I Got What It Takes

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie I Got What It Takes entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Chicago, Anfang der Siebzigerjahre, der Wise Fools Pub im Norden der Stadt. Auf der kleinen Bühne spielt die Band des Gitarristen Mighty Joe Young. Irgendwann im Lauf des Abends holt er eine Sängerin nach vorn, die an diesem Abend eigentlich nur Gast ist. Sie heißt Koko Taylor, sie ist Mitte vierzig, und sie hatte einmal einen Hit, der sich mehr als eine Million Mal verkauft hat.

Im Publikum sitzt Bruce Iglauer, ein junger Blues-Fan, der ein paar Jahre zuvor ein eigenes Label gegründet hat, um einen einzigen Musiker aufzunehmen. Er hört sie, und er ist beeindruckt. Aber er zögert. Er hielt sie, so hat er es später erzählt, für eine Sängerin mit nur einem Hit und nur einer Lautstärke.

Ein Anruf eine Woche später

Koko Taylor ließ nicht locker. Sie fragte ihn immer wieder, ob er mit ihr aufnehmen wolle. Irgendwann versprach Iglauer, ihr wenigstens beim Buchen von Auftritten zu helfen. Eine Woche später rief sie zurück: Sie habe eine Band in der Probe und eine Anzahlung auf einen Kleinbus für die Tour geleistet.

Die Konzerte liefen gut, und Iglauer entschied sich doch für eine Platte. Rückblickend nannte er das „eine der klügsten Entscheidungen, die ich je getroffen habe“. Das Ergebnis erschien 1975 als ihr erstes Album bei Alligator. Es heißt „I Got What It Takes“, und es ist die Antwort auf die Frage, die Iglauer sich gestellt hatte.

02Wie I Got What It Takes entstand

Um 1975 lag Koko Taylors große Zeit bei Chess schon fast ein Jahrzehnt zurück. Willie Dixon hatte sie 1962 in einem Chicagoer Club gehört, ihr einen Vertrag beim Chess-Ableger Checker verschafft und ihre Aufnahmen produziert. 1966 kam „Wang Dang Doodle“ heraus, ein Dixon-Song, den Howlin' Wolf einige Jahre zuvor aufgenommen hatte. In ihrer Fassung stieg er auf Platz vier der R&B-Charts. Danach kamen weitere Singles, aber kein zweiter Hit, und Anfang der Siebziger ging es mit Chess zu Ende.

Alligator war damals winzig. Iglauer hatte das Label 1971 gegründet, um den Slide-Gitarristen Hound Dog Taylor aufzunehmen, der nicht mit Koko verwandt war. Vier Jahre später hatte er eine Handvoll Platten im Katalog. Mit Koko Taylor kam eine Sängerin dazu, die man in Chicago kannte und auf Tournee in Europa gehört hatte.

Die Band aus dem Club

Aufgenommen wurde in den Sound Studios in Chicago, Toningenieur war Stu Black. Als Produzenten stehen Koko Taylor, Joe Young und Bruce Iglauer auf der Platte. Die Band ist eine Chicagoer Clubband: Mighty Joe Young und Sammy Lawhorn an den Gitarren, Abb Locke am Saxofon, Bill Heid an den Tasten, Cornelius Boyson am Bass, Vince Chappelle am Schlagzeug. Lawhorn hatte viele Jahre in der Band von Muddy Waters gespielt.

Iglauer hat später erzählt, dass Taylor sich damals als Songschreiberin noch nicht viel zutraute. Deshalb stehen vor allem Lieder anderer auf der Platte: „Mama, He Treats Your Daughter Mean“, 1953 ein großer Hit von Ruth Brown, Jimmy Reeds „Big Boss Man“, „Happy Home“ aus dem Repertoire von Elmore James, „That's Why I'm Crying“ von Magic Sam und „Blues Never Die“ von Otis Spann. Dazu kommen der Titelsong und „Be What You Want to Be“, beide aus dem Umfeld von Willie Dixon.

03Der Klang

„I Got What It Takes“ ist Chicago-Blues, wie er Mitte der Siebziger in den Clubs der South Side und der North Side gespielt wurde. Keine Streicher, keine Chöre, keine Studiotricks. Zwei Gitarren, die sich die Arbeit teilen: eine hält den Rhythmus, die andere setzt kurze, scharfe Linien dazwischen. Darunter ein Bass, der schiebt, und ein Schlagzeug, das eher tanzt als marschiert.

Das Saxofon von Abb Locke bringt etwas hinein, was im Chicago-Blues nicht selbstverständlich ist: einen Hauch von Rhythm and Blues, von Tanzsaal und Samstagabend. Bill Heid füllt mit den Tasten die Lücken. Das Ganze klingt nicht nach einem Plan, sondern nach Musikern, die sich kennen.

Eine Stimme ohne Mikrofonabstand

Über allem steht die Stimme. Koko Taylor singt nicht schön im üblichen Sinn. Sie singt laut, rau, mit einem Knurren in den tiefen Tönen, und sie hält nichts zurück. Iglauer hat genau das zunächst für eine Schwäche gehalten: nur Kraft, immer Kraft. Die Platte zeigt, dass es mehr ist. In „Blues Never Die“ wird sie langsamer und dunkler, in „That's Why I'm Crying“ lässt sie Raum, bevor sie wieder zupackt.

Der Kritiker Bill Dahl nannte das Album bei AllMusic „ihr erstes für Alligator und bis heute eines ihrer besten“. Die Zeitschrift Living Blues sprach von einem der besten Party-Alben des Blues. Beides stimmt, und beides beschreibt denselben Klang: Musik, die man im Stehen hört.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Elf Stücke, keines länger als viereinhalb Minuten. Das klingt nach einer Sammlung, und in gewisser Weise ist es das auch: Es gibt keine Geschichte, die von vorn nach hinten erzählt wird. Aber es gibt eine Haltung, und die hält die Platte zusammen.

Fast alle Lieder handeln von Frauen, die sich nichts gefallen lassen. Eine Frau, die sich ihr Auskommen selbst verdient. Eine, die ihrer Mutter erzählt, wie schlecht der Mann sie behandelt. Eine, die sagt, dass sie alles mitbringt, was es braucht. Wer die Lieder hintereinander hört, hört eine Person, die lange gewartet hat und jetzt nicht mehr wartet.

Tempo und Atem

Die Reihenfolge wechselt geschickt zwischen schnellen, tanzbaren Nummern und langsamen Blues. Nach „Honkey Tonkey“, einer der kürzesten und flottesten Nummern, kommt „Big Boss Man“ mit seinem schweren, schleppenden Gang. Nach „Blues Never Die“ zieht „Find a Fool“ das Tempo wieder an. So wird es nie gleichförmig, und die Stimme bekommt immer wieder Raum, sich neu zu zeigen.

Am Ende steht „That's Why I'm Crying“, mit gut viereinhalb Minuten das längste Stück. Ein langsamer Blues, der nichts mehr beweisen muss. Die Party ist vorbei, die Sängerin bleibt noch einen Moment auf der Bühne. Ein Kommerzerfolg war die Platte zunächst nicht, Iglauer sagte offen, sie habe Taylors Karriere nicht sofort neu gestartet. Aber sie brachte eine Grammy-Nominierung und neue Auftritte, und drei Jahre später folgte mit „The Earthshaker“ der Durchbruch.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund vierzig Minuten ist es ein kurzes Album.

Diese Platte will nicht andächtig gehört werden. Die schnellen Nummern laden zum Mitwippen ein. Bei „Blues Never Die“ wird es für ein paar Minuten ganz ruhig.

Der Bogen

Am Stück gehört, wechselt die Platte zwischen schnellen, tanzbaren Nummern und langsamem Blues. Nach dem flotten „Honkey Tonkey“ kommt der schwere, schleppende Gang von „Big Boss Man“, nach „Blues Never Die“ zieht „Find a Fool“ das Tempo wieder an. So wird es nie gleichförmig. Am Ende steht „That's Why I'm Crying“, das längste Stück, ein langsamer Blues, der nichts mehr beweisen muss.

Mich berührt an dieser Platte vor allem die Entschlossenheit dahinter. Eine Sängerin, die ihr Label findet, indem sie einfach nicht aufhört anzurufen. Das hört man in jedem Stück.