Blues on Broadway

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Blues on Broadway entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Am 26. Januar 1989 hat im Minskoff Theatre am Broadway eine Revue Premiere. Sie heißt Black and Blue, ausgedacht haben sie die Argentinier Claudio Segovia und Héctor Orezzoli. Auf der Bühne stehen einundvierzig Sängerinnen, Tänzer und Musiker, und die Lieder stammen aus der Zeit, als Blues und Jazz noch in denselben Clubs zu Hause waren. Eine der drei Sängerinnen ist Ruth Brown. Sie ist einundsechzig Jahre alt.

Die Show läuft fast zwei Jahre, 829 Vorstellungen lang. Im Juni 1989 bekommt Ruth Brown für ihre Rolle den Tony Award als beste Hauptdarstellerin in einem Musical. Und im selben Monat, am 12. und 13. Juni, geht sie in New York ins RCA-Studio und nimmt dieses Album auf. Der Kritiker Scott Yanow hält es in seiner Besprechung für AllMusic eigens fest: Sie spielte am Broadway die Hauptrolle, als diese Platte entstand.

Eine Frau, die schon einmal weg war

Das Besondere an diesem Moment versteht man erst, wenn man weiß, woher sie kommt. In den Fünfzigern war Ruth Brown ein Star. Ihre Platten machten aus dem kleinen Label Atlantic eine große Firma, man nannte Atlantic deshalb „das Haus, das Ruth gebaut hat“. Dann kam eine andere Musik, und sie verschwand. In den Sechzigern zog sie zwei Söhne groß und arbeitete, laut der Musiker-Enzyklopädie Contemporary Musicians, unter anderem als Busfahrerin und Putzfrau. Blues on Broadway ist also das Album einer Frau, die sich ihre zweite Karriere selbst erkämpft hat. Genau das hört man.

02Wie Blues on Broadway entstand

Das Comeback hatte lange vor dem Broadway begonnen. Mitte der Siebziger holte der Komiker Redd Foxx sie zurück auf die Bühne, danach kamen Theaterrollen, Fernsehen und 1988 der Film Hairspray von John Waters, in dem sie die Plattenverkäuferin Motormouth Maybelle spielt. Im selben Jahr erschien ihr erstes Album bei Fantasy: Have a Good Time, ein Konzertmitschnitt aus dem Cinegrill im Hollywood Roosevelt Hotel, produziert von Ralph Jungheim. Darauf sang sie einige ihrer alten Atlantic-Hits neu.

Für die zweite Platte gingen Brown und Jungheim einen anderen Weg. Statt der eigenen Hits stehen hier Lieder, die zum großen Teil schon da waren, bevor sie selbst anfing zu singen. „Nobody Knows You When You’re Down and Out“ hat Jimmie Cox geschrieben, bekannt wurde es durch Bessie Smith. „St. Louis Blues“ stammt von W.C. Handy, „Come Sunday“ und „I’m Just a Lucky So and So“ von Duke Ellington. „Good Morning Heartache“ kennen viele durch Billie Holiday. Nur ein Stück ist neu: „I Don’t Break Dance“ hat der Gitarrist der Aufnahmen, Rodney Jones, geschrieben.

Zwei Tage im Studio

Aufgenommen wurde an zwei Tagen im Studio C von RCA in New York. Die Band ist eine Runde erfahrener Jazzmusiker. Am Klavier und an der Hammond-Orgel sitzt Bobby Forrester, der die Band auch leitet. Er hatte schon auf dem Live-Album gespielt, ebenso wie der Tenorsaxofonist Red Holloway. Dazu kommen Hank Crawford am Altsaxofon, Spanky Davis an der Trompete und Britt Woodman an der Posaune. Rodney Jones spielt Gitarre und Banjo, Al McKibbon den Kontrabass, Grady Tate das Schlagzeug.

03Der Klang

Im Mittelpunkt steht die Stimme. Mit einundsechzig singt Ruth Brown tiefer und rauer als auf ihren Hits der Fünfziger. Sie hat nichts von ihrer Kraft verloren, aber sie setzt sie sparsamer ein. Manche Zeilen spricht sie fast, andere zieht sie lang, bis die Band nachgibt. Die Chicago Tribune hörte darin eine Stimme „voll herrlich boshaftem Witz“ (aus dem Englischen übersetzt). Auch das stimmt: Ein kleines Zögern vor einem Wort genügt, und man ahnt, dass gleich eine Pointe kommt.

Der Kritiker Scott Yanow schrieb, die Band helfe ihr, die alten Lieder so klingen zu lassen, „als wären sie für sie geschrieben“ (aus dem Englischen übersetzt). Die Bläser spielen kurze, satte Sätze, wie in einer kleinen Big Band. Die Hammond-Orgel von Bobby Forrester legt einen warmen Boden, der an Kirche und an Nachtclub zugleich erinnert. Und Rodney Jones holt auf einigen Stücken das Banjo heraus, was den Liedern aus den Zwanzigern einen leicht altmodischen Glanz gibt.

Aufgenommen 1989, gespielt wie früher

Man hört der Platte kaum an, dass sie aus den späten Achtzigern stammt. Es gibt keine Synthesizer, keinen Hall aus der Dose. Die Band spielt, so klingt es, zusammen im Raum. Der Kontrabass von Al McKibbon ist deutlich zu hören, das Schlagzeug von Grady Tate bleibt leise und genau. Es ist der Klang eines Jazzclubs, in dem jemand sehr gut zuhört.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Blues on Broadway ist keine Konzeptplatte. Es ist eine Auswahl von Liedern, die eine Sängerin liebt und die zu ihrem Leben passen. Die Geschlossenheit kommt aus der Haltung: Egal, ob die Lieder von Verlust, Eifersucht oder Stolz handeln, Ruth Brown singt sie mit derselben Mischung aus Ernst und Augenzwinkern. Der Rolling Stone Album Guide schrieb, hier beschreibe eine Frau „jedes Mal, wenn sie singt, ein Leben in vollen Zügen“ (aus dem Englischen übersetzt).

Die Reihenfolge ist gut gebaut. Am Anfang steht mit „Nobody Knows You When You’re Down and Out“ ein Lied über jemanden, der alles hatte und alles verlor. Das passt zu ihrer eigenen Geschichte so gut, dass man es kaum für Zufall hält. Danach wechseln sich ruhige Balladen und freche Stücke ab. „If I Can’t Sell It, I’ll Keep Sittin’ on It“ lebt von Doppeldeutigkeiten, „Good Morning Heartache“ ist tieftraurig. In der Mitte stehen die beiden längsten Stücke, „’Tain’t Nobody’s Biz-Ness“ und „St. Louis Blues“, zusammen fast zwanzig Minuten. Am Ende schließt „Come Sunday“ von Duke Ellington das Album wie ein leises Gebet.

Lang, aber nie zäh

Neun Stücke in rund 58 Minuten, das ist für ein Album dieser Art lang. Trotzdem wird es nie zäh. Die kürzeren Stücke dauern alle etwa fünfeinhalb bis sechs Minuten, genug Zeit für ein Solo und eine zweite Runde Gesang. Die langen Stücke in der Mitte sind die Höhepunkte, nicht die Durststrecke.

05Warum es einen Abend trägt

Blues on Broadway dauert rund 58 Minuten. Der Bogen reicht von „Nobody Knows You“ bis „Come Sunday“.

Hinter dem Album steht eine besondere Geschichte. Eine Sängerin, die in den Fünfzigern eine Plattenfirma groß gemacht hat, dann Bus fuhr und mit über sechzig wieder am Broadway stand. Dazu kommen Lieder, die viele schon irgendwo gehört haben, von Bessie Smith oder Billie Holiday. Man muss kein Blues-Kenner sein, um hier mitzugehen.

Eine Stimme, die sich Zeit nimmt

Diese Stimme trägt die ganze Platte. Man hört, wie sie eine Silbe dehnt und wie die Bläser dahinter einsetzen. Die Hammond-Orgel füllt den Raum von unten, der Kontrabass sitzt warm darunter. In der Mitte stehen die zwei längsten Stücke, „’Tain’t Nobody’s Biz-Ness If I Do“ und „St. Louis Blues“, jedes über neun Minuten. Dort hat die Band am meisten Zeit, und Ruth Brown nimmt sie sich. Es ist Musik, die nicht laut sein muss, um zu wirken.

Ruth Brown singt über Kummer, aber sie jammert nie. Am Ende, nach „Come Sunday“, hat man das Gefühl, einer klugen, witzigen älteren Dame zugehört zu haben, die viel erlebt hat und davon erzählt.