The Velvet Underground

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie The Velvet Underground entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Das letzte Stück dauert zwei Minuten. Es heißt „After Hours“, und wer es zum ersten Mal hört, wundert sich über die Stimme. Sie gehört nicht Lou Reed und nicht Doug Yule. Sie gehört Maureen Tucker, der Schlagzeugerin der Band.

Tucker spielt in diesem Stück kein Schlagzeug. Sie zählt ein, dann singt sie, begleitet nur von einer Gitarre und einem Bass. Kein Schlagzeug, keine volle Band im Rücken. Auf dieser Platte ist es das einzige Stück, bei dem sie die Hauptstimme singt.

Die leiseste Stelle einer lauten Band

Ein Jahr vorher hatte dieselbe Band ein Album aufgenommen, bei dem im Studio alle Pegel im roten Bereich standen. Jetzt endet eine Platte mit einer Schlagzeugerin, die fast wie ein Kind singt, schlicht und ohne jede Pose.

Was dabei herauskam, ist der ruhigste Schluss, den man sich für diese Band vorstellen kann. Und er sagt viel über die ganze Platte: Sie traut sich, klein zu sein.

02Wie The Velvet Underground entstand

Im September 1968 wurde John Cale aus der Band geworfen. Er hatte die ersten beiden Alben mit seiner Bratsche, seiner Orgel und seinem Hang zum Lärm geprägt. Für ihn kam Doug Yule, ein Multiinstrumentalist, der Bass, Orgel und Gitarre spielte und auch sang.

Mit Cale ging auch ein Teil des alten Klangs. Lou Reed wollte ohnehin weg davon. Noch einmal so ein Album wie White Light/White Heat zu machen, hielt er für einen schweren Fehler. Er sagte später, wie Richie Unterberger überliefert: „Ich dachte, wir müssten die andere Seite von uns zeigen.“ Sonst werde die Band eindimensional.

Eine umstrittene Geschichte

Sterling Morrison hat erzählt, der Band sei Anfang 1968 am Flughafen JFK ein Großteil der Ausrüstung gestohlen worden. Das habe den Klang der neuen Platte mitbestimmt. Doug Yule konnte sich an so einen Vorfall nicht erinnern. Die Band habe einfach melodischer gespielt, sagte er. Maureen Tucker sah es wie Yule.

Nachts in Hollywood

Aufgenommen wurde im November und Dezember 1968 in den TTG Studios in Hollywood. Toningenieur war Angel Balestier, als Produzent nennt die Hülle die Band selbst. Viel Vorbereitung gab es nicht. Manager Steve Sesnick hatte die Studiozeit kurzfristig besorgt.

Die Band wohnte im Hotel Chateau Marmont und spielte zwischendurch Konzerte. Am Nachmittag schrieb und probte sie, nachts nahm sie auf. Reed und Morrison spielten zwölfsaitige Gitarren von Fender. Für die Grundaufnahmen brauchte die Band ein paar Wochen. Vieles wurde zusammen im Raum eingespielt, fast wie ein Livealbum im Studio.

Die Stimmung war gut. Doug Yule hat die Sessions als konstruktiv, fröhlich und kreativ beschrieben. Maureen Tucker freute sich über die Richtung und über „die neue Ruhe in der Gruppe“.

03Der Klang

Wer direkt vom Vorgänger kommt, hört zuerst, was fehlt. Keine verzerrte Orgel, keine übersteuerten Verstärker, keine siebzehn Minuten Lärm. Stattdessen klare Gitarren, ein zurückhaltender Bass, viel Platz zwischen den Instrumenten. Die Stimmen stehen vorn.

Maureen Tucker spielt so sparsam wie nie. Bei „Some Kinda Love“ kommt sie mit einer Kuhglocke und einer Bassdrum aus. Darüber liegt ein Text, der mehr andeutet als die Musik vermuten lässt. Bei „Jesus“ übernimmt Doug Yules Bass die Führung. Reed sagte über das Stück, es habe mit Religion nichts zu tun. Es sei ein Lied über das Suchen.

Wo es doch lauter wird

Ganz zahm ist die Platte nicht. „What Goes On“ hat einen nervösen, treibenden Rhythmus. Reed spielte dafür mehrere Gitarrensoli ein. Als die Techniker warnten, auf dem Band werde der Platz knapp, behielt die Band trotzdem alle. „Beginning to See the Light“ ist ebenfalls schneller.

„I'm Set Free“ ist eine Verbeugung vor Phil Spector. Am Ende ahmen die Abschiedsrufe den Schluss von „You've Lost That Lovin' Feelin'“ nach. Und „Candy Says“, das erste Stück, singt nicht Reed, sondern Doug Yule. Es handelt von Candy Darling, einer trans Schauspielerin aus Warhols Factory. Yules weiche Stimme gibt dem Album gleich am Anfang seinen Ton.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Zehn Stücke, auf der Originalplatte gleichmäßig verteilt: fünf auf jeder Seite, jeweils knapp 22 Minuten. Die Themen ziehen sich durch. Es geht um Liebe, um Glauben, um Einsamkeit. Die Drogen- und Sexgeschichten der ersten beiden Alben treten zurück.

Die erste Hälfte beginnt mit „Candy Says“ und endet mit „Jesus“, zwei leisen Stücken, die sich wie Klammern um den Rest legen. Dazwischen steht „Pale Blue Eyes“, mit über fünfeinhalb Minuten das längste Lied der ersten Seite. Es gilt als eines der schönsten Liebeslieder, die Reed geschrieben hat. Angeregt hat es seine frühere Freundin Shelley Albin.

Die zweite Hälfte

Die zweite Seite fängt heller an. „Beginning to See the Light“ und „I'm Set Free“ klingen nach Aufbruch, „That's the Story of My Life“ ist nach zwei Minuten schon vorbei. Dann kommt „The Murder Mystery“, das einzige echte Experiment der Platte. Danach bleibt nur noch „After Hours“.

Was das Album zusammenhält, ist der Ton. Selbst die schnelleren Stücke wirken zurückgenommen. Robert Christgau hielt es in der Village Voice für das beste Werk der Band. Für ihn war es eingängig, gut geschrieben und ausgezeichnet gesungen.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 44 Minuten, das passt gut in einen Abend. Die Platte verlangt nichts Lautes von ihren Hörern. Sie beginnt mit Doug Yules weicher Stimme in „Candy Says“. Danach wird es nie hektisch.

Am Stück gehört, wirkt das Album wie ein langes, ruhiges Gespräch. Die schnelleren Stücke wie „What Goes On“ oder „Beginning to See the Light“ geben ihm Bewegung, ohne den Ton zu brechen. Die stillen Stücke wie „Pale Blue Eyes“ und „Jesus“ halten es zusammen. Man muss sich nicht einhören. Die Platte nimmt einen einfach mit.

Das letzte Stück

Kurz vor Schluss steht „The Murder Mystery“, fast neun Minuten Stimmengewirr. Es ist die einzige Stelle, an der das Album fordert. Danach wirkt „After Hours“ umso schlichter: zwei Minuten, eine Gitarre, ein Bass und Maureen Tuckers Stimme.

So endet eine Platte, die von einer Band stammt, die vorher für Lärm stand. Kein großes Finale, kein Feedback. Nur ein kleines Lied, nach dem es still wird.

Welche Platte hat Sie überrascht, weil eine Band plötzlich ganz leise wurde?