Out to Lunch!

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Out to Lunch! entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Englewood Cliffs, New Jersey, 25. Februar 1964. Im Studio von Rudy Van Gelder stellen fünf Musiker ihre Instrumente auf. Eric Dolphy hat drei dabei: eine Bassklarinette, eine Flöte und ein Altsaxofon. Neben ihm stehen Freddie Hubbard mit der Trompete, Bobby Hutcherson am Vibrafon, Richard Davis am Kontrabass und Tony Williams am Schlagzeug.

Williams ist 18 Jahre alt. Er spielt seit dem Vorjahr in der Band von Miles Davis. Auf der Plattenhülle wird er später als „Anthony Williams“ stehen. Hutcherson ist Anfang zwanzig. Davis und Hubbard kennt Dolphy schon lange. Mit Hubbard hat er 1960 sein erstes eigenes Album aufgenommen, mit Davis hat er im Jahr zuvor Duette eingespielt.

Jeder ist hier ein Leader

Ein Klavier gibt es nicht. Das ist Absicht. Dolphy wollte an diesem Tag eine Band, in der niemand die Harmonien vorgibt und alle mitreden. In den Liner Notes zum Album sagt er dem Autor A. B. Spellman: „Bei dieser Session ist jeder ein Leader.“ Produziert wird die Aufnahme von Alfred Lion, dem Gründer von Blue Note.

Alle fünf Stücke stammen von Dolphy. Sie werden an einem Tag aufgenommen. Es ist sein erstes und einziges Album als Bandleader für dieses Label. Und es ist seine letzte Studioaufnahme unter eigenem Namen.

02Wie Out to Lunch! entstand

Eric Dolphy kam 1928 in Los Angeles zur Welt. Seine Eltern stammten aus Panama. Er lernte als Kind Klarinette und Saxofon und studierte später am Los Angeles City College. Dort spielte er auch Stravinsky. Die Neue Musik des 20. Jahrhunderts begleitete ihn sein Leben lang.

Bekannt wurde er 1958 mit dem Quintett des Schlagzeugers Chico Hamilton. 1959 zog er nach New York. Dort spielte er in den folgenden Jahren mit fast allen, die den Jazz damals verändern wollten: mit Charles Mingus, mit John Coltrane, mit Ornette Coleman auf dessen Album Free Jazz. Seine eigenen Platten erschienen zunächst beim Label Prestige.

Die Vorarbeit von 1963

Im Juli 1963 organisierte der Produzent Alan Douglas Aufnahmen mit jungen Musikern. Daraus entstanden die Alben Iron Man und Conversations. Hier spielte Dolphy zum ersten Mal mit Bobby Hutcherson zusammen. Und hier nahm er mit Richard Davis drei Duette auf, Bassklarinette und Kontrabass allein. Was auf Out to Lunch! selbstverständlich klingt, war also schon erprobt.

Anfang 1964 wechselte Dolphy zu Blue Note. Wenige Wochen nach der Aufnahme ging er mit Charles Mingus auf Europatournee. Er hatte vor, danach in Europa zu bleiben. In Paris lebte seine Verlobte, die Tänzerin Joyce Mordecai. Spellman gegenüber begründete er den Schritt auch mit der Lage in den USA: „Wer hier etwas anders macht, wird dafür heruntergemacht.“

Am 29. Juni 1964 starb Eric Dolphy in West-Berlin, mit 36 Jahren. Er war zuckerkrank und fiel in ein diabetisches Koma. Die genauen Umstände im Krankenhaus sind bis heute nicht ganz geklärt. Out to Lunch! erschien im August 1964, zwei Monate nach seinem Tod.

03Der Klang

Das Erste, was man hört, ist die Bassklarinette. Ein tiefes, holziges Instrument, das im Jazz damals kaum jemand als Soloinstrument spielte. Dolphy springt darauf in großen Intervallen, vom tiefsten Register in die Höhe und zurück. Es klingt manchmal wie Sprechen, manchmal wie Lachen.

Das Vibrafon ändert den ganzen Raum. Ein Klavier hätte Akkorde gelegt, an denen sich alle festhalten. Hutcherson setzt seine Töne einzeln und lässt Luft dazwischen. Dolphy sagte dazu in den Liner Notes: „Klaviere scheinen einen zu kontrollieren, Bobbys Vibrafon öffnet einen.“ Der Kritiker Kevin Whitehead hörte bei Hutcherson auch etwas Kantiges: Er schlage die Metallplatten hart an, fast wie Monk sein Klavier.

Puls statt Takt

Tony Williams spielt keinen gleichmäßigen Beat. Er setzt Akzente, lässt aus, verschiebt. Dolphy brachte es auf eine kurze Formel: „Er spielt keinen Takt, er spielt Puls.“ Richard Davis macht etwas Ähnliches am Bass. Er spielt nicht die üblichen Linien, sondern Rhythmus mit seinen Linien. Das Ergebnis ist eine Musik, die ständig in Bewegung ist und trotzdem nie zerfällt.

Freddie Hubbard ist der Musiker in dieser Runde, der am stärksten aus dem Hard Bop kommt. Seine Trompete klingt hell und direkt. Neben Dolphys Sprüngen wirkt er wie ein fester Punkt, an dem man sich orientieren kann.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Jedes der fünf Stücke hat seine eigene Farbe, und Dolphy wechselt dafür das Instrument. Die beiden ersten spielt er auf der Bassklarinette, das dritte auf der Flöte, die beiden letzten auf dem Altsaxofon. Man hört also einen Musiker in drei Stimmen.

„Hat and Beard“ eröffnet sperrig und verspielt zugleich. „Something Sweet, Something Tender“ ist das ruhigste Stück, eine Ballade, in der Dolphy und Richard Davis am gestrichenen Bass ein Duett spielen. „Gazzelloni“ ist nach dem italienischen Flötisten Severino Gazzelloni benannt, einem Musiker der Neuen Musik, den Dolphy bewunderte. Das Thema hält sich 13 Takte an eine feste Form, danach ist alles frei.

Die zweite Seite

Auf der Originalplatte begann die zweite Seite mit dem Titelstück, gut zwölf Minuten lang. Hier gibt es kaum noch einen hörbaren Grundschlag. Dolphy sagte, auch wenn die Rhythmusgruppe die Zeit aufbreche, laufe innen ein Puls mit. „Straight Up and Down“ zum Schluss soll an den Gang eines Betrunkenen erinnern, der sich gerade halten will. Das Thema torkelt tatsächlich, mit weiten Sprüngen und schrägen Akzenten.

Die Kritik war sich später einig. Der Penguin Guide to Jazz gab die Höchstwertung und nahm das Album in seine Kernsammlung auf. Steve Huey nannte es bei AllMusic Dolphys Hauptwerk. Der deutsche Rolling Stone setzte es 2013 auf Platz fünf seiner hundert besten Jazzalben.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 42 Minuten, fünf Stücke. Die Länge passt gut in einen Abend und lässt Raum. Wichtiger ist, wie die Platte gebaut ist. Sie beginnt mit einem Rätsel, wird im zweiten Stück ganz leise und zart, hebt mit der Flöte in „Gazzelloni“ ab und geht im Titelstück am weitesten hinaus.

Wer Free Jazz mit Lärm verbindet, wird hier etwas anderes hören. Jedes Stück hat ein Thema, das man wiedererkennt. Die Freiheit kommt danach, und sie hat Regeln. Mich beeindruckt, wie genau die fünf aufeinander hören. Niemand übertönt den anderen. Wenn Williams pausiert, füllt Hutcherson die Lücke, und wenn Davis eine neue Richtung nimmt, folgt ihm Dolphy.

Das letzte Stück

„Straight Up and Down“ schließt das Album mit einem Augenzwinkern. Nach den zwölf Minuten des Titelstücks wirkt das torkelnde Thema fast wie eine Erleichterung. Man kann darüber lächeln. Und man hört zum Schluss noch einmal Dolphys Altsaxofon, mit Sprüngen, Schleifern und mehreren Tönen gleichzeitig.

Dass dieses Album sein Vermächtnis wurde, wusste an jenem Tag im Februar niemand. Man hört es der Musik auch nicht an. Sie klingt nicht nach Abschied, sondern nach Anfang.

Welchem der fünf Musiker sind Sie beim Hören gefolgt – und wann haben Sie gewechselt?