Since I Left You

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Since I Left You entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Melbourne, Ende der Neunziger. Robbie Chater und Tony Di Blasi kommen vom Basketball zurück. Sie haben im Park mit den Musikern von Cut Copy gespielt, einer befreundeten Band aus der Stadt. So erzählen es beide im April 2020 bei einer gemeinsamen Hör-Session im Netz. Danach entsteht das Stück, das später dem ganzen Album den Namen gibt.

Es besteht aus Teilen fremder Platten. Ein Gitarrenmotiv von Tony Mottola, Bläser und Streicher aus verschiedenen Quellen, ein Rhythmus von Klaus Wunderlich, dem deutschen Orgelspieler. Und vor allem ein Chor aus „Everyday“, einem Lied der fast vergessenen Gruppe Main Attraction von 1968.

Aus einem Kennenlernen wird ein Abschied

Im Original geht es um eine Begegnung. Die Band schneidet die Gesangszeilen um und stellt sie neu zusammen. Am Ende erzählen dieselben Stimmen von einer Trennung. Die Worte stammen von anderen, die Geschichte ist neu.

Für Chater war das der Moment, in dem ihnen zum ersten Mal ein echter Popsong gelang. So hat er es später beschrieben. Der Titel wurde 2001 in Großbritannien ein Hit, das Video gewann im selben Jahr bei den MTV Europe Music Awards. Und das Album beginnt mit genau diesem Stück.

In dieser Szene steckt die ganze Arbeitsweise. Nichts wird neu eingespielt, alles wird gefunden. Die Kunst liegt im Schneiden, im Kombinieren und darin, ein Gefühl zu bauen, das in keiner der Quellen allein steckt.

02Wie Since I Left You entstand

The Avalanches gründen sich 1997 in Melbourne. Die Mitglieder kennen sich zum Teil aus der Schulzeit in Maryborough, einer Kleinstadt in Victoria. Im Mai 1998 nimmt sie das neue Label Modular Recordings unter Vertrag. Die Arbeit am Album beginnt nach Angaben der Band zwischen 1998 und 1999. Der Arbeitstitel lautet Pablo's Cruise.

Die Idee dahinter war zunächst ein Konzeptalbum: eine Reise um die Welt auf der Suche nach Liebe, passend zur Herkunft der Samples aus vielen Ländern. Die Band ließ das Konzept fallen, es war ihr zu wörtlich. Geblieben ist ein kurzes Zwischenstück, das noch so heißt.

Zwei Studios, ein Album

Den Kern bilden Chater und Darren Seltmann. Die beiden arbeiten getrennt, in fast gleich ausgestatteten Studios. Jeder sammelt Klänge, dann tauschen sie Bänder und Dateien aus und bauen auf den Ideen des anderen weiter. Rund achtzehn Monate dauert es, aus dem Material fertige Stücke zu machen. Die übrigen Bandmitglieder steuern Scratches, Keyboards und Percussion bei.

Die Platten stammen meist aus Trödelläden und Secondhand-Geschäften in Australien. Funk und Soul sind dort selten. Was es gibt, sind Easy Listening, Exotica und Orchesteraufnahmen. Genau daraus wird das Album gebaut.

Chater hatte kurz zuvor eine schwere Alkoholabhängigkeit hinter sich gelassen und war in Behandlung gewesen. Im Rückblick mit Rolling Stone Australia sagt er, die Musik sei danach einfach aus ihm herausgeflossen.

Gemischt wird in Melbourne, unter anderem in den Sing Sing Studios. Im Februar 2000 ist das Album fertig. In Australien erscheint es am 27. November 2000 bei Modular. Zum Start lädt die Band zu einer Party auf einem Schiff in der Port Phillip Bay.

03Der Klang

Das wichtigste Werkzeug sind Sampler von Akai, vor allem ein S2000. Dazu kommt ein Plattenspieler. Ein großes Mischpult, Equalizer oder Effektgeräte gibt es nicht. Den Klang formen die beiden mit den Filtern im Sampler selbst. Die Stücke werden in einer älteren Software namens Studio Vision angeordnet.

Wie viele Samples im Album stecken, ist nicht genau bekannt. Chater schätzt rund 3.500, andere Quellen sprechen von etwa 900. So oder so: Kaum ein Klang bleibt lange allein. Eine Streicherfigur trifft auf einen Bass von einer anderen Platte, darüber liegt eine Stimme aus einem Film.

Lounge statt Funk

Weil das Material aus Lounge- und Exotica-Platten stammt, klingt das Album anders als die meisten Sample-Alben aus dem Hip-Hop. Es ist hell, verspielt und oft ein wenig kitschig. Man hört Streicher, Bläser, Chöre, Filmdialoge, einen Papagei und Discobässe. Manches klingt wie ein Urlaubsfilm aus den Sechzigern.

Mittendrin steckt ein bekanntes Stück: In „Stay Another Season“ ist Madonnas „Holiday“ zu hören. Darren Seltmann erinnerte sich, dass sie es eher aus Spaß ans Ende eines Stücks gesetzt hatten. Am Ende wollten sie nicht mehr darauf verzichten. Die Freigabe kam später über Richard Russell vom Londoner Label XL Recordings zustande.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die 18 Titel gehen ohne Pause ineinander über. Manche sind länger als fünf Minuten, andere nur Sekunden lang, etwa „Avalanche Rock“ mit 22 Sekunden. Die kurzen Stücke wirken wie Übergänge zwischen Räumen. So entsteht der Eindruck eines einzigen langen Stücks.

Zusammengehalten wird das Album von einer Stimmung. Vieles klingt nach Sommer und Party, aber immer wieder schiebt sich etwas Wehmütiges dazwischen. Chater hat später gesagt, das Album sei leicht und mache Spaß, habe aber auch traurigere Momente. Gerade die hätten es nachwirken lassen.

„Ein kaleidoskopisches Meisterwerk“

Die Kritik war fast durchweg begeistert. Christian Ward nannte es im NME „ein fröhliches, kaleidoskopisches Meisterwerk“. Gareth Grundy schrieb in Q, das Album löse endlich das ursprüngliche Versprechen des Samplings ein. Andy Kellman von AllMusic hörte darin eine der intimsten und gefühlvollsten Dance-Platten. Zurückhaltender war Robert Christgau, dem das Ganze zu sehr nach Disco mit Streichern klang.

In Großbritannien erschien das Album im April 2001 bei XL Recordings und stieg auf Platz acht der Charts. In den USA kam es im November 2001 heraus. Bei den ARIA Awards 2001 gewann die Band vier Preise, darunter den für die beste Dance-Veröffentlichung. Pitchfork setzte das Album später auf Platz zehn der besten Alben der 2000er-Jahre. Im Buch 100 Best Australian Albums steht es auf Platz zehn.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 61 Minuten, 18 Titel, die ohne Pause ineinander übergehen.

Das Album beginnt mit seinem bekanntesten Stück. Der Titelsong stellt gleich am Anfang vor, worum es geht: fremde Stimmen, neu zusammengesetzt, und ein Gefühl zwischen Fernweh und Abschied. Danach folgt Stück auf Stück, ohne dass die Musik stehen bleibt.

Zwischen die längeren Titel schieben sich kurze Stücke wie „Avalanche Rock“, „Diners Only“ oder „Pablo's Cruise“. Sie halten den Fluss in Bewegung. Etwa in der Mitte steht „Frontier Psychiatrist“, der komischste Moment des Albums. Danach wird es wieder weiter und offener.

Das Ende

„Live at Dominoes“ ist mit über fünf Minuten einer der längsten Titel. Dann kommt „Extra Kings“ und schließt die Stunde ab. Man merkt erst am Ende, wie weit man gekommen ist, ohne dass es einen einzigen Bruch gab.

Wer das Album am Stück hört, hört keine einzelnen Lieder. Man hört eine Reise durch fremde Plattensammlungen.

Welche alte Platte aus einem Trödelladen hätten Sie gern in diesem Album wiedergefunden?