The Raw & the Cooked

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie The Raw & the Cooked entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Paisley Park, Chanhassen, Minnesota. Das Studio von Prince, weit weg von London. Der Produzent David Z sucht für einen Song der Fine Young Cannibals einen Snareklang, den es noch nicht gibt. Er nimmt das Fell von einer Snare ab und schlägt mit einem hölzernen Lineal auf die Trommel. Ein einfaches Shure-Mikrofon nimmt das auf. Am Equalizer dreht er die Frequenzen um ein Kilohertz so weit auf, dass der Schlag fast wie ein Becken klingt.

Das ist nur der Anfang. David Z mischt den Klang mit einer Snare aus dem Drumcomputer, einer LinnDrum mit grober 12-Bit-Auflösung. Dann legt er einen kleinen Auratone-Lautsprecher kopfüber auf eine zweite Snare, stellt ein Mikrofon darunter und spielt die Aufnahme über den Lautsprecher ab. Die Metallspiralen unter der Trommel rasseln mit. So kommt Raum in den Schlag, und Höhen, die vorher nicht da waren.

Ein Lineal und ein umgedrehter Lautsprecher

Er hat das 2001 selbst beschrieben: „Ich nahm das Fell von einer Snare und schlug mit einem Holzlineal darauf.“ Heraus kam der trockene, leicht scheppernde Schlag, auf dem „She Drives Me Crazy“ steht. Der Song wurde im Frühjahr 1989 eine Nummer eins in den USA.

Der Klang blieb nicht bei der Band. Er wurde vielfach gesampelt und tauchte Anfang der Neunziger in einem Fernsehspot von Pepsi auf. David Z erinnerte sich, dass damals niemand wusste, ob man einen Klang überhaupt schützen kann. Sein Anwalt riet ihm ab, gegen den Konzern vorzugehen.

An dieser Szene sieht man, wie das Album gebaut ist. Die Songs sind kurz und direkt. Die Arbeit steckt in den Details: wie eine Trommel klingt, wie eine Gitarre gestapelt wird, was weggelassen wird.

02Wie The Raw & the Cooked entstand

Das erste Album der Fine Young Cannibals erschien im Dezember 1985. Darauf standen „Johnny Come Home“ und eine Fassung von Elvis Presleys „Suspicious Minds“, beides Hits in Großbritannien. Danach legte die Band eine Art inoffizielle Pause ein. Sie nahm sich auffällig viel Zeit bis zur nächsten Platte, so viel, dass die Plattenfirma es später offen kritisierte.

Die drei waren in der Zeit nicht untätig. Roland Gift spielte in Filmen, 1987 in Sammy and Rosie Get Laid, 1988 drehte er Scandal. David Steele und Andy Cox gründeten nebenher ein Duo mit dem Namen Two Men, a Drum Machine and a Trumpet. Ihre Instrumental-Single „Tired of Getting Pushed Around“ kam im Dezember 1987 auf Platz 18 der britischen Charts.

Songs aus dem Kino

Mehrere Songs des Albums waren schon vorher zu hören, allerdings im Kino. Für den Film Something Wild von Jonathan Demme nahm die Band 1986 „Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn’t’ve)“ von den Buzzcocks auf, produziert von Jerry Harrison von den Talking Heads. In der Komödie Tin Men von 1987 spielen die Fine Young Cannibals eine Band in einem Nachtclub im Baltimore des Jahres 1963. Drei Songs aus dem Film landeten auf dem Album: „Good Thing“, „Tell Me What“ und „As Hard as It Is“.

Den größten Teil des Albums produzierte die Band selbst, in den AIR Studios in London. Mehr als die Hälfte war fertig, als die Plattenfirma MCA einen Produzenten von außen verlangte. Im Gespräch waren die Latin Rascals und der Jazzarrangeur Gil Evans. Dann fragte das Label bei Prince an. Prince hatte keine Zeit. MCA schlug stattdessen David Z vor, der mit Prince gearbeitet hatte; sein jüngerer Bruder Bobby Z spielte Schlagzeug in Prince’ Band The Revolution.

Nach Minneapolis, damit es fertig wird

Mit David Z nahm die Band drei Stücke in Paisley Park auf, darunter „She Drives Me Crazy“ und „I’m Not Satisfied“. Den Ort hatte das Label mit Absicht gewählt. In Minnesota, so die Überlegung, hätten die drei keine andere Wahl, als zu arbeiten und die Platte fertigzumachen. Die Band zögerte zuerst, weil ihr Londoner Selbstverständnis und das Umfeld in Minneapolis nicht recht zusammenpassten. Gearbeitet wurde trotzdem zügig.

David Z änderte auch einen Titel. Der Song hieß ursprünglich „She’s My Baby“. Das sei ein vager Satz, fand er, etwas, das man so sagt. „She Drives Me Crazy“ dagegen habe jeder schon einmal mit voller Überzeugung gesagt. Die Band schrieb den Song um.

Das Album erschien Anfang 1989, in Europa bei London Records, in den USA bei I.R.S. Records. Die Angaben zum genauen Tag gehen in den Quellen auseinander.

03Der Klang

Die Besetzung ist klein. Roland Gift singt, Andy Cox spielt Gitarre, David Steele Bass, Keyboards und den Drumcomputer. Ein Schlagzeuger gehört nicht zur Band. Die meisten Beats kommen aus der Maschine, und gerade das macht den Klang trocken und nah.

Auf „She Drives Me Crazy“ ist die Gitarre in kurzen, abgehackten Einzeltönen gespielt, sechs Lagen übereinander. Manche Linien wurden nur einmal aufgenommen und dann beim Abspielen und Mischen aus einem Sampler ausgelöst. Eine Linie lief über einen Unterwasserlautsprecher, wie man ihn aus Schwimmbädern kennt, und wurde wieder aufs Band genommen.

Funky Drummer und Jools Holland

Das Album arbeitet mit mehr Technik als das Debüt. Auf „I’m Not the Man I Used to Be“ liegt ein Sample aus James Browns „Funky Drummer“. Andere Stücke klingen bewusst alt. Auf „Good Thing“ spielt Jools Holland Klavier, der Song stammt aus dem Film, der im Jahr 1963 spielt, und klingt auch so.

„As Hard as It Is“ hat die größte Besetzung: Trompete von Graeme Hamilton, Geige von Gavyn Wright, Saxofon von Bridget Enever, Schlagzeug und Gesang von Jenny Jones. Im Chor singen unter anderem Jimmy Helms, George Chandler und Jimmy Chambers. Auf „Don’t Look Back“ singt Simon Fowler im Hintergrund.

Über allem liegt Gifts Stimme. Sie ist das, was die Stücke verbindet, egal ob darunter ein Drumcomputer pumpt oder ein Klavier wie aus einer Bar von 1963 klimpert.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Zehn Songs, knapp 36 Minuten. Andy Cox sprach halb im Scherz von dreißig Jahren Popmusik in dreißig Minuten. Das trifft es. Motown, Northern Soul, Funk, britischer Beat, Punk und Clubmusik stehen hier nebeneinander, ohne dass die Platte zerfällt. Die Mischung kam auch daher, dass die drei sehr unterschiedliche Vorlieben hatten.

Rob Tannenbaum beschrieb die Zweiteilung im Rolling Stone so: Die rohe Seite verweise auf Sam Cooke, die Supremes und Doo-Wop, die gekochte auf Prince und die Tanzbeats der Gegenwart. Was beide Seiten verbindet, sind die Themen. Anders als das politischere Debüt geht es hier um Liebe, Reue und Verlust. Steve Hochman von der Los Angeles Times nannte das klassische Soul-Themen.

Was die Kritik schrieb

Hochman ging noch weiter. Er hielt das Album für „die beste Hommage an amerikanischen Soul aus England seit den Rolling Stones“. Jimmy Guterman schrieb im Rolling Stone, die Platte überstrahle das Debüt deutlich, sie sei der „große Schritt nach vorn“ der Band. Robert Christgau fand in der Village Voice, die Songs handelten wohl von romantischer Liebe, und es sei ihm eigentlich egal, worum genau. „Das macht sie zu gutem Pop.“

Nicht alle waren begeistert. Sean O’Hagan verglich das Album im NME mit Kaufhausmusik. Er mochte das meiste davon, aber vor allem im Hintergrund. Als Hintergrundgeräusch gab er zehn von zehn Punkten, als Vordergrund fünf.

Das Publikum entschied eindeutig. Das Album stand in Großbritannien, den USA, Kanada, Australien und Österreich auf Platz eins, in Deutschland auf Platz drei. In den USA kamen „She Drives Me Crazy“ und „Good Thing“ beide auf Platz eins der Singlecharts. Weltweit wurden laut Wikipedia mehr als drei Millionen Exemplare verkauft.

05Warum es einen Abend trägt

Das Album beginnt mit seinen zwei bekanntesten Songs. Erst „She Drives Me Crazy“ mit der Lineal-Snare und den gestapelten Gitarren, dann „Good Thing“ mit Klavier und einem Rhythmus, der aus einem Club von 1963 stammen könnte. Zwei Songs, zwei Jahrzehnte. Damit ist die Spannweite in den ersten sieben Minuten abgesteckt.

Danach wird es ernster. „I’m Not the Man I Used to Be“, getragen vom Breakbeat, ist mit viereinhalb Minuten das längste Stück der Platte. Die Songs der Mitte handeln vom Verlieren, vom Zweifeln, vom Weitermachen. Gift singt sie mit wenig Aufwand, und das hält die Platte zusammen: Egal wie der Song darunter gebaut ist, die Stimme klingt nach demselben Mann.

Ein Punksong zum Schluss

Am Ende steht ein fremder Song. „Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn’t’ve)“ stammt von Pete Shelley und der Punkband Buzzcocks. Die Fine Young Cannibals spielen ihn in ihrem eigenen Klang. Es ist ein passender Schluss für eine Platte, die Jahrzehnte von Popmusik als Material behandelt.

Mit knapp 36 Minuten ist das Album kurz. Es wirkt trotzdem nicht dünn, weil kein Song sich in die Länge zieht. Am Ende hat man das Gefühl, dass gerade so viel gesagt wurde wie nötig. Eine dritte Platte der Band gab es nie.

Wie klingt ein Album, das Motown, Punk und einen Drumcomputer aus Minneapolis in 36 Minuten zusammenbringt?