So Tonight That I Might See

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie So Tonight That I Might See entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Herbst 1993. In Seattle spielen die Bands laut, in den Charts regiert der Grunge. Bei Capitol in Los Angeles erscheint ein Album, das in jeder Hinsicht dagegen steht: langsam, leise, ohne Refrains zum Mitbrüllen. Die Band heißt Mazzy Star, sie besteht im Kern aus zwei Menschen, die kaum Interviews geben. Der Gitarrist David Roback schreibt die Musik, die Sängerin Hope Sandoval die Worte und die Melodien.

Zunächst passiert wenig. Die Single „Fade into You“ erscheint im September, das Album Ende September in Großbritannien und am 5. Oktober in den USA. Dann beginnt das, was der Rough-Trade-Gründer Geoff Travis später erstaunt beschrieb: Capitol arbeitete den Song rund neun Monate lang bei den Radiosendern. Das habe er in Amerika sehr selten erlebt, sagte er dem Magazin Uncut.

Ein Hit, der sich Zeit ließ

1994 war es so weit. „Fade into You“ lief bei MTV und im Radio, kam in der amerikanischen Modern-Rock-Liste auf Platz drei und in den Billboard Hot 100 auf Platz 44. Es blieb der einzige Auftritt der Band in dieser Liste. Im April 1995 bekam das Album Platin für eine Million ausgelieferte Exemplare. Eine Band, die auf der Bühne kaum sprach, hatte einen der bekanntesten Songs des Jahrzehnts.

Hope Sandoval hat nie so getan, als würde ihr das liegen. Sie singt am liebsten, wenn es dunkel ist. Dem San Francisco Chronicle sagte sie 2001, es sei besser, „wenn ich das Publikum nicht sehen kann“. Genau diese Zurückhaltung hört man auf der Platte. Niemand wirbt hier um Aufmerksamkeit. Man muss selbst hingehen.

02Wie So Tonight That I Might See entstand

David Roback kam aus der Szene, die man in Los Angeles Anfang der Achtziger Paisley Underground nannte: junge Bands, die die Psychedelic der Sechziger wiederentdeckten. Er hatte die Rain Parade mitgegründet, dann mit der Bassistin Kendra Smith die Band Opal. Als Smith mitten in einer Tour im Vorprogramm von The Jesus and Mary Chain ausstieg, holte Roback eine junge Sängerin aus East Los Angeles dazu, deren Demoband er Jahre vorher bekommen hatte: Hope Sandoval.

Anfangs sang sie nur Robacks Songs. Das funktionierte nicht, erinnerte sie sich später, weder für sie noch für ihn. Also schlug sie vor, gemeinsam zu schreiben. Aus Opal wurde Mazzy Star. Das Debüt She Hangs Brightly erschien 1990 bei Rough Trade. Als das Label kurz darauf in die Insolvenz rutschte, vermittelte Geoff Travis den Wechsel zu Capitol.

Zwei Jahre für sich

Für das zweite Album nahmen sich die beiden Zeit. Roback produzierte es selbst, nach einer langen Phase, in der die Band sich zurückzog und ausprobierte. Einen großen Plan habe es nicht gegeben, sagte er der Seattle Times: Es sei einfach das, „worauf wir diesmal Lust hatten“. Die Arbeitsweise blieb die aus der Anfangszeit. Roback schickte Gitarrenideen, Sandoval legte ihre Gesangsmelodie darüber, und erst danach kamen die Worte.

Im Studio ging es nicht um Perfektion. Die Band nahm am liebsten live auf, bis eine Fassung stand, die ihr gefiel. Roback nannte Perfektion in der Musik einmal schlicht langweilig. Neben den beiden spielten Keith Mitchell am Schlagzeug, William Cooper Glenn an Cello und Geige und Jason Yates. Als Techniker ist Dale Everingham genannt. Welches Studio es war, steht nicht auf der Hülle.

03Der Klang

Das Album beginnt mit einer akustischen Gitarre und einer Slide-Gitarre, die sich langsam darüberlegt. Dazu ein Tamburin, ein Bass, ein Schlagzeug, das fast nur den Takt hält. Mehr ist es bei „Fade into You“ kaum. Die Akkorde wiederholen sich, der Song wird nicht lauter, er baut sich nicht auf. Er bleibt einfach da. Sandovals Stimme liegt nah am Mikrofon, weich und etwas müde.

Von hier aus öffnet sich die Platte in mehrere Richtungen. „Mary of Silence“ ist sechs Minuten lang und lebt von einer Orgel und einer verzerrten Gitarre, die ihre Figur immer wieder kreisen lässt. „She’s My Baby“ ist ein schleppender Blues. „Bells Ring“ hat den Ton der Sechziger-Psychedelic, aus der Roback kam. Und „Into Dust“ besteht fast nur aus einer akustischen Gitarre, einem Cello und der Stimme.

Folk, Blues und Nebel

Kritiker haben das Album als Dream Pop eingeordnet, mit einem Kern aus Gothic. Man kann es auch anders hören: als Ort, an dem Country, Folk, Psychedelic und klassischer Rock zusammenkommen, alles in einem Nebel aus Hall. Steve Hochman schrieb 1993 in der Los Angeles Times, die Platte sei „viel betäubender und hypnotischer“ als alles, was die Techno- und Trance-Welt bis dahin produziert habe.

Wichtig ist, was fehlt. Es gibt kaum Soli, die sich in den Vordergrund spielen, keine großen Übergänge, keine Effekte, die auffallen wollen. Roback hat 1993 der Los Angeles Times gesagt, man müsse etwas der Fantasie der Hörer überlassen, „damit sie das Gefühl haben, mitmachen zu können“. Die Songs sind so gebaut: offen, mit viel Luft, damit man selbst etwas hineinlegen kann.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Das Album hat eine klare Kurve. Es beginnt mit seinem bekanntesten Song, der die Tür aufmacht und den Ton setzt. Dann wird es dichter, dunkler, bluesiger. Im hinteren Teil wird es wieder leiser, bis „Into Dust“ fast nichts mehr übrig lässt. Am Ende steht das Titelstück, mit über sieben Minuten das längste, das sich treiben lässt und den Hörer langsam wieder freigibt.

Dazwischen gibt es kaum Brüche. Die Tempi liegen nah beieinander, die Stimme bleibt in ihrer Lage, und die Instrumente wechseln eher die Farbe als die Richtung. Evan Rytlewski beschrieb das Album bei Pitchfork als halluzinogenen Wirbel, der immer wieder von strengen Blues-Riffs unterbrochen wird. Genau diese Riffs halten die Platte zusammen. Sie sorgen dafür, dass der Nebel nicht zu weich wird.

Nicht alle waren überzeugt

Die Kritik war 1993 nicht einhellig. Im NME nannte Keith Cameron das Album „ein noch glänzenderes, ruhigeres Werk“ als das Debüt. Lorraine Ali fand im Rolling Stone, was anfangs faszinierend wirke, werde mit der Zeit eintönig. Robert Christgau tat es in der Village Voice knapp als Fehlschlag ab.

Heute sieht man das anders. Ned Raggett nannte es bei AllMusic den unbestrittenen Höhepunkt der Band. Pitchfork setzte es 2018 auf Platz zwei seiner besten Dream-Pop-Alben, direkt hinter Heaven or Las Vegas von den Cocteau Twins, mit denen Mazzy Star 1990 auf Tour gewesen war. Der Vorwurf der Eintönigkeit ist nicht ganz falsch. Nur ist genau das der Zustand, in den einen dieses Album bringen will.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 52 Minuten, zehn Titel. Am Stück gehört, bleibt das Album ruhig, vom ersten bis zum letzten Stück. Wie es mit Roback und Sandoval weiterging, steht im Porträt von Mazzy Star.

Es ist keine Musik, die glänzen will. Die Slide-Gitarre, das Cello, der Hall auf der Stimme haben eine Wärme, die sich über alle zehn Titel hält. Ich höre in dieser Platte einen Raum am späten Abend, in dem niemand mehr etwas beweisen muss.

Für wen dieses Album passt

Für alle, die in den Neunzigern „Fade into You“ im Radio gehört haben und nie wussten, was auf dem Rest der Platte ist. Für alle, die ruhige Musik mögen, aber nicht einschlafen wollen: Die Blues-Stücke haben genug Kante.

Das Album beginnt mit „Fade into You“, dem Lied, das viele kennen. An neunter Stelle steht „Into Dust“, das stillste Stück. Am Ende kommt das Titelstück, mit über sieben Minuten das längste, und es klingt lange nach.

Wo waren Sie, als Sie „Fade into You“ zum ersten Mal gehört haben – und wussten Sie damals, wer da singt?