Speak No Evil

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Speak No Evil entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Englewood Cliffs, New Jersey, 24. Dezember 1964. Heiligabend. Im Studio von Rudy Van Gelder, einem hohen Raum mit Holzdecke, stehen fünf Musiker. Wayne Shorter ist 31 Jahre alt. Er hat Noten für sechs neue Stücke dabei. Alle hat er selbst geschrieben.

Neben ihm stehen Freddie Hubbard an der Trompete, Herbie Hancock am Klavier, Ron Carter am Bass und Elvin Jones am Schlagzeug. Produzent ist Alfred Lion, der Gründer von Blue Note.

Nebel und wilde Blumen

Woran er beim Schreiben gedacht hatte, erzählte Shorter dem Kritiker Don Heckman für den Begleittext der Platte: „an neblige Landschaften mit wilden Blumen und seltsamen, undeutlichen Formen“. An Orte, wo Sagen entstehen. Und, so fügte er hinzu, auch an Hexenverbrennungen.

Man hört das schon in den ersten Sekunden. „Witch Hunt“, die Hexenjagd, beginnt mit einem Ruf der beiden Bläser, laut und feierlich, fast wie eine Fanfare. Dann setzt der Rhythmus ein, und die Stimmung kippt ins Dunkle. Kein Weihnachtslied. Eher ein Gang durch einen Wald, in dem man nicht ganz allein ist.

Mir gefällt an diesem Anfang, dass er nichts erklärt. Shorter stellt eine Stimmung in den Raum und lässt einen darin stehen. Was man daraus macht, bleibt einem selbst überlassen.

02Wie Speak No Evil entstand

1964 war Shorters Jahr. Fünf Jahre hatte er bei Art Blakeys Jazz Messengers gespielt, zuletzt als musikalischer Leiter, und für die Band viele Stücke geschrieben. Im Spätsommer wechselte er zu Miles Davis. In dessen neuem Quintett spielten schon Herbie Hancock, Ron Carter und der junge Schlagzeuger Tony Williams.

Parallel nahm Shorter für Blue Note unter eigenem Namen auf. Im April entstand Night Dreamer, im August JuJu, beide mit Elvin Jones am Schlagzeug. Speak No Evil war die dritte Platte in einem Jahr.

Zwei Bands in einer

Die Besetzung verbindet Shorters Welten. Hancock und Carter kannte er aus der Band von Miles Davis. Freddie Hubbard hatte mit ihm bei den Jazz Messengers gespielt. Und Elvin Jones war der Schlagzeuger von John Coltrane. Zwei Wochen vorher, am 9. Dezember, hatte er im selben Studio mit Coltrane A Love Supreme eingespielt.

Alle sechs Stücke stammen von Shorter. Die Titel folgen seinem Bild vom Nebel und den Sagen. „Fee-Fi-Fo-Fum“ ist der Spruch des Riesen aus dem englischen Märchen von Hans und der Bohnenranke. „Dance Cadaverous“, der Tanz der Leichen, geht auf eine alte Fotografie von Medizinstudenten zurück. „Infant Eyes“ schrieb Shorter für seine kleine Tochter Miyako.

Dann lag das Band im Archiv. Erst im Juni 1966 erschien die Platte, unter der Nummer BLP 4194. Da hatte Shorter mit The All Seeing Eye schon die nächste Platte aufgenommen.

03Der Klang

Rudy Van Gelder hatte sein Studio 1959 aus dem Wohnzimmer seiner Eltern nach Englewood Cliffs verlegt. Der neue Raum hatte eine hohe Decke aus Holz. Man hört ihn: Das Schlagzeug hat Luft um sich, die Bläser klingen klar, das Klavier hat Platz.

Shorters Ton auf dem Tenorsaxofon ist dunkel und eher leise. Er spielt nicht viele Noten. Oft setzt er einen langen Ton, lässt ihn stehen und wartet. Hubbard ist das Gegenteil: hell, schnell, mit glänzenden Läufen. Die beiden ergänzen sich, gerade weil sie so verschieden sind.

Elvin Jones rollt

Unter allem liegt Elvin Jones. Er spielt nicht einfach den Takt, er lässt ihn rollen. Die Becken schimmern, die Trommeln setzen immer wieder Akzente quer zum Schlag. Ron Carter hält mit dem Bass dagegen, ruhig und sicher.

Hancock spielt sparsam. Er legt Akkorde unter die Bläser, die offen bleiben und nicht sofort sagen, wohin es geht. Richard Cook und Brian Morton schrieben im Penguin Guide to Jazz, das sei „mit Abstand Shorters befriedigendste Platte“. Den Grund sahen sie im Zusammenspiel mit Hancock.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die erste Seite der Originalplatte erzählt von Dunkelheit. Erst die Hexenjagd, dann der Riese, der Menschen wittert. „Fee-Fi-Fo-Fum“ ist dabei kein Schreckstück, sondern bluesig und fast gemütlich. Danach „Dance Cadaverous“: ein langsamer Tanz im Dreiertakt, der klingt wie ein Walzer in einem leeren Saal. Manche hören darin einen Anklang an die Valse triste von Jean Sibelius.

Die zweite Seite beginnt mit dem Titelstück. Lange Töne über einer offenen Harmonie, dann ein Mittelteil mit kurzen, abgehackten Figuren, die treppauf und treppab steigen. Danach „Infant Eyes“, die Ballade für die Tochter. Am Ende steht „Wild Flower“, schwingend und hell, wie ein Weg aus dem Wald hinaus.

Ein Stil, der hängen bleibt

Was die sechs Stücke verbindet, ist Shorters Art zu schreiben. Seine Melodien sind einfach zu singen, aber die Harmonien darunter gehen eigene Wege. Man ist nie ganz sicher, wohin ein Stück will. Der Kritiker Ben Ratliff nahm die Platte in sein Buch über die hundert wichtigsten Jazzaufnahmen auf. Er hörte darin den „ersten Eindruck eines rätselhaften Kompositionsstils“, der den Jazz seither nicht mehr losließ.

Musiker, die ab den Fünfzigern geboren wurden, so Ratliff, behandeln die Platte als Fundament. Einige der Stücke, allen voran „Infant Eyes“, sind heute Standards.

Andere Stimmen sagen Ähnliches. Der britische Trompeter und Autor Ian Carr nannte es im Rough Guide „ein klassisches Album, was Komposition und Improvisation angeht“. Murray Horwitz sprach 2001 im amerikanischen Radiosender NPR von einer Bündelung von Shorters Können als Komponist. Die britische Zeitschrift Jazzwise nahm die Platte in ihre Liste der hundert Jazzalben auf, die die Welt erschüttert haben.

05Warum es einen Abend trägt

Die Platte hat einen klaren Bogen. Sie beginnt mit einem Ruf, steigt hinab in Nebel, Märchen und Totentanz und kommt am Ende wieder ans Licht. Wer sie am Stück hört, merkt, dass die Reihenfolge kein Zufall ist. Die dunklen Stücke stehen am Anfang, die Ballade und das helle „Wild Flower“ am Schluss.

Dazu kommt die Ruhe. Keines der sechs Stücke drängt sich vor. Es gibt keine Showeinlage und kein Solo, das nur beeindrucken will. Die fünf Musiker hören einander zu, und das überträgt sich. Man kann sich in diese Musik hineinlehnen, ohne sie verstehen zu müssen.

Ein heller Schluss

„Wild Flower“ ist das richtige letzte Stück. Nach dem langsamen „Infant Eyes“ kommt noch einmal Bewegung in die Band, und Hubbard ist wieder dabei. Es klingt nicht nach Finale, eher nach einem Aufbruch. Danach ist es still.

Mit rund 42 Minuten ist das Album kurz genug, um es ohne Ermüdung bis zum Ende zu hören.

Welches der sechs Bilder ist Ihnen geblieben – der Nebel, der Riese, der Tanz oder die Augen des Kindes?