King of the Delta Blues Singers

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie King of the Delta Blues Singers entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

John Hammond war Produzent bei Columbia und ein unermüdlicher Sucher. Im März 1937 schrieb er unter dem Namen Henry Johnson in der Zeitschrift New Masses über einen Bluessänger aus Mississippi, den er nur von Platten kannte. Er nannte ihn den größten Bluessänger der letzten Jahre. Über den damals viel berühmteren Lead Belly schrieb er: „Neben Johnson klingt Leadbelly wie ein routinierter Poseur.“

Für den 23. Dezember 1938 plante Hammond in der Carnegie Hall ein großes Konzert, „From Spirituals to Swing“. Es sollte die Geschichte der schwarzen Musik Amerikas zeigen, und Robert Johnson sollte dabei sein. Hammond ließ nach ihm suchen. Die Nachricht, die zurückkam: Johnson war im August gestorben, irgendwo bei Greenwood in Mississippi. Hammond spielte an dem Abend zwei seiner Aufnahmen von der Bühne ab.

Dreiundzwanzig Jahre später

Drei Jahre danach fuhr der Musikforscher Alan Lomax ins Delta, um Johnson aufzunehmen. Auch er wusste nicht, dass er tot war. Danach wurde es still um den Namen. Johnsons Platten waren in kleinen Stückzahlen erschienen, vor allem im Süden. Wer ihn kannte, kannte ihn aus Erzählungen.

Erst 1961 brachte Columbia die LP heraus. In New York gab Hammond ein Vorabexemplar an seinen neuesten Künstler weiter, einen jungen Folksänger, der von Robert Johnson noch nie gehört hatte: Bob Dylan. Dylan hat später in seinen Erinnerungen beschrieben, wie ihn diese Aufnahmen nicht mehr losließen. Vier Jahre später liegt die Platte auf dem Coverfoto von Bringing It All Back Home, zwischen anderen Platten und Zeitschriften.

02Wie King of the Delta Blues Singers entstand

Die Aufnahmen sind 25 Jahre älter als die LP. Um 1936 sprach Johnson in Jackson, Mississippi, bei H. C. Speir vor. Speir hatte einen Laden und suchte nebenbei Talente für Plattenfirmen. Er vermittelte ihn an Ernie Oertle, einen Vertreter der American Record Corporation, und der brachte ihn zu dem Produzenten Don Law.

Im November 1936 nahm Law Johnson in San Antonio auf, in einem Zimmer des Gunter Hotel. Die Sitzungen verteilten sich auf mehrere Tage, die Stücke dieser LP stammen vom 23., 26. und 27. November. Im Juni 1937 folgte eine zweite Session in Dallas, in einem behelfsmäßigen Studio. Insgesamt hat Johnson 29 verschiedene Lieder aufgenommen, die meisten in zwei Fassungen. Mehr gibt es nicht.

Eine Platte für den Süden

Die Platten erschienen auf dem Label Vocalion, als 78er für zehn Zoll. „Terraplane Blues“ verkaufte sich im Süden gut genug, um als regionaler Erfolg zu gelten. Danach kam nicht mehr viel. Wie viele Platten insgesamt verkauft wurden, ist nicht genau bekannt, es waren wenige Tausend.

Für die LP von 1961 wurden sechzehn Aufnahmen ausgewählt. Neun davon waren schon auf Schellack erschienen. Sieben waren bis dahin unveröffentlicht, teils als andere Fassungen bekannter Titel. Die frühen Stücke aus San Antonio füllen den größten Teil. Die letzten fünf stammen alle aus Dallas.

03Der Klang

Zu hören sind eine Stimme und eine Gitarre, sonst nichts. Keith Richards erzählte später, er habe beim ersten Hören gefragt, wer der zweite Gitarrist sei. Es gab keinen. Johnson spielt mit dem Daumen eine laufende Basslinie und darüber Akkorde, kurze Melodien und Antworten auf seinen eigenen Gesang. Die Gitarre ist eine zweite Stimme im Lied.

Ein Muster daraus prägte den Blues: der Boogie-Bass, eine wiegende Figur auf den tiefen Saiten. Der Musiker Johnnie Temple sagte, er habe sie zuerst bei Johnson gehört, Anfang der Dreißiger. Später findet man sie bei Elmore James, Jimmy Reed und in Chuck Berrys „Johnny B. Goode“.

Drei Minuten pro Lied

Jedes Stück ist kürzer als drei Minuten, weil eine Schellackseite nicht mehr fasste. Viele Bluesmusiker seiner Zeit reihten Strophen aneinander, bis die Zeit um war. Johnson baute seine Lieder für diese Länge: mit Anfang, Mitte, Schluss und einem festen Arrangement. Man hört, wie genau er arbeitet, wenn man zwei Fassungen desselben Stücks vergleicht.

Die Stimme ist hoch, gespannt, manchmal fast gebrochen. In „Come On in My Kitchen“ singt er so leise, dass die Slide-Gitarre lauter ist als er. In „Preachin’ Blues“ treibt er Gitarre und Stimme so hart an, dass man das Zimmer zu hören meint. Dazu kommt das Rauschen der alten Platten. Es gehört zu diesem Album wie das Holz zur Gitarre.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

King of the Delta Blues Singers ist eine Zusammenstellung. Trotzdem hat sie einen Bogen. Sie beginnt an der Kreuzung, mit einem Mann, den niemand mitnimmt. Dann folgen Lieder über Frauen, über Autos, über das Weiterziehen, über einen Freund, den man schlecht behandelt hat. „Terraplane Blues“ benutzt ein Automodell der Zeit, um über etwas ganz anderes zu reden.

Die letzten fünf Stücke stammen aus Dallas, Juni 1937. Sie sind dunkler und nachdenklicher. In „Me and the Devil Blues“ und „Hellhound on My Trail“ taucht der Teufel auf, als Figur in einem Lied über Unruhe und Verfolgung. Aus solchen Titeln hat sich die Legende später genährt. Die Lieder selbst sind keine Beichte. Sie sind Blues, und Blues hat schon immer mit solchen Bildern gearbeitet.

Sechzehn kurze Lieder

Sechzehn Stücke von je zwei bis drei Minuten, alle in derselben Besetzung, könnten gleichförmig wirken. Sie tun es nicht. Johnson wechselt zwischen Slide und Fingerspiel, zwischen schnellen Stücken und solchen, die fast stehen bleiben. „32-20 Blues“ hat etwas Leichtes, beinahe Städtisches. „When You Got a Good Friend“ ist fast freundlich. „Stones in My Passway“ klingt gehetzt.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 43 Minuten, sechzehn Lieder, ein Mann. Am Stück gehört, ist das ein anderes Erlebnis als einzelne Lieder in einer Playlist. Man gewöhnt sich an das Rauschen und hört nach ein paar Minuten nur noch die Stimme und die Gitarre. Die Wiederholung der Form macht die Unterschiede hörbar: wie er ein Lied beginnt, wo er langsamer wird, wann er eine Zeile fast nur noch spricht.

Der Bogen führt von der Kreuzung bei Sonnenuntergang bis zum Höllenhund, von San Antonio 1936 nach Dallas 1937. Die ersten Stücke haben noch Witz und Bewegung. Gegen Ende wird es enger.

Das letzte Stück

„Hellhound on My Trail“ ist das letzte Lied der LP. Es ist leise, die Gitarre stockt, die Stimme zieht sich zurück. Es erzählt von jemandem, der nicht zur Ruhe kommt, weil etwas hinter ihm her ist. Danach kommt nichts mehr. Ein gutes Jahr nach dieser Aufnahme war Johnson tot. Man muss das nicht wissen, um das Lied zu hören. Aber man hört es anders, wenn man es weiß.

Mit rund 43 Minuten ist das Album kurz und lässt im Abend viel Raum.

Welches Lied von Robert Johnson kannten Sie schon, bevor Sie wussten, dass es von ihm ist?