Pastel Blues

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Pastel Blues entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Tryon, North Carolina, in den späten Dreißigerjahren. Eine Erweckungsversammlung, eine Gemeinde, die singt, und vorne eine Methodistenpredigerin, die ein altes Lied anstimmt, damit die Leute ihre Sünden bekennen. Das Mädchen am Klavier heißt noch Eunice Kathleen Waymon. Die Predigerin ist ihre Mutter.

Das Lied heißt „Sinnerman“. Ein Sünder rennt am Tag des Gerichts zum Felsen, zum Fluss, zum Meer, und überall bekommt er dieselbe Antwort: Hier kannst du dich nicht verstecken. Die Tochter hat den Text aus diesen Versammlungen behalten. Gut zwanzig Jahre später, als Nina Simone, spielt sie ihn in den Clubs von Greenwich Village, und zwar gern als letztes Stück des Abends. Es war lang, es ließ sich steigern, und danach brauchte niemand mehr eine Zugabe.

Zehn Minuten und fünfzehn Sekunden

Auf „Pastel Blues“ steht dieser Schluss endlich auf Platte. 10:15, fast ein Drittel der ganzen Spielzeit. Simone ist als Arrangeurin genannt, und das ist keine Formalie. Die Fassung, die man heute kennt, aus Filmen, Serien und Samples, geht auf diese Aufnahme zurück.

Der Musikjournalist Richie Unterberger hat sie „einen explosiven Kraftakt“ genannt, neben dem alles andere klein wirkt. Das stimmt, und es ist zugleich ungerecht gegenüber den acht Stücken davor. Denn wer die Platte von vorn hört, merkt, dass die zehn Minuten am Schluss nur so explodieren können, weil vorher so viel zurückgehalten wurde.

02Wie Pastel Blues entstand

1964 wechselte Nina Simone von Colpix zu Philips. Die Jahre davor hatten sie bekannt gemacht: 1959 das Debüt „Little Girl Blue“ bei Bethlehem und der Hit „I Loves You, Porgy“, dann eine Reihe von Platten, die sie oft live oder mit Orchester zeigten. Bei Philips ging es in eine andere Richtung. Die erste Platte dort, „Nina Simone in Concert“, enthielt „Mississippi Goddam“, ihre Antwort auf den Mord an Medgar Evers und den Bombenanschlag auf eine Kirche in Birmingham.

Die Aufnahmen zu „Pastel Blues“ verteilen sich über mehr als ein Jahr, von März 1964 bis Mai 1965, alle in New York. Produziert hat Hal Mooney. Die Band ist klein: Al Schackman an Gitarre und Mundharmonika, Rudy Stevenson an Gitarre und Flöte, Lisle Atkinson am Kontrabass, Bobby Hamilton am Schlagzeug. Schackman begleitete Simone da schon seit Jahren; Stevenson steuerte mit „Ain't No Use“ auch einen eigenen Song bei.

Ein Lied des Ehemanns

Das erste Stück der Platte stammt von Andy Stroud, Simones Ehemann und Manager. „Be My Husband“ ist kaum ein Arrangement, eher ein Rhythmus mit einer Stimme darüber. Es klingt wie ein altes Arbeitslied, und es ist eine seltsame Eröffnung: eine Bitte, die wie eine Drohung klingt, oder umgekehrt. Jeff Buckley hat das Lied Jahrzehnte später als „Be Your Husband“ gesungen.

Der Rest der ersten Seite sind Standards, die jeder Bluesmusiker kannte. „Nobody Knows You When You're Down and Out“ von Jimmy Cox, „Trouble in Mind“ von Richard Jones, dazu „Tell Me More and More and Then Some“ aus der Feder von Billie Holiday. Erschienen ist die Platte im Oktober 1965. In den Pop-Charts kam sie nur auf Platz 139, in den R&B-Charts auf Platz acht.

03Der Klang

„Pastel Blues“ ist eine Klavierplatte. Unterberger hat darauf hingewiesen, dass hier das Klavier im Vordergrund steht und nicht die Arrangements. Das ist bei Simone nicht selbstverständlich. Auf vielen Platten jener Jahre sitzt ihr Spiel unter Streichern oder einer Big Band. Hier hört man, woher sie kommt: aus der klassischen Ausbildung, aus Bach, aus dem Wunsch, Konzertpianistin zu werden.

Die Band bleibt dahinter, oft kaum hörbar. Eine Gitarre, die ein paar Töne setzt. Eine Flöte hier, eine Mundharmonika dort. Ein Bass, der den Boden hält. Viel Raum zwischen den Instrumenten, und in diesem Raum die Stimme: tief, manchmal rau, nie gefällig.

Die Stimme als Rhythmusinstrument

Bei „Be My Husband“ ist das am deutlichsten. Simone singt die Zeilen, als würde sie sie in den Takt schlagen, jede Silbe ein Schritt. Bei „Chilly Winds Don't Blow“ zieht sie die Töne dagegen lang, fast bis sie brechen. Dieselbe Sängerin, zwei Techniken, auf einer Seite derselben Platte.

In der Liner Note von Douglas McCelland heißt es, Simone sei „eine Malerin von Stimmungen, Gefühlen“, und er spricht von ihrem „tosenden, grüblerischen, schroffen, gebieterischen Talent“. Das sind große Worte für eine Plattenrückseite von 1965. Man versteht sie aber, wenn man die Stücke hintereinander hört: Kein einziges klingt wie das vorige.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die Reihenfolge ist eine Bewegung von innen nach außen. Die erste Seite handelt von Liebe, Geld, Einsamkeit, vom Ende einer Beziehung: „Nobody Knows You When You're Down and Out“, „End of the Line“, „Trouble in Mind“. Private Sorgen, sehr alte Lieder. Mit „Chilly Winds Don't Blow“ endet die Seite kalt und still.

Die zweite Seite hat nur drei Stücke, und sie gehen immer weiter hinaus. „Ain't No Use“ ist noch ein Liebeslied. „Strange Fruit“ ist ein Lied über Gewalt gegen Schwarze im Süden der USA, gesungen in einem Jahr, in dem Simone selbst beim Marsch von Selma nach Montgomery auftrat. Und „Sinnerman“ ist kein Lied über einen Menschen mehr, sondern über ein Gericht, dem keiner entkommt.

Vom Blues zum Urteil

Man kann das als Programm lesen, muss es aber nicht. Es funktioniert auch ohne Deutung, einfach als Dramaturgie. Acht Stücke, keines länger als vier Minuten, dann ein Schluss, der so lang ist wie drei davon. Wer die Platte in anderer Reihenfolge hört, verliert genau das: das Gefühl, dass sich etwas aufstaut.

Die zeitgenössische Kritik war gespalten. Record Mirror gab der Platte einen einzigen Stern. Heute steht sie anders da: Pitchfork setzte sie 2017 auf Platz 21 der besten Alben der Sechzigerjahre. 2020 erschien eine audiophile Neuauflage bei Verve in der Acoustic-Sounds-Reihe.

05Warum es einen Abend trägt

Mit fünfunddreißig Minuten ist es ein kurzes Album.

Die Kürze ist kein Nachteil. Die ersten Stücke sind leise und zurückhaltend. Bei „Strange Fruit“ ändert sich das. Und „Sinnerman“ hat einen Puls, der einen mitnimmt, bevor man es merkt.

Der Übergang

Mit „Chilly Winds Don't Blow“ endet die erste Seite kalt und still. Am Stück gehört, setzt „Ain't No Use“ direkt danach ein. Die zweite Seite wirkt dadurch weniger wie ein Neuanfang und mehr wie eine Fortsetzung. Man spürt, wie sich bis „Sinnerman“ etwas aufstaut.

Das Klavier klingt so, wie es aufgenommen wurde: nah, trocken, ohne Hall. Man hört die Finger. Und man hört, wie wenig diese Band spielen muss, damit eine Stimme den Raum füllt.