First Take

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie First Take entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Ein Freeway in Los Angeles, irgendwann um 1970. Clint Eastwood sitzt am Steuer, das Autoradio läuft. Aus dem Lautsprecher kommt ein Lied, das sich unendlich viel Zeit lässt: ein Klavier, ein Kontrabass, ein paar Streicher und eine Frauenstimme, die jede Silbe so lange hält, als wolle sie sie nicht hergeben. Das Lied heißt „The First Time Ever I Saw Your Face“. Die Sängerin ist Roberta Flack, und das Album, von dem es stammt, ist schon erschienen und kaum jemandem aufgefallen.

Eastwood dreht gerade seinen ersten eigenen Film als Regisseur, Play Misty for Me, die Geschichte eines Radiomoderators. Er ruft Roberta Flack an und sagt ihr, er wolle ihr Lied an der einzigen Stelle des Films einsetzen, an der es um „absolute Liebe“ gehe. So hat sie das Gespräch später wiedergegeben. Für die Rechte an der Aufnahme zahlt er 2.000 Dollar.

Ein Hit mit drei Jahren Verspätung

Der Film kommt 1971 in die Kinos. Atlantic bringt das Lied im März 1972 als gekürzte Single heraus, und dann geht es schnell: sechs Wochen auf Platz eins der amerikanischen Charts, am Ende die meistverkaufte Single des Jahres. Das Album First Take, aufgenommen im Februar 1969, steht plötzlich selbst an der Spitze der Albumcharts. Ein Debüt, das fast drei Jahre lang gewartet hat.

Das ist die Szene, die ich an diesem Album so mag. Nichts daran war auf Erfolg angelegt. Eine Musiklehrerin aus Washington nimmt in wenigen Stunden acht Lieder auf, langsam, ernst, ohne ein einziges schnelles Stück für das Radio. Und genau dieses Langsame erreicht Jahre später einen Mann im Auto, der in dem Moment offenbar nur zuhört.

02Wie First Take entstand

Ende der Sechzigerjahre war Roberta Flack in Washington, D.C. eine lokale Größe. Tagsüber unterrichtete sie Musik an einer Junior High School, abends spielte und sang sie in Clubs. Im Mr. Henry's auf dem Capitol Hill ließ der Besitzer Henry Yaffe eigens den oberen Raum für ihre Auftritte umbauen. Dort saß sie am Flügel, mehrere Abende pro Woche, mit einem Repertoire, das von Gospel über Broadway und Folk bis zu Kunstliedern reichte.

1968 hörte sie der Jazzpianist und Sänger Les McCann in Washington. Er war so beeindruckt, dass er ihr ein Vorsingen bei Atlantic Records verschaffte. Im November 1968 fuhr sie mit ihrem Trio nach New York und spielte dem jungen Produzenten Joel Dorn vor. Die Quellen sprechen von rund vierzig Liedern in etwa drei Stunden. Dorn wollte sie danach unbedingt unter Vertrag nehmen.

Zehn Stunden für ein Debüt

Aufgenommen wurde First Take vom 24. bis zum 26. Februar 1969 in den Atlantic Studios in New York. Die reine Arbeitszeit wird mit rund zehn Stunden angegeben. Der Titel des Albums ist also kein Zufall. Flack sitzt selbst am Klavier, am Kontrabass spielt Ron Carter, der gerade noch in Miles Davis' Quintett gespielt hatte. Dazu kommen Ray Lucas am Schlagzeug und Bucky Pizzarelli an der Gitarre. Für einzelne Stücke schrieb William S. Fischer Arrangements für Streicher und Bläser.

Die Auswahl der Lieder zeigt, woher sie kam. Ein politischer Song von Gene McDaniels, ein spanischsprachiges Lied nach einem Gedicht aus Venezuela, ein Spiritual aus der Kirche, ein Lied von Leonard Cohen, ein englisches Liebeslied von Ewan MacColl, eine Ballade aus einem Musical von 1959 und zwei Stücke eines jungen Musikers aus Washington, der ebenfalls an der Howard University studiert hatte: Donny Hathaway. Erschienen ist das Album am 20. Juni 1969.

03Der Klang

First Take klingt nach einem kleinen Raum und nach Menschen, die einander zuhören. Im Zentrum stehen Flacks Klavier und Ron Carters Kontrabass. Carter spielt nicht einfach Grundtöne, er antwortet auf die Stimme, geht mit, wenn sie langsamer wird, und hält die Musik zusammen, wenn sie fast stillsteht. Das Schlagzeug bleibt meist im Hintergrund, die Gitarre setzt nur Farben.

Wo Streicher und Bläser dazukommen, bleiben sie sparsam. Sie legen sich unter einzelne Stellen, schwellen an und ziehen sich wieder zurück. Nichts davon klingt nach dem großen Orchester, das man von Soul-Produktionen dieser Jahre kennt. Es ist eher wie Licht, das kurz heller wird.

Die Stimme einer Pianistin

Roberta Flack war zuerst Pianistin, klassisch ausgebildet, mit einem Stipendium für die Howard University schon als Fünfzehnjährige. Das hört man ihrem Gesang an. Sie phrasiert wie jemand, der jede Note eines Satzes kennt und genau weiß, wo sie landen soll. Sie singt nicht laut, sie drückt nichts heraus. Sie setzt Worte so, dass man sie versteht.

Der Kritiker John Bush von AllMusic hörte in diesem Debüt die Deutungskraft von Nina Simone und Sarah Vaughan, die Erdung von Aretha Franklin und die Klarheit von Folksängerinnen wie Judy Collins. Das beschreibt ziemlich genau, was hier zusammenkommt: Jazz, Gospel, Soul und Folk, und keiner dieser Stile setzt sich ganz durch.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Acht Lieder, rund 46 Minuten, die meisten Stücke zwischen fünf und sieben Minuten lang. Das ist für ein Soul-Album von 1969 ungewöhnlich. Es gibt keine Single, die herausragt, weil keines der Lieder dafür gemacht ist. Was bleibt, ist ein Bogen, der erstaunlich weit reicht.

Am Anfang steht „Compared to What“, das einzige wirklich schnelle Stück. Ein Protestsong von Gene McDaniels, gegen den Krieg und gegen die Heuchelei der Zeit, mit Bläsern und einem Bass, der sofort vorwärts drängt. Ein paar Monate später machten Les McCann und Eddie Harris das Lied mit ihrem Auftritt in Montreux berühmt. Hier ist es die Tür, durch die man in das Album hineingeht: wach, politisch, mit Nachdruck.

Von der Straße in die Kirche

Danach wird es ruhiger und tiefer. „Angelitos Negros“ singt Flack auf Spanisch. Das Gedicht des Venezolaners Andrés Eloy Blanco fragt einen Maler, warum er in seinen Kirchenbildern nie schwarze Engel malt. Es folgen „Our Ages or Our Hearts“ von Donny Hathaway und Robert Ayers und dann „I Told Jesus“, ein traditionelles Spiritual, fast nur Stimme und Klavier. Man hört darin die Kirchenmusik, mit der sie aufwuchs; ihre Mutter war Organistin.

Die zweite Hälfte öffnet sich. Leonard Cohens „Hey, That's No Way to Say Goodbye“ nimmt sie als leises Abschiedslied, dann kommt „The First Time Ever I Saw Your Face“ als Mitte der zweiten Seite. „Tryin' Times“, das zweite Stück von Hathaway, zusammen mit Leroy Hutson geschrieben, holt die Unruhe der Zeit zurück. Am Ende steht „Ballad of the Sad Young Men“, eine Ballade aus einem Broadway-Musical, sieben Minuten über junge Menschen, die nachts nicht nach Hause finden. Das Album hört nicht triumphal auf, sondern nachdenklich.

Wer es am Stück hört, erlebt eine Sängerin, die mit acht Liedern aus sehr verschiedenen Welten eine einzige Haltung zeigt: Sie nimmt jeden Text ernst, ob er von Krieg, von Glauben oder von einer ersten Begegnung handelt.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 46 Minuten sind für einen Abend eine sehr gute Länge. Das Album ist nicht schwer, aber es ist konzentriert. Es verlangt keine Vorkenntnisse, nur die Bereitschaft, sich auf ein langsames Tempo einzulassen. Wer das tut, merkt schnell, dass Langsamkeit hier nichts mit Müdigkeit zu tun hat.

Am Stück gehört, reicht der Bogen von First Take vom schnellen Anfang bis zur stillen Ballade am Schluss.

Der Bogen

„Compared to What“ beginnt mit Schwung und einem Bass, den man im Bauch spürt. Danach wird das Album langsamer. Bei „Angelitos Negros“ versteht man den spanischen Text vielleicht nicht, aber man hört, dass es um etwas geht. In „The First Time Ever I Saw Your Face“ zählen die Pausen zwischen den Zeilen.

Ron Carters Kontrabass hat einen vollen, warmen Körper, und Flacks Stimme steht frei, ohne Härte. Am Ende steht die stille „Ballad of the Sad Young Men“, mit sieben Minuten das längste Stück des Albums.