Bringing It All Back Home

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Bringing It All Back Home entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

New York, Januar 1965, Columbia Studio A. Am ersten der drei Studiotage ist Bob Dylan allein. Er spielt Gitarre oder Klavier und nimmt ein Lied nach dem anderen auf. Am Ende sind es zehn vollständige Songs und einige Skizzen. Fast alles davon wird verworfen.

Ein Bruchstück bleibt. Dylan beginnt „Bob Dylan’s 115th Dream“ allein, mit der akustischen Gitarre. Ein paar Sekunden lang klingt es nach einer stillen Ballade. Dann bricht Produzent Tom Wilson in lautes Lachen aus und gibt das Zeichen, neu anzufangen.

Ein Fehlstart als Auftakt

Am nächsten Tag spielt die Band den Song noch einmal, mit Schlagzeug, Bass und Klavier, als schnellen elektrischen Blues. Auf dem Album sind beide Tage hintereinander geschnitten. Erst der abgebrochene Anfang mit dem Lachen, dann die Band. Niemand hat den Fehlstart herausgenommen.

Das sagt einiges über diese drei Tage. Es ging schnell. Vieles war ein erster Versuch. Und die Aufnahme durfte hören lassen, dass hier Menschen in einem Raum saßen und gerade etwas ausprobierten. Der Historiker Sean Wilentz nannte den Song „eine sechseinhalbminütige Achterbahnfahrt, eher fröhlich als beängstigend“.

02Wie Bringing It All Back Home entstand

Viele der Songs schrieb Dylan im Sommer 1964 in Woodstock. Joan Baez war damals dort und hat sich später erinnert, wie er wochenlang an der Schreibmaschine in einer Zimmerecke stand und tippte, oft bis in die Nacht. „Mr. Tambourine Man“ war schon älter, er stammt aus dem Frühjahr 1964.

Im August 1964 traf Dylan in New York zum ersten Mal die Beatles. Dylan kam aus der Folkszene, wo die akustische Gitarre zum Selbstverständnis gehörte. Für das neue Album wollte er beides: eine Hälfte mit Band, eine Hälfte allein.

Drei Tage im Januar

Nach dem Solotag am 13. Januar kam am Nachmittag des 14. Januar die Band ins Studio. Drei Gitarristen, Al Gorgoni, Kenny Rankin und Bruce Langhorne, dazu Paul Griffin am Klavier, Joseph Macho Jr. und Bill Lee am Bass, Bobby Gregg am Schlagzeug. In wenigen Stunden entstanden fünf der Albumfassungen, darunter „Subterranean Homesick Blues“ und „Love Minus Zero/No Limit“. Langhorne erinnerte sich: „Wir haben einfach erste Takes gemacht.“ Es sei erstaunlich intuitiv gewesen.

Am Abend versuchte es Dylan mit anderen Musikern, unter ihnen John Hammond Jr. und John Sebastian. Sechs Songs wurden aufgenommen. Keiner kam auf das Album.

Am 15. Januar spielte Frank Owens statt Griffin Klavier. Der Tag begann mit „Maggie’s Farm“, in einem einzigen Durchgang. Danach folgten „On the Road Again“ und die vier Stücke der zweiten Plattenseite. Der Fotograf Daniel Kramer war dabei. Er beschrieb, wie Dylan von einem Musiker zum nächsten ging und am Klavier zeigte, was er hören wollte, bis die Teile zusammenpassten.

Columbia veröffentlichte das Album im Frühjahr 1965, das genaue Datum geben die Quellen unterschiedlich an. Es kam in Großbritannien auf Platz 1 und in den USA auf Platz 6. „Subterranean Homesick Blues“ wurde mit Platz 39 Dylans erster Top-40-Hit in den USA.

03Der Klang

Die erste Seite klingt nach einer Band, die gerade zum ersten Mal zusammen spielt. Drei Gitarren, zwei Bässe, Klavier und Schlagzeug, und niemand drängt sich vor. Dylan selbst nannte als Vorbild für „Subterranean Homesick Blues“ Chuck Berrys „Too Much Monkey Business“. Er singt schnell, fast gesprochen, über einem kurzen Gitarrenriff.

Daneben stehen ruhige Stücke. „She Belongs to Me“ und „Love Minus Zero/No Limit“ sind Liebeslieder mit leiser Begleitung. Die Band hält sich hier zurück. „Maggie’s Farm“ ist das Gegenteil: ein harter, gerader Blues, den die Band ohne zweiten Versuch einspielte.

Eine Gitarre gegen die Stimme

Die zweite Seite ist akustisch, aber nicht ganz. In „Mr. Tambourine Man“ spielt Bruce Langhorne eine E-Gitarre, die eine Gegenmelodie zu Dylans Gesang führt. Dylan hat Langhorne selbst als Anregung für die Titelfigur genannt. Langhorne brachte zu Aufnahmen eine große türkische Rahmentrommel mit.

Den Song hatte Dylan schon im Juni 1964 aufgenommen, mit Ramblin’ Jack Elliott als zweiter Stimme. Die Fassung wurde verworfen, weil Elliott leicht danebenlag. Im April 1965 brachten die Byrds ihre elektrische Version heraus. Sie kam in den USA und in Großbritannien auf Platz 1. Nie zuvor stand ein Dylan-Song an der Spitze einer Hitparade.

„Gates of Eden“ ist Dylan allein mit Gitarre und Mundharmonika. Es ist der einzige Song, der auch auf der Stereoausgabe in Mono erscheint. In „It’s All Over Now, Baby Blue“ kommt nur Bill Lees Bass zu Gitarre und Mundharmonika dazu.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Das Album hat eine klare Teilung. Die sieben Songs der ersten Plattenseite dauern zusammen etwa 24 Minuten. Die meisten sind kurz, zwischen zweieinhalb und vier Minuten. Erst „Bob Dylan’s 115th Dream“ am Ende der Seite wird lang.

Die zweite Seite hat nur vier Songs, zusammen etwa 23 Minuten. Jeder ist länger als fünf Minuten, bis auf den letzten. Die Bilder werden dunkler und die Sätze länger. Howard Sounes, ein weiterer Dylan-Biograf, nannte „It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)“ „ein finsteres Meisterwerk“. Mit siebeneinhalb Minuten ist es das längste Stück.

Weg vom Protestlied

In den Liedern davor hatte Dylan oft klare Anliegen formuliert. Hier wird es rätselhafter. Die Texte springen zwischen Bildern, Figuren und Zeiten. Statt Botschaften gibt es Szenen, die man selbst zusammensetzen muss.

Das hält die beiden Hälften zusammen. Ob mit Band oder allein, Dylan singt in derselben Haltung: knapp, spöttisch und ohne Erklärung.

05Warum es einen Abend trägt

Mit rund 47 Minuten passt das Album gut in einen Abend. Am Stück gehört, hat es zwei Temperamente. Die erste Hälfte ist schnell und wach. Kurze Songs, viel Bewegung, ein Lachen mittendrin. Man hört eine Band, die sich in einem Nachmittag zusammenfindet.

Dann wird es leiser. Mit „Mr. Tambourine Man“ beginnt eine zweite, ruhigere Hälfte. Die Songs werden länger und dichter. Man muss nicht jedes Bild verstehen, um ihnen zu folgen. Die Stimme und die Mundharmonika führen durch.

Das letzte Stück

Zum Schluss kommt „It’s All Over Now, Baby Blue“. Nur Gitarre, Mundharmonika und ein Bass. Schon der Titel klingt nach Abschied. Nach den langen, düsteren Stücken davor wirkt er fast hell. So endet ein Album, das laut beginnt, sehr leise.

Gibt es ein Album, nach dem Sie sich ein bisschen anders gefühlt haben als vorher?