Forever Changes

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Forever Changes entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Hollywood, Juni 1967. Love sollen ihr drittes Album aufnehmen, aber die Band ist nicht in Form. Es gibt Streit, die Lieder sind nicht geprobt, die ersten Sitzungen bei Sunset Sound bringen wenig. Arthur Lee, der Sänger und Kopf der Band, und der Produzent Bruce Botnick greifen zu einem harten Mittel. Sie holen Studiomusiker.

Es sind Leute aus der sogenannten Wrecking Crew, dem Kreis von Profis, der damals auf unzähligen Hits aus Los Angeles spielte: Hal Blaine am Schlagzeug, Carol Kaye am Bass, Billy Strange an der Gitarre, Don Randi am Klavier. In einer einzigen Sitzung von drei Stunden spielen sie die Grundspuren für „Andmoreagain“ und „The Daily Planet“ ein. Zwei Lieder, fertig, ohne die Band.

Ein Schreck, der hilft

Für die Musiker von Love ist das ein Schlag. Botnick erinnerte sich später in den Begleittexten einer Sammlung, die Band sei bei dieser Sitzung regelrecht in Tränen gewesen. Und er beschrieb die Wirkung: Der Schreck ließ die Musiker ihre Streitereien vergessen. Sie wurden wieder eine Band.

Den Rest des Albums spielen Love selbst. Das ist der Moment, an dem Forever Changes hängt. Ohne diese Kränkung hätte es die Platte in dieser Form wohl nicht gegeben.

02Wie Forever Changes entstand

Love waren 1967 in Los Angeles berühmt, anderswo kaum. Die Band hatte am Sunset Strip in Clubs wie dem Bido Lito's und dem Whisky a Go Go gespielt und war 1966 die erste Rockband bei Elektra geworden. Ihr erstes Album erschien im März 1966, ihr zweites, Da Capo, im November desselben Jahres. Darauf stand „7 and 7 Is“, ein schnelles, lautes Stück, ihre höchste Platzierung in den amerikanischen Singlecharts: Platz 33.

Forever Changes sollte anders werden. Leiser, akustischer, mit Orchester. Arthur Lee schrieb neun der elf Lieder. Die beiden anderen, „Alone Again Or“ und „Old Man“, stammen vom zweiten Gitarristen Bryan MacLean. Zwischen den beiden gab es Spannungen, MacLean wollte mehr eigene Lieder unterbringen. Dazu kamen Johnny Echols an der Leadgitarre, Ken Forssi am Bass und Michael Stuart-Ware am Schlagzeug. Drogen spielten in der Band zu dieser Zeit eine Rolle und machten die Arbeit nicht leichter.

Lee singt dem Arrangeur das Orchester vor

Die Streicher und Bläser schrieb der Arrangeur David Angel. Lee wusste genau, was er hören wollte. Drei Wochen lang saß er mit Angel zusammen, spielte ihm die Orchesterstimmen vor und sang sie. Lee sagte 1991 der Zeitschrift Goldmine, er habe bei der Orchestrierung mitgeholfen, und: „Wir haben auf diesem Album alles ausprobiert.“

Am 18. September 1967 wurden Streicher und Bläser aufgenommen: fünf Geigen, eine Bratsche, ein Cello, drei Trompeten, eine Posaune. Die Aufnahmen endeten am 25. September. In der Bandgeschichte ist von insgesamt rund 64 Stunden Studiozeit die Rede. Produziert haben Lee und Botnick gemeinsam, Botnick war auch der Toningenieur.

03Der Klang

Wer Love von „7 and 7 Is“ kennt, erkennt sie hier kaum wieder. Forever Changes ist um akustische Gitarren gebaut, die ineinandergreifen. Darüber legen sich Streicher und Bläser, mal stützen sie die Melodie, mal setzen sie scharfe Akzente. In der deutschen Wikipedia wird der Klang als Acid Rock auf akustischen Gitarren mit Orchesterbegleitung beschrieben. Das trifft es ziemlich gut.

Die Platte passt in keine Schublade. Man hört Folk, Pop, psychedelischen Rock, Anklänge an Klassik und an Mariachi-Musik. Dazwischen bricht immer wieder Johnny Echols' elektrische Gitarre durch, mit kurzen, kantigen Soli. Der Kritiker Nig Hodgkins hat das Prinzip so beschrieben: Die Bläser verschönern den Klang, nur damit die Gitarre den Tagtraum wieder zerreißen kann.

Lees Stimme

Arthur Lee singt weich, fast beiläufig, oft mit einer leichten Ironie. Gerade das macht die Texte unheimlich. Denn worüber er singt, ist alles andere als sonnig: Verfolgungsangst, der Vietnamkrieg, die Spannungen zwischen Schwarz und Weiß, eine Gesellschaft, die auseinanderfällt, die Folgen von Drogen. Der Kritiker Andrew Hultkrans schrieb, Lee habe die Flower-Power nie ganz geglaubt. Er habe gewusst, dass Sonnenschein die dunklen Dinge nicht einfach verschwinden lässt.

Bryan MacLeans zwei Lieder sind heller im Ton. „Alone Again Or“ ist das bekannteste Stück des Albums geworden. The Damned haben es später mit Erfolg nachgespielt.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Forever Changes ist kein Konzeptalbum mit einer Geschichte. Es hält durch seinen Klang zusammen und durch eine Stimmung. Lee war damals 22 und überzeugt, nicht mehr lange zu leben. Er sah das Album als seine letzten Worte. Diese Haltung liegt über allen elf Liedern: schöne Musik, hinter der etwas Bedrohliches wartet.

Die erste Plattenseite steigert sich von „Alone Again Or“ bis zu „The Red Telephone“, dem merkwürdigsten Stück. Es kreist um Eingesperrtsein und Misstrauen, um die Frage, wer eigentlich frei ist. Die zweite Seite beginnt mit dem Lied mit dem längsten Titel, benannt nach einer Straßenecke, und läuft über „Live and Let Live“ und das kurze „Bummer in the Summer“ auf das Ende zu.

Ein langer Abschied

Das letzte Lied, „You Set the Scene“, ist mit fast sieben Minuten das längste. Streicher und Bläser bekommen hier am meisten Raum. Man kann darin eine Bilanz hören. Lee schaut auf das eigene Leben und kommt zu einer Art Frieden mit dem, was ist. Nach allem Misstrauen auf dieser Platte ist das ein überraschend versöhnlicher Schluss.

Der Erfolg kam langsam. In den USA erreichte das Album Platz 154, in England immerhin Platz 24. Elektra-Gründer Jac Holzman machte später auch den Termin verantwortlich: Im November ging die Platte im Weihnachtsgeschäft unter. Pete Johnson schrieb in der Los Angeles Times, das Album überstehe „endloses Hören, ohne an Kraft oder Frische zu verlieren“. Der Biograf John Einarson hält fest, dass der Ruf von Forever Changes fast nur durch Wiederentdeckung und Mundpropaganda entstanden ist.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 43 Minuten, elf Lieder, zwei Plattenseiten von fast genau gleicher Länge. Das ist kurz genug, um es ohne Ermüdung am Stück zu hören, und lang genug, dass sich etwas aufbaut. Das Album hat keinen Hit, um den sich alles dreht. Es lebt davon, dass die Lieder ineinandergreifen wie die Gitarren darin.

Am Stück gehört, merkt man, wie geschickt die Platte mit Erwartungen spielt. Die Melodien sind freundlich, die Arrangements elegant, und doch kippt die Stimmung immer wieder. Ein Gitarrensolo fährt dazwischen, eine Zeile klingt anders als die Musik drumherum. Nebenbei gehört, bleibt davon nur die Schönheit. Wer zuhört, bekommt beides.

Das Ende ist der Grund

Der wichtigste Grund ist das letzte Lied. „You Set the Scene“ funktioniert nur, wenn man die vierzig Minuten davor gehört hat. Erst dann versteht man, wovon hier Abschied genommen wird, und warum das Orchester am Ende so groß werden darf.

Mich berührt an dieser Platte, dass sie von einem 22-Jährigen stammt, der sich für todgeweiht hielt, und trotzdem so viel Zärtlichkeit darin steckt. Arthur Lee lebte noch fast vierzig Jahre. Wie es mit ihm und der Band weiterging, steht im Porträt von Love.

Welches Lied hat Ihnen einmal etwas Dunkles so freundlich erzählt, dass Sie es erst beim dritten Hören bemerkt haben?