Sound & Color

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Sound & Color entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Nashville, das Studio Sound Emporium, ein großer Aufnahmeraum mit sechs Meter hoher Decke. Brittany Howard steht am Mikrofon und soll noch einmal singen. Nur diesmal anders: mit einem Kopfhörer, der ihr vors Gesicht geschnallt ist. Beim nächsten Versuch mit Watte im Mund. Ein anderes Mal singt sie nicht in ein Mikrofon, sondern in einen ausgebauten Lautsprecher, der als Mikrofon dient.

So beschreibt es der Toningenieur Shawn Everett im Gespräch mit Paul Tingen von der Fachzeitschrift Sound On Sound. Es klingt nach Spielerei. Für Howard war es mehr. Der Produzent Blake Mills erzählt dort, erst mit diesen verrückten Versuchen sei etwas aufgegangen: „Ich glaube, sie hatte das Gefühl, sie selbst sein zu können.“

Eine Stimme als Instrument

Bis dahin kannte man Brittany Howard als eine der gewaltigsten Stimmen des amerikanischen Rock. Auf dem ersten Album der Alabama Shakes klang sie, als stünde sie in einer verrauchten Bar und müsste gegen den Lärm ansingen. Auf Sound & Color darf die Stimme leise werden, verzerrt, fern, dünn wie aus einem alten Radio. Mills sagt, sie hätten sie behandelt, als wäre sie eine Gitarre.

Das ist der Moment, der diese Platte ausmacht. Eine Band, die für ihren ehrlichen, handgemachten Soul gefeiert wurde, beschließt, sich nicht zu wiederholen. Und die Sängerin, von der alle das Gleiche noch einmal erwarten, probiert etwas ganz anderes.

02Wie Sound & Color entstand

Die Alabama Shakes kommen aus Athens, einer Kleinstadt im Norden von Alabama. Noch wenige Jahre vor diesem Album hatten alle vier gewöhnliche Berufe. Howard trug Post aus, der Schlagzeuger Steve Johnson arbeitete in einem Atomkraftwerk, der Bassist Zac Cockrell in einer Tierklinik, der Gitarrist Heath Fogg strich Häuser. Dann kam 2012 das Debüt Boys & Girls, und plötzlich waren sie überall. Sie tourten so viel, dass keine Zeit zum Schreiben blieb.

Als sie Ende 2013 ins Studio gingen, gab es deshalb kaum fertige Songs. Einiges brachte Howard mit, als Skizze. Sie hatte zu Hause im Keller mit dem Programm Logic Demos gebaut, mit Drumcomputer und Synthesizern. Diese Demos, sagt Shawn Everett, hätten die Richtung schon vorgegeben. Ein festes Ende für die Arbeit gab es nicht.

Ein Produzent aus Los Angeles

Den Produzenten hatte die Band selbst gewählt. Blake Mills war damals Ende zwanzig, ein Gitarrist aus Kalifornien, der als Studiomusiker viel gespielt und gerade ein eigenes Album aufgenommen hatte. Laut Sound On Sound sprach die Band ihn nach einem Konzert in Los Angeles an. Sie wollte jemanden, der gern experimentiert. Mills brachte seinen Toningenieur mit, den Kanadier Shawn Everett.

Aufgenommen wurde in vier Blöcken zu je zwei Wochen in Nashville, dazu ein Stück in Los Angeles. Die Band spielte, so oft es ging, gemeinsam in einem Raum. Oft wurde erst eine Weile gejammt, bevor ernsthafte Aufnahmen begannen. „Alle, auch ich, fanden gerade erst heraus, was sie machen würden“, sagt Everett. Danach bekam er vom Label vier Wochen für die Mischung in Los Angeles, sehr viel Zeit für eine Popproduktion dieser Jahre. „Sie waren sehr großzügig. Also haben wir mehr experimentiert!“

03Der Klang

Die Grundlage ist Southern Soul, wie ihn Studios in Memphis und Muscle Shoals in den Sechzigern geprägt haben. Darüber legen die Alabama Shakes, was ihnen gefällt: Funk, Garagenrock, Psychedelik, ein wenig Jazz, sogar Punk. Die Kritik nannte Curtis Mayfield und Erykah Badu als Verwandte, aber auch die Garagenband MC5. Andrea Warner schrieb im kanadischen Magazin Exclaim!, es sei ein „absichtlich seltsames Album, aber auf echte Art seltsam“.

Das Album beginnt leise. Das Titelstück ist ein ruhiger, schwebender Auftakt, und es klingt so, wie es in einer frühen Rohmischung klang. Howard mochte diese Fassung lieber als alle späteren, erzählt Everett. Also blieb sie. Danach kommt „Don't Wanna Fight“, für Jon Blistein vom Rolling Stone ein „chunky, funky soul cut“. Everetts Aufnahmesitzung dieses einen Songs hatte am Ende 260 Spuren.

Tiefe Töne und Weltraumgeräusche

Mills und Everett wollten einen Bass, den man im Bauch spürt. Dafür spielten Bass und Bassdrum bewusst wenige Töne, damit jeder Ton lange ausklingen kann. Mills verglich das mit Reggae-Platten. Sein Grundsatz: „Wenn alle ganz unten sind, ist niemand ganz unten.“

Dazu kommen Klänge, die man nicht sofort zuordnen kann. Unter „Dunes“ liegen Weltraumgeräusche der NASA und die Aufnahme eines Orchesters, das sich einstimmt. Everett hat sie mit einer Software so verbogen, dass sie den Akkorden folgen wie Streicher. Die gedämpfte, seltsame Stimme in „Guess Who“ entstand über den ausgebauten Lautsprecher. Manches schickte Everett über alte Kassettenrekorder und Vierspurgeräte, um den Klang aufzurauen.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Sound & Color hat zwölf Titel und dauert rund 47 Minuten. Kaum ein Stück ist länger als vier Minuten, und doch klingt jedes anders. Was es zusammenhält, ist der Raum. Die meisten Songs wurden im selben großen Zimmer in Nashville eingespielt, von derselben Band, die gemeinsam spielt. Man hört vier Menschen, die aufeinander reagieren.

Die Reihenfolge hat einen Bogen. Das Titelstück öffnet wie ein Vorhang. Dann folgen die kräftigsten Songs, „Don't Wanna Fight“, „Future People“ und die schwere Soulballade „Gimme All Your Love“. In der Mitte wird es persönlicher: „This Feeling“ ist ein leises Lied, getragen von Stimme und Gitarre. „The Greatest“ rast dagegen in knapp vier Minuten wie ein Punksong vorbei.

Ein Nummer-eins-Album

Das Album erschien im April 2015 und stieg in den USA auf Platz eins der Albumcharts ein, in Großbritannien und Australien auf Platz sechs. Bei den Grammys 2016 war es als Album des Jahres nominiert. Es gewann als bestes Alternative-Album, „Don't Wanna Fight“ wurde als bester Rocksong und beste Rock-Performance ausgezeichnet, und Shawn Everett bekam mit dem Mastering-Ingenieur Bob Ludwig den Preis für die beste Tontechnik.

Barry Nicolson beschrieb den Unterschied zum Debüt im NME so: Das erste Album sei in Sepiatönen gehalten gewesen, dieses sei „eine kaleidoskopartigere Angelegenheit“. Der Titel sagt dasselbe. Es geht um Klang und Farbe.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 47 Minuten hat Sound & Color die Länge einer klassischen Langspielplatte.

Das Album erreicht Menschen mit sehr verschiedenem Geschmack. Wer Soul mag, findet ihn hier, wer Rock mag, auch. Und wer beides nicht sucht, hört eine Stimme, die einen nicht loslässt. Manche kennen einzelne Songs aus Serien, ohne es zu wissen. „This Feeling“ lief in Big Little Lies und im Finale von Fleabag, das Titelstück am Ende der ersten Staffel von Mr. Robot.

Warm und seltsam zugleich

Mir gefällt, dass diese Platte nach einem Raum klingt, in dem Leute zusammen spielen, und trotzdem voller Überraschungen steckt. Die Reihenfolge hat einen Bogen. Das Titelstück öffnet wie ein Vorhang, dann kommen die kräftigsten Songs. In der Mitte wird es mit „This Feeling“ persönlicher, und kurz darauf rast „The Greatest“ wie ein Punksong vorbei. In den leisen Momenten hört man, wie ein Raum atmet.

Am Ende steht „Over My Head“, ein ruhiger Schluss.