The Art of the Trio, Volume Three: Songs

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie Songs entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Das vierte Stück ist kein Jazzstandard. „Exit Music (For a Film)“ stammt von Radiohead, aus OK Computer, das im Frühsommer 1997 erschienen war. Als Brad Mehldau, Larry Grenadier und Jorge Rossy das Stück Ende Mai 1998 in New York aufnahmen, war der Song also kaum ein Jahr alt. Radiohead hatten ihn für Baz Luhrmanns Film Romeo + Juliet geschrieben, nachdem sie die letzten dreißig Minuten des Films gesehen hatten. Auf dem Soundtrack landete er dann nicht, die Band behielt ihn für ihr eigenes Album.

Ein Popsong auf einer Jazzplatte war 1998 nichts völlig Neues. Herbie Hancock hatte Beatles-Songs gespielt, Miles Davis Cyndi Lauper. Aber meistens klang das nach Verbeugung vor dem Radio, nach einem Zugeständnis. Bei Mehldau klingt es anders. Er spielt das Stück so, wie er an diesem Tag auch „For All We Know“ spielt: als Lied, das man ernst nimmt, und nicht als Ausflug.

Ein Schlagzeuger hört Platten

Wie das Stück rhythmisch gebaut ist, hat Jorge Rossy später ganz unaufgeregt erklärt. Was er da spiele, sei „wahrscheinlich etwas, das ich Jon Christensen auf einer Keith-Jarrett-Platte spielen hörte“, zitiert ihn der Kritiker Stuart Nicholson in Jazzwise. Christensen war der norwegische Schlagzeuger in Keith Jarretts europäischem Quartett der Siebziger, ein Musiker, der mehr mit Becken und Flächen arbeitete als mit dem Takt. Rossy nennt das schlicht „den ECM-Sound“.

Damit ist schon viel über die Platte gesagt. Drei Musiker um die dreißig, die Radiohead hören, Nick Drake, Rodgers und Hart und die Platten des Münchner Labels ECM, und die nicht sortieren, was davon Jazz ist und was nicht. Nicholson schreibt, mit diesem Album habe Mehldau Leute aufhorchen lassen, wie es die beiden Vorgänger nicht getan hätten.

02Wie Songs entstand

Das Trio spielte seit Mitte der Neunziger zusammen. Grenadier am Bass kam aus der Bay Area, Rossy am Schlagzeug aus Barcelona. Bei Warner Bros. hatte Mehldau 1995 sein erstes eigenes Album veröffentlicht, ein Jahr später kam The Art of the Trio Volume One. Den Namen der Reihe hatte der Produzent Matt Pierson ausgesucht, damit man sich die Alben merkt. Volume Two war ein Livealbum, mitgeschnitten 1997 im Village Vanguard, nur Standards.

Volume Three sollte etwas anderes sein. Auf seiner eigenen Website beschreibt Mehldau, worum es ihm ging: um das, was ein Lied ausmacht. Eine einfache Melodie, wenig Material, eine knappe Form – und eine Wirkung, die nach dem Hören noch anhält. Danach hat er die zehn Stücke ausgesucht. Fünf schrieb er selbst: „Song-Song“, „Unrequited“, „At a Loss“, „Convalescent“ und „Sehnsucht“. Dazu kamen drei Standards aus dem amerikanischen Songbook und zwei Lieder aus der Popmusik.

Zwei Tage bei Right Track

Aufgenommen wurde am 27. und 28. Mai 1998 in den Right Track Studios in New York. Am Pult saß James Farber, gemastert hat Greg Calbi, produziert wie alle Alben der Reihe Matt Pierson. Zwei Tage für eine Stunde Musik, das ist im Jazz nicht ungewöhnlich, aber es heißt: Das Trio kam mit fertigen Stücken ins Studio.

Mehldau lebte damals in Los Angeles. Er war um 1996 dorthin gezogen, um von seiner Heroinsucht loszukommen. Joseph Hooper zitierte ihn im Jahr 2000 im New Yorker mit einem Satz über die Zeit danach: Es sei gewesen „wie ein Schwall Kreativität, der zurückgehalten worden war“. Erschienen ist das Album am 15. September 1998, im selben Jahr wie das Livealbum aus dem Vanguard.

03Der Klang

Man hört zuerst das Klavier, und man hört, dass zwei Hände nicht dasselbe tun. Mehldaus Markenzeichen ist, mit links und rechts zwei eigene Melodien zu spielen, die sich kreuzen und wieder auseinandergehen. Fordham nannte das im Guardian die gegenmelodische Fülle eines großen Pianisten. Man kann es auch einfacher sagen: Unter der Melodie passiert immer noch etwas, und es ist nie nur Begleitung.

Die Vorbilder sind hörbar, und Kritiker haben sie sofort benannt: der Bill Evans von Sunday at the Village Vanguard und Keith Jarrett. Steve Huey schrieb bei AllMusic, das Spiel swinge immer und sei geschmackvoll, und gab viereinhalb von fünf Sternen. Was Mehldau von Evans unterscheidet, ist die Geduld mit langen, einfachen Linien. Er lässt eine Melodie oft länger stehen, als man es erwartet.

Ein Trio, das schwebt

Thomas Conrad schrieb in JazzTimes, Mehldau sei zwar der Virtuose, aber Grenadier und Rossy gäben der Band ihre „schwebende Ensemble-Identität“. Das trifft es. Grenadiers Bass ist rund und warm, er spielt selten laut und hält doch alles zusammen. Rossy spielt oft so zurückhaltend, dass man ihn mehr spürt als hört.

Die Aufnahme drängt sich nicht in den Vordergrund. Es ist ein Studioalbum, aber es klingt nicht nach Studio, eher nach einem kleinen Raum, in dem drei Leute einander zuhören. Aufgenommen und gemischt hat es James Farber.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Zehn Stücke, alle zwischen vier und acht Minuten. Keine Ballade dauert eine Viertelstunde, kein Solo läuft davon. Das ist die Idee vom Lied, ernst genommen: Jedes Stück hat eine Melodie, die man nach dem ersten Hören wiedererkennt, und jedes hört auf, bevor es sich wiederholt.

Die Reihenfolge wechselt zwischen eigenen Stücken und fremden. Auf „Song-Song“ und „Unrequited“ folgt Rodgers und Hart, dann Radiohead, dann wieder zwei von Mehldau. Man merkt beim Hören nicht, wo das Eigene aufhört und das Geliehene anfängt. „Unrequited“ könnte ein Standard aus den Fünfzigern sein, „Bewitched, Bothered and Bewildered“ klingt hier wie ein neues Stück. Genau das ist der Punkt.

Die Mitte: For All We Know

„For All We Know“, ein Lied von J. Fred Coots und Sam M. Lewis aus den dreißiger Jahren, ist mit knapp acht Minuten das längste Stück. Conrad nannte es eine der „gebannt stillen Balladen“ des Albums. Auf Mehldaus Website heißt es, mit diesem Stück komme ein elegischer Ton in sein Spiel, der in den folgenden Jahren wichtiger wurde. Ein Jahr später erschien Elegiac Cycle, ein Soloalbum, das schon im Titel davon spricht.

Nach „River Man“ wird es noch einmal hell. „Young at Heart“, bekannt durch Frank Sinatra, ist das Stück, in dem das Trio am deutlichsten Fahrt aufnimmt. Conrad beschreibt, wie Grenadier und Rossy sofort auf Mehldaus Stimmungswechsel reagieren und mit ihm nach oben gehen. Danach kommt nur noch ein Stück.

Fordham schrieb im Dezember 1998, das Album möge manchen „ein wenig introvertiert“ vorkommen. Er wählte es trotzdem zu seiner Jazz-CD des Jahres. Man kann beides stehen lassen. Die Platte drängt sich nicht auf. Sie wartet, bis man zuhört.

05Warum es einen Abend trägt

Neunundfünfzig Minuten, zehn Lieder, keine Worte. Wer zum ersten Mal ein ganzes Jazzalbum hört, findet hier einen leichten Einstieg, weil jedes Stück eine Melodie hat, an der man sich festhalten kann. Und wer viel Jazz hört, findet unter dieser Melodie genug, um beim zweiten Mal anders zuzuhören.

Der Bogen ist ruhig. Die Platte fängt freundlich an, mit „Song-Song“, einem Stück, das schon im Titel sagt, was es sein will. In der Mitte stehen Radiohead und die lange Ballade, dann kommt Nick Drake, dann der hellere Moment mit „Young at Heart“. Was alles zusammenhält, ist der Ton des Trios: nah, leise, ohne Effekt.

Am Ende: Sehnsucht

Das letzte Stück hat einen deutschen Titel. „Sehnsucht“ ist eine Komposition von Mehldau, knapp fünf Minuten lang. Der Titel passt zu dem, was ihn damals beschäftigte: Er hörte viel Brahms, Schubert und Schumann, die Musik der deutschen Romantik. Ein Jahr später sollte das auf Elegiac Cycle hörbar werden.

Hier ist es noch ein Lied, kein Zyklus. Kein großes Finale, kein Schlussakkord, der sich ankündigt. Die Platte hört auf, wie sie angefangen hat: mit einer Melodie, die man nach dem Hören noch eine Weile im Kopf hat. Mit knapp einer Stunde passt das Album gut in einen Abend.

Welches Lied haben Sie zuerst in einer anderen Fassung kennengelernt – und welche ist Ihnen heute lieber?