Violator

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Violator entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Martin Gore bringt einen Song ins Studio, der aus kaum mehr besteht als einem Harmonium und seiner Stimme. Er nennt ihn „Enjoy the Silence“, eine langsame Ballade, und stellt sich vor, dass es dabei bleibt. Alan Wilder hört die Aufnahme und sieht etwas völlig anderes darin: einen Dance-Track.

Gore war zunächst dagegen. „Der Song hieß ‚Enjoy the Silence‘ – das passte überhaupt nicht zu einem Disco-Track“, erinnerte er sich später. Doch er ließ Wilder und Produzent Flood gewähren. Die beiden bauten Rhythmus, Sequenzen und Arrangement komplett neu auf, ohne den Rest der Band einzubeziehen.

Gore greift zur E-Gitarre

Als sie die neue Fassung vorspielten, war Gore selbst überrascht – und griff offenbar sofort zur Gitarre, um die Riff-Linie beizusteuern, die den Track bis heute trägt. Andy Fletcher hat den Moment, als der Band klar wurde, was aus der Ballade geworden war, so beschrieben: „einer der magischsten Momente, die ich je mit Depeche Mode erlebt habe.“

Was diese Szene über das ganze Album sagt, steht in der Umkehrung: Der vermeintlich unverrückbare Songentwurf war nur der Ausgangspunkt, nicht das Ergebnis. „Enjoy the Silence“ wurde zur meistverkauften Single der Bandgeschichte und gewann 1990 den Brit Award für die beste Single – aus einem Stück, das laut seinem eigenen Autor nicht so hätte klingen sollen.

Erzählt wird diese Entstehung im Kern von den Beteiligten selbst, in mehreren voneinander unabhängigen Interviews über die Jahre. Kleinere Details – etwa der genaue Zeitpunkt, an dem Gore die Gitarre aufnahm – sind nicht überliefert.

02Wie Violator entstand

Nach „Music for the Masses“ und dem Livealbum „101“ wollte die Band bewusst anders arbeiten. Fletcher fasste die bisherige Methode so zusammen: „… Im Grunde nahmen wir Martins Demos neu auf, mit besseren Sounds, besserer Produktion und Daves Gesang.“ Gore selbst sagte dazu: „Ich glaube, wir hatten eine Formel perfektioniert … Unsere erste Platte der Neunziger sollte anders werden.“

Auf Vorschlag von Label-Chef Daniel Miller holte die Band den Produzenten Flood (bürgerlich Mark Ellis) dazu, der zuvor mit Erasure gearbeitet und einen Depeche-Mode-Remix produziert hatte, aber noch nie ein komplettes Album mit einer Synthesizer-Band. Miller beschrieb ihn so: „Flood ist technisch sehr gut, sehr musikalisch, sehr offen … Eher: ‚Wie machen wir es anders?‘“ Wilder erinnerte sich an den ersten Eindruck weniger ehrfürchtig: „Dieser zerzauste Typ mit Brille tauchte auf, plünderte den Kühlschrank, lümmelte sich aufs Sofa …“ – und so sei ein neues Produktionsteam geboren worden.

Nach drei Wochen Vorproduktion in London zog die Band für rund sieben Wochen in die Logic Studios nach Mailand, zwischen Mai und September 1989. Produktiv im Sinne fertiger Tracks war diese Zeit kaum, wichtig aber für den neuen Arbeitsstil: Flood wollte, dass Synthesizer und Gitarre gleichberechtigt nebeneinanderstehen. Fletcher erinnerte sich, wie Flood alte Denkverbote der Band beiseiteschob: er habe gesagt, ihre bisherigen Vorbehalte seien „ein Haufen Mist, und wenn man eine Gitarre nehmen will, nimmt man eine Gitarre.“ In Mailand verschärfte sich laut Wilders späteren Schilderungen auch Dave Gahans Alkohol- und Drogenkonsum merklich – ein Thema, das erst Jahre später öffentlich aufgearbeitet wurde und das die Band selbst unterschiedlich einordnet.

World in My Eyes komplett verworfen

Den Großteil der eigentlichen Aufnahmen erledigte die Band anschließend in den Puk Recording Studios im dänischen Gjerlev; bis Ende August 1989 waren die meisten Tracks fertig. „World in My Eyes“, in Mailand begonnen, wurde dort komplett verworfen und von Wilder und Flood an einem halben Tag neu aufgebaut, ehe der Rest der Band – laut Wilder sichtlich überrascht – die neue Version zu hören bekam. Für die Abmischung ging es zurück nach London ins The Church Studios. Flood war zu diesem Zeitpunkt bereits anderweitig verpflichtet, sodass Miller den New Yorker Toningenieur François Kevorkian holte, den er von seiner Arbeit an Kraftwerks „Electric Café“ und einem Yazoo-Remix kannte. Miller beschrieb Kevorkians Arbeitsweise als geradezu besessen: „er arbeitete 18 Stunden am Tag und verschliss mindestens drei Toningenieure, die das nicht aushielten“ – nannte ihn aber zugleich „brillant“. Den finalen Mix von „Enjoy the Silence“ mischte am Ende Miller selbst neu ab; Wilder war mit Kevorkians Version unzufrieden und beschrieb sie Jahre später drastisch: „unsere erfolgreichste Single klang flach und fad, mit einer Snare wie klebriger Toffee-Pudding!“ Veröffentlicht wurde „Violator“ am 19. März 1990 über Mute Records, in den USA über Sire/Reprise.

03Der Klang

Der zentrale Unterschied zu früheren Alben war die Herangehensweise an Perkussion. Statt Schlagzeugklänge rein elektronisch zu erzeugen, sampelte die Band reale, oft ungewöhnliche Geräusche und spielte sie als Loops über Sampler ein. Wilder erklärte, das habe geholfen, „das unvollkommene ‚menschliche‘ Element“ zu erhalten. Für den stampfenden Grundrhythmus von „Personal Jesus“ nahmen sie Leute auf, die auf Transportkisten sprangen – eine Fortsetzung der bandeigenen Sampling-Tradition, die sich bis in ihre früheren Alben zurückverfolgen lässt.

Tangerine Dream als Vorbild

Bei „Waiting for the Night“ orientierten sich Wilder und Flood laut eigener Aussage an Tangerine Dream: „Flood und ich hatten Tangerine Dream gehört und wollten eine ähnliche Atmosphäre schaffen.“ Die Sequenz entstand an einem ARP 2600, dessen Reiz laut Wilder gerade in seiner Unsauberkeit liegt: „Der Reiz des ARP-Sequencers liegt in den kleinen Stimmungs- und Timing-Schwankungen bei jedem Durchlauf.“ Bei „Clean“ wiederum diente Pink Floyds „One of These Days“ als Referenzpunkt für die hypnotische, rückgekoppelte Basslinie – wobei der Bass laut Wilder nicht direkt gesampelt, sondern aus analogem Synthesizer und eingespieltem Bassgitarrensample neu zusammengesetzt wurde. „Halo“ bekam ein Streicherarrangement und, so Wilder, „Drumloops darauf – etwas, das wir bis dahin kaum gemacht hatten“.

Die Grundidee dahinter, mehrfach von Flood formuliert, war eine Verschmelzung zweier Welten: „Ich hatte mit Synth- und Rockbands gearbeitet … Depeche Mode waren die perfekte Band für diese Idee.“ Gahan drückte dieselbe Haltung so aus: „Musikalisch gehen wir den schweren Weg … Ruft ein Part nach Gitarre, nehmen wir nicht unbedingt eine.“

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Neun Tracks, ein durchgehend dunkles Klangbild, ein Themenfeld, das Gore selbst so zusammenfasste: „Beziehungen, Macht, Begierde, Liebe, Gut und Böse, Inzest, Sünde, Religion und Unmoral.“ Was das Album zusammenhält, ist nicht ein wiederkehrendes Motiv, sondern eine konsequent durchgehaltene Balance zwischen Synthesizer-Flächen, Gitarrenelementen und Gahans Gesang, die Flood und Wilder von Track zu Track neu austarierten, ohne die Grundfarbe zu verlassen.

Robert Christgaus Vorwurf

Dass diese Balance nicht von Anfang an unumstritten war, zeigt die zeitgenössische Kritik. Rezensent Paul Lester nannte die Platte in der Melody Maker „die bislang fesselndste Arbeit von Depeche Mode“, während Robert Christgau der Band vorwarf, sich „launischen Teenager-Zielgruppen“ angebiedert zu haben. Erst mit Abstand setzte sich die heute gängige Lesart durch: AllMusic-Kritiker Ned Raggett beschrieb das Album rückblickend als „Song für Song … schlicht die beste, geschlossenste Arbeit der Band bis dahin“, Mojo-Autor Danny Eccleston sah darin den Punkt, an dem die Band „europäische und US-amerikanische Muster“ verschmolz und sich „von einer Elektropop-Band fürs Arenenformat in eine weltweite Stadionrockband“ verwandelte.

Wie knapp diese Geschlossenheit an anderer Stelle verfehlt wurde, zeigt „Halo“. Der Track wurde ernsthaft als Single erwogen, ein Video dazu gedreht – am Ende blieb er B-Seite. Im Albumkontext ergibt das Sinn: Seine ruhigere, streicherlastige Anlage hätte als eigenständige Auskopplung anders geklungen, als eingebetteter Ruhepunkt zwischen den dichteren Tracks funktioniert er dagegen genau richtig.

05Warum es einen Abend trägt

Rund siebenundvierzig Minuten, neun Tracks, ein klarer Bogen von den hymnischeren, offeneren Stücken der ersten Hälfte hin zu den dichteren, dunkleren der zweiten. „World in My Eyes“ eröffnet fast einladend, „Clean“ beschließt das Album mit einer hypnotischen, sich kaum verändernden Basslinie, die eher aus- als abklingt.

Dazwischen liegt „Enjoy the Silence“ als hellster, unmittelbarster Moment der Platte – und danach wird es konsequent wieder dichter: „Policy of Truth“, „Blue Dress“ und „Clean“ bilden ein spätes, schwereres Drittel, in dem kaum noch etwas an die vermeintliche Popleichtigkeit der Singles erinnert. Wer das Album am Stück hört, merkt, dass die Singles nur die hellsten Punkte eines insgesamt deutlich düstereren Ganzen markieren.

Unbetitelte Zwischenstücke auf der LP

Dazu passt das Format selbst: Auf der Original-LP schließen sich an „Enjoy the Silence“ und „Blue Dress“ jeweils kurze, unbetitelte Zwischenstücke an, die ohne Pause ineinander übergehen. Das Album ist als fortlaufender Fluss gedacht, nicht als Ansammlung einzelner Radiotracks, so erfolgreich diese Singles am Ende auch wurden.

Zurück bleibt der Eindruck einer Band, die ihre eigene Formel bewusst aufgebrochen hat, ohne die Kontrolle über den Gesamtklang zu verlieren. Mit „Clean“ endet es so dunkel, wie die zweite Hälfte begonnen hat.

Wie klingt ein Album, dessen ruhigster Song zur meistverkauften Single seiner Band wurde?