Are You Experienced

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Are You Experienced entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Es ist der 3. April 1967, der letzte Aufnahmetag für das Album, Olympic Studios, London. Elf Stücke stehen im Grunde schon, aber der Titeltrack fehlt noch – und der soll klingen wie nichts, was vorher auf der Platte war: ein einziger Akkord, der über vier Minuten dröhnt, dazu Gitarre, Bass und Schlagzeug, die rückwärts durch den Raum laufen.

Geplant war das als Bandschleife: Man nimmt eine Grundspur auf, klebt sie zu einer Schleife zusammen, lässt sie laufen und spielt weitere Stimmen dazu. In der Praxis wollte die Schleife nicht halten. Assistenztechniker George Chkiantz erinnerte sich später an den Punkt, an dem der Versuch kippte: „The original idea was to do a loop, but that gave a problem … in the end Jimi got so impatient doing this, he said, ‘Look, it's quite easy, we're just gonna play,’ and played it in.“

Gemeint war: das Band einfach von Hand umdrehen, den vorhandenen Take rückwärts abhören und die neue Gitarrenspur in Echtzeit dagegenspielen, viermal hintereinander, bis eine Version stehenblieb. Anschließend wurde alles wieder umgedreht – und aus einer technischen Verlegenheit wurde die Textur, die dem Album seinen Titel und seinen Schlusspunkt gibt.

Was diese Szene über die ganze Platte sagt: Hier wird nicht nach Plan produziert, sondern mit dem Band selbst improvisiert, so lange, bis etwas Neues dabei herauskommt. Die Aufnahme, die daraus wurde, brauchte kein Konzertorchester und keinen gemieteten Saal – nur ein Tonbandgerät, das sich in beide Richtungen drehen ließ, und eine Band, die bereit war, mit ihm zu improvisieren.

Was im Mix wirklich rückwärts läuft

Ganz sauber lässt sich die Anekdote nicht auflösen: Welche Spuren im fertigen Mix tatsächlich rückwärts liegen – nur die Gitarre, oder auch Schlagzeug und Bass – wird in den Quellen nicht deckungsgleich beschrieben, und ob Noel Reddings Bass überhaupt im veröffentlichten Mix zu hören ist, wurde von seinem Biografen Keith Shadwick offen angezweifelt. Sicher ist nur, was Chkiantz bezeugt: die Gitarre wurde live gegen das umgedrehte Band gespielt, viermal, bis der letzte Take saß.

02Wie Are You Experienced entstand

Die Band gab es noch keine drei Wochen, als die ersten Aufnahmen begannen. Chas Chandler, bis dahin Bassist bei The Animals, hatte während der letzten US-Tour seiner Band in einem Club in Greenwich Village, dem Cafe Wha?, einen Gitarristen gesehen, der unter dem Namen Jimmy James spielte. Chandler war so überzeugt, dass er ihn überredete, im September 1966 mit ihm nach London zu kommen – als Manager, nicht mehr als Musiker.

In London stellte Chandler eine Begleitband zusammen. Noel Redding kam eigentlich zu einem Vorspielen für die New Animals als Gitarrist; Chandler fragte ihn stattdessen, ob er sich vorstellen könne, Bass zu spielen, und Redding sagte zu. Mitch Mitchell, kurz zuvor bei Georgie Fame and the Blue Flames rausgeworfen, wurde über einen gemeinsamen Bekannten angefragt und nahm das Angebot nach einer ersten gemeinsamen Probe an. Der erste Auftritt der Experience fand am 13. Oktober 1966 im französischen Evreux statt, als Vorgruppe für Johnny Hallyday.

Zehn Tage später, am 23. Oktober, begann in den De Lane Lea Studios die erste Session, für die Single „Hey Joe“. Sie endete fast im Streit: Hendrix wollte seinen Marshall-Turm auf voller Lautstärke spielen, Chandler wehrte sich, weil der Lärm auf andere Aufnahmen im Haus überging, und Hendrix drohte, England wieder zu verlassen. Chandler legte Hendrix' Einreisepapiere auf das Mischpult und sagte ihm, er solle „piss off“. Hendrix lachte und antwortete: „All right, you called my bluff“ – und man arbeitete weiter.

Ein Mikrofon, zwölf Fuß entfernt

Eine weitere Session lief in den CBS Studios, wo Toningenieur Mike Ross zum ersten Mal mit dieser Lautstärke konfrontiert war: „It was so loud you couldn't stand in the studio … I'd never heard anything like it.“ Auf die Frage nach der Mikrofonierung soll Hendrix selbst geantwortet haben: „Oh, man, just put a mic about twelve feet away on the other side of the studio.“ Ross tat das mit einem Kondensatormikrofon von Neumann – ein Ansatz, den er im Rückblick als „absolutely vital to the uniquely powerful Experience sound“ bezeichnete.

Ab dem 3. Februar 1967 verlagerte sich die Arbeit in die Olympic Studios, wo der junge Toningenieur Eddie Kramer dazukam. Zwischen den Sessions lag weiterhin ein dichter Tourkalender mit Club- und Package-Auftritten in Großbritannien und auf dem Kontinent; aufgenommen wurde, wann immer ein freier Tag im Studio zu finden war. Fertig war das Album am 4. April 1967. Als die Bänder Ende des Monats bei Polydor vorgespielt wurden, reagierte A&R-Chef Horst Schmaltze begeistert: „This is brilliant. This is the greatest thing I've ever heard.“ Veröffentlicht wurde Are You Experienced in Großbritannien am 12. Mai 1967 bei Track Records.

03Der Klang

Aufgenommen wurde, wie damals üblich, auf einer Vierspurmaschine. Kramer nutzte das Format in Olympic anders, als es vorgesehen war: „I would fill the four basic tracks with stereo drums on two of the channels, the bass on the third, and Jimi's rhythm guitar on the fourth.“ Für Mitchells Schlagzeug blieben also zwei Spuren in Stereo reserviert, alles andere – Leadgitarre, Gesang, Effekte – musste später auf denselben verbliebenen Platz gebounct werden. Aus einer technischen Beschränkung wurde so ein bewusster Klangentwurf.

Die Grundlage dieses Entwurfs war Lautstärke. Mike Ross' Beschreibung aus den CBS-Sessions – man habe kaum im Raum stehen können – war kein Einzelfall; auch in Olympic wurde mit voll aufgerissenen Marshall-Stacks gespielt. Statt die Verstärker nah abzunehmen, wählte man wiederholt größere Distanzen zwischen Mikrofon und Box, wie es Ross in den CBS-Sessions vorgemacht hatte – ein Ansatz, der den Raum mit einfängt statt ihn wegzufiltern.

Bandmanipulation war fester Bestandteil des Vokabulars, nicht nur beim Titeltrack. Bei „Fire“ nahm Redding eine zweite Bassspur auf; Kramer legte sie auf eine eigene Spur und blendete sie mit einem neu eingespielten Schlagzeugpart zusammen – eine kleine, aber typische Montage, weit weg von der Vorstellung, hier würde eine Band einfach live durchgespielt und aufgenommen.

Eine Sichtblende gegen das Publikum

Weniger technisch, aber genauso klangprägend war Hendrix' Unbehagen beim Singen vor Publikum. Er ließ sich in Olympic eine Sichtblende zwischen sich und dem Regieraum aufbauen, damit ihn niemand beim Aufnehmen der Stimme ansehen konnte – was wiederum die Verständigung per Blickkontakt erschwerte, weil das Studio dafür abgedunkelt werden musste. Die eher intime, oft leicht zurückgenommene Stimme auf dem Album ist auch das Ergebnis dieser Verlegenheit.

Und die Sessions waren keine geschlossene Veranstaltung: Hendrix erzählte gern selbst herum, wann und wo aufgenommen wurde, sodass sich Fans vor Olympic versammelten. Bandtechniker Chkiantz erinnerte sich, dass die Lautstärke im Studio zeitweise so hoch war, dass man die Abhöre im Regieraum abschalten konnte, ohne dass es viel ausmachte: „Sometimes, it got so loud we'd turn the [control booth] monitors off and there was really very little difference.“ Von der späteren Bedeutung der Aufnahmen war man dabei nicht überzeugt; Chkiantz selbst gestand offen: „I can't see what all the fuss is about myself … I'd be scared to work with him.“

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die UK-Ausgabe hat keine Verschnaufpause. Sie öffnet mit dem schwungvollen Gitarrenriff von „Foxy Lady“, führt über Blues („Red House“), Balladenhaftes („May This Be Love“) und einen langen Instrumentalausflug ins All („Third Stone from the Sun“) und endet mit dem rückwärts laufenden Titeltrack, der keiner der vorherigen Nummern mehr ähnelt. Elf Stücke, ein einziges neu zusammengefundenes Trio – und eine erstaunliche Bandbreite an Songformen für ein Debüt.

Unrelentingly Violent

Einhellig gefeiert wurde das 1967 nicht. Melody Maker lobte die „artistic integrity“ der Platte und ihren Wechsel im Tempo, und Keith Altham schrieb im NME von „a brave effort by Hendrix to produce a musical form which is original and exciting“. Aus den USA kam die Gegenstimme: Jon Landau nannte die Platte im Rolling Stone „unrelentingly violent, and lyrically, inartistically violent“ und war vom Gesang wenig überzeugt – auch wenn er Hendrix zugestand, ein „great guitarist and brilliant arranger“ zu sein.

Zusammen hält die Platte trotzdem, weil ihr ein einziger konsequenter Klangentwurf zugrunde liegt: laut gespielt, aus einiger Distanz mikrofoniert, das Band notfalls rückwärts benutzt – und das quer durch Blues, Ballade und psychedelischen Krach angewendet. Nicht das Genre hält die elf Stücke zusammen, sondern die Machart.

05Warum es einen Abend trägt

Rund neununddreißig Minuten, elf Tracks in der britischen Reihenfolge, kein Titel, der sich wegducken lässt. Das Album verlangt von Anfang an Lautstärke – „Foxy Lady“ beginnt mit einem Gitarrenschwall, der auf einer Anlage, die Dynamik überträgt, sofort den Raum füllt, nicht nur die Boxen.

Der Bogen der Platte führt von handfestem, bluesgesättigtem Bandspiel („Red House“, „I Don't Live Today“) zu einem Stück, das den Rahmen einer Band im Studio komplett verlässt: der Titeltrack, aufgebaut aus einem einzigen dröhnenden Akkord und rückwärts laufenden Spuren. Wer die Platte am Stück hört, merkt, wie weit diese elf Titel für ein einziges Debütalbum auseinanderliegen – und wie konsequent sie trotzdem klingen wie ein und dieselbe Band.

Wie James Joyce's Ulysses

Dass diese Konsequenz mehr war als ein Zufall des Jahres 1967, zeigt der Blick zurück. Rolling Stone führte das Album 2020 auf Platz 30 seiner Liste der 500 größten Alben und nannte es ein „epochal debut“ mit einer „exploitation of amp howl“, die „historic in itself“ sei. 2005 nahm die Library of Congress die Platte in ihr National Recording Registry auf, als „culturally, historically, or aesthetically significant“. Die Smithsonian-Kuratorin Reuben Jackson schrieb, das Album habe „the syntax of the music“ so verändert, „in a way I compare to James Joyce's Ulysses“, und der Musikjournalist Charles Shaar Murray fasste es so zusammen: Es habe „completely changed notions of what a guitar could sound like, or indeed, what music could sound like“.

Wie klingt eine Band, die noch keine zwölf Monate zusammenspielt und trotzdem ihr eigenes Studioband rückwärts laufen lässt, um einen neuen Song zu schreiben?