Tango: Zero Hour

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Tango: Zero Hour entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

New York, Mai 1986. Im Studio Sound Ideas stehen fünf Musiker aus Argentinien: ein Geiger, ein Pianist, ein Gitarrist, ein Kontrabassist und der Mann am Bandoneon. Astor Piazzolla ist 65 Jahre alt. Er spielt sein Instrument im Stehen, den rechten Fuß auf einem Stuhl, den Balg über dem Oberschenkel. So macht er es seit den Fünfzigern. Damals galt das als Bruch mit der Tradition, denn Bandoneonspieler saßen.

Piazzolla hat zu diesem Zeitpunkt ein Leben voller Aufnahmen hinter sich. Seine Biografen schätzen, dass er rund 500 Werke eingespielt hat. Über die Platte, die in diesen Maitagen entsteht, sagt er später einen Satz, den man von jemandem mit so vielen Veröffentlichungen selten hört: Sie sei „mit Abstand die beste Platte, die ich in meinem ganzen Leben gemacht habe“. So steht es bis heute beim Label Nonesuch, das die Platte 1998 neu herausbrachte.

Zurück in der Stadt der Kindheit

Dass dieser Satz einer Aufnahme aus New York gilt, hat eine eigene Pointe. 1925 zog die Familie Piazzolla aus Mar del Plata nach Greenwich Village. Dort wuchs Astor auf, zwischen den Tango-Platten seines Vaters, Jazz aus dem Radio und Bach. 1929 fand der Vater in einem Pfandhaus ein Bandoneon und brachte es dem Jungen mit.

Mit 13 stand er sogar neben Carlos Gardel vor der Kamera, als Zeitungsjunge in dem Film El día que me quieras. Gardel wollte ihn auf Tournee mitnehmen. Der Vater sagte Nein. Auf dieser Tournee kam Gardel 1935 mit seinen Musikern bei einem Flugzeugabsturz ums Leben. Gut fünfzig Jahre später ist Piazzolla wieder in der Stadt, in der er das Instrument zum ersten Mal in der Hand hielt.

02Wie Tango: Zero Hour entstand

Das Quintett, das in New York spielt, gab es seit 1978. Es war Piazzollas zweites Quintett, und mit ihm reiste er elf Jahre lang um die Welt. Am Klavier saß Pablo Ziegler, an der Geige Fernando Suárez Paz, an der E-Gitarre Horacio Malvicino, am Kontrabass Héctor Console. Die Besetzung war eingespielt, die Stücke hatten sie auf vielen Bühnen gespielt.

1986 lief es für Piazzolla gut. Für die Musik zu dem Film El exilio de Gardel bekam er in Frankreich einen César. Im Juli stand er beim Jazzfestival in Montreux auf der Bühne, zusammen mit dem Vibrafonisten Gary Burton. Ein Jahr zuvor hatte er mit dem Quintett in London debütiert.

Ein Produzent aus der Bronx

Die Aufnahme kam durch Kip Hanrahan zustande. Hanrahan, Jahrgang 1954, in der Bronx geboren, war Produzent, Perkussionist und Betreiber des kleinen Labels American Clavé. Er hatte an der Cooper Union bei dem Künstler Hans Haacke studiert und in Paris an Filmprojekten gearbeitet. Seine Platten stellte er zusammen wie ein Regisseur seine Besetzung: Musiker aus dem freien Jazz neben Latin-Jazz und Rock.

Für Piazzolla tat er etwas Schlichteres. Er holte das Quintett so ins Studio, wie es war, und ließ es die eigenen Stücke spielen. Alle sieben Titel stammen von Piazzolla. Toningenieur war Jon Fausty, das Mastering machte Greg Calbi bei Sterling Sound. Im September 1986 erschien das Album bei American Clavé. 1988 brachte Pangaea Records es neu heraus, 1998 das Label Nonesuch.

Mit Hanrahan entstanden in Piazzollas letzten Lebensjahren noch weitere Aufnahmen. Es folgten The Rough Dancer and the Cyclical Night (1988) und La Camorra (1989). La Camorra, im Mai 1988 aufgenommen, war die letzte Platte des zweiten Quintetts.

03Der Klang

Fünf Instrumente, keine Stimme, kein Schlagzeug. Den Rhythmus tragen Kontrabass, Klavier und Gitarre, oft auch Geige und Bandoneon selbst. Es ist Kammermusik, aber keine leise. Die Stücke wechseln zwischen Passagen, die nach vorn drängen, und langen, gesungenen Linien von Geige und Bandoneon.

Dieses Muster hatte Piazzolla schon 1959 in „Adiós Nonino“ ausgeformt, dem Stück für seinen gestorbenen Vater: schnell, langsam, schnell, langsam, dann ein Schluss. Auf Tango: Zero Hour ist es überall zu hören, nur weiter ausgearbeitet.

Klassik, Jazz und ein Rest Rock

Die Kritik suchte damals nach Worten für diese Mischung. Der Rolling Stone schrieb von „Kniffen der zeitgenössischen Klassik und dem improvisatorischen Wagemut des Jazz“ und hörte dazu Dynamik, wie man sie aus dem Rock kennt. Robert Christgau nannte die Platte in der Village Voice „Tanzmusik für das Kleinhirn“.

Das trifft es gut. Man erkennt den Tango sofort, am Bandoneon, an den harten Akzenten, an der Milonga. Aber man würde zu dieser Musik eher zuhören als tanzen. Vieles ist so dicht gebaut, dass man beim zweiten Hören andere Dinge entdeckt als beim ersten.

Auch die E-Gitarre gehört dazu. 1955, im Octeto Buenos Aires, war sie im Tango noch ein Bruch mit allem, was man kannte. Gespielt hat sie damals schon Horacio Malvicino. Dreißig Jahre später steht er wieder neben Piazzolla, und die Gitarre klingt nicht mehr wie ein Fremdkörper. Sie füllt die Lücken zwischen Klavier und Bass, setzt Akzente und tritt in den langen Stücken auch einmal nach vorn.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Sieben Stücke, ein Komponist, eine Besetzung. Nichts auf dieser Platte kommt von außen. Keine Gäste, keine Fremdkompositionen, kein Sänger, der zwischendurch die Richtung ändert. Das gibt ihr eine Geschlossenheit, die man vom ersten bis zum letzten Ton spürt.

Die Längen sind ungleich verteilt, und genau das macht die Dramaturgie aus. Drei Stücke dauern neun bis gut zehn Minuten: „Concierto para quinteto“, „Contrabajissimo“ und „Mumuki“. Dazwischen stehen kurze Stücke wie „Milonga loca“ und „Michelangelo ’70“, beide gut drei Minuten oder weniger. Die langen Stücke geben Raum, die kurzen geben Tempo.

Ein Konzert für fünf

Schon die Titel zeigen, wo Piazzolla seine Formen herholt. „Concierto para quinteto“ nimmt den Namen einer klassischen Gattung und gibt ihn einer Tango-Band. „Contrabajissimo“ verweist schon im Namen auf den Kontrabass. „Milonga del ángel“ und „Milonga loca“ beziehen sich auf die Milonga, eine ältere Schwester des Tangos.

Die Kritik war begeistert. Spin nannte das Album „außergewöhnlich“, Christgau gab ihm ein A−. Fast zwanzig Jahre später besprach er eine Piazzolla-Zusammenstellung und schrieb, sie sei als Einstieg so überzeugend wie Tango: Zero Hour selbst. Das Album war für ihn der Maßstab geblieben.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 46 Minuten ist Tango: Zero Hour ein Album von normaler LP-Länge. Es verlangt kein Vorwissen über Tango. Wer nie einen Tango-Saal betreten hat, hört trotzdem sofort, worum es geht: Spannung, Lösung, wieder Spannung.

Am Stück gehört, entfaltet die Platte einen klaren Bogen. Sie beginnt mit „Tanguedia III“, knapp fünf Minuten, ein Einstieg ohne lange Vorrede. Danach öffnet „Milonga del ángel“ den Raum, und mit dem „Concierto para quinteto“ kommt das erste große Stück. Die beiden kurzen Titel in der Mitte wirken wie ein Luftholen, bevor die zweite Hälfte mit zwei langen Stücken in die Tiefe geht.

Der Schluss

Am Ende steht „Mumuki“, neuneinhalb Minuten lang. Es gibt kein kurzes Nachspiel, keinen Ausklang mit kleiner Nummer. Die Platte hört auf, wenn das Quintett noch einmal alles gegeben hat.

Kann Musik zum Tanzen sein, bei der man lieber still sitzen bleibt?