Warum es einen Abend trägt

Das Album hat einen klaren Bogen. Es beginnt schwebend, wird im Titelstück schnell, kommt mit „Crystal Silence“ zur Ruhe und mit „What Game Shall We Play Today“ zu einem kurzen, hellen Lied. Dann beginnt das lange Stück, und das Album sammelt alles noch einmal: das Offene, das Leise, das Tempo.

Was es zusammenhält, ist der Klang der fünf. Rhodes, Flöte, Stimme, Bass und Percussion bleiben über alle vier Stücke dieselben, keine Gäste, keine Streicher, kein Wechsel der Besetzung. Man gewöhnt sich an diese Farben und hört dann umso genauer, was sie damit machen.

Das Ende ist ein Fest

„La Fiesta“ ist der Schluss, und der Titel ist ernst gemeint. Nach 40 Minuten, in denen viel geschwebt wird, endet das Album mit dem Stück, das am meisten nach Tanz klingt. Es steigert sich, bis es nicht mehr weiter kann, und hört dann auf.

Was hören Sie zuerst: die Melodie oder den Rhythmus darunter?