The Look of Love

In diesem Artikel

1. 01Der besondere Moment
2. 02Wie The Look of Love entstand
3. 03Der Klang
4. 04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert
5. 05Warum es einen Abend trägt

01Der besondere Moment

Das Album beginnt mit einem Lied von George und Ira Gershwin. „’S Wonderful“ stammt aus dem Musical Funny Face von 1927 und wird meistens schnell und fröhlich gesungen. Hier nicht. Hier kommt es als Bossa Nova, ruhig und gleichmäßig. Dori Caymmi spielt Gitarre, Jeff Hamilton Schlagzeug, Paulinho da Costa Perkussion, Christian McBride Bass. Darüber liegen Streicher. Diana Krall singt leise, fast beiläufig.

Wer das Lied aus alten Musicalfilmen kennt, braucht einen Moment, bis er es erkennt. Die Melodie ist dieselbe, aber das Tempo ist ein anderes. Aus einer Freudennummer wird etwas Nachdenkliches.

Ein Lied, das es schon einmal gab

Ganz neu ist diese Idee nicht. 1977 nahm der brasilianische Sänger und Gitarrist João Gilberto das Album Amoroso auf. Es beginnt ebenfalls mit „’S Wonderful“ als Bossa Nova. Die Streicher hatte Claus Ogerman arrangiert, produziert hatten Helen Keane und Tommy LiPuma. Auf Amoroso steht auch „Besame Mucho“.

Auf The Look of Love stehen beide Lieder wieder. Arrangiert hat erneut Ogerman, produziert hat wieder LiPuma. Eine Kopie ist es trotzdem nicht. Gilberto begleitete sich selbst auf der Gitarre. Krall sitzt zwar am Klavier, überlässt die Musik aber meist den anderen.

Robert Sullivan beschrieb die Wirkung im Oktober 2001 im Time Magazine. Aus der Entfernung könne man das für Musik zu einer Cocktailparty halten. Wer näher herangehe, werde hineingezogen. Das trifft den Anfang ziemlich genau.

02Wie The Look of Love entstand

Diana Krall war 36, als sie das Album aufnahm. Es ist ihr sechstes Studioalbum und das vierte mit Tommy LiPuma als Produzent. Zusammen arbeiteten die beiden seit 1995. Der Vorgänger When I Look in Your Eyes von 1999 hatte Streicherarrangements von Johnny Mandel und einen Grammy gewonnen. Für das nächste Album holte LiPuma einen Arrangeur, mit dem er seit Jahrzehnten arbeitete.

Über ihr Verhältnis zu LiPuma sagte Krall, nach sechs Jahren könne man sich alles sagen. Das passt zu dem, was das Album verlangte: Eine Sängerin, die sonst vom Klavier aus führt, gibt einen großen Teil der Musik an ein Orchester ab.

Drei Studios, zwei Orchester

Aufgenommen wurde in drei Abschnitten: vom 22. bis 27. Januar, vom 9. bis 11. März und am 3. und 4. Juni 2001. Die Studios waren Avatar in New York, Capitol in Hollywood und Abbey Road in London. In London spielte das London Symphony Orchestra, in Los Angeles ein Studioorchester, das auf der Platte Los Angeles Session Orchestra heißt. Ogerman dirigierte selbst.

Auch die Band teilt sich. Auf einem Teil der Stücke spielen Jeff Hamilton und der Gitarrist Dori Caymmi, auf einem anderen Peter Erskine, früher Schlagzeuger bei Weather Report, und der Gitarrist Russell Malone. Bei zwei Stücken kommen Romero Lubambo an der Gitarre und Luis Conte an der Perkussion dazu. Nur einer ist überall dabei: Christian McBride am Bass.

Aufgenommen und abgemischt hat Al Schmitt. Er erzählte später, Krall habe in ein Mikrofon gesungen, das Frank Sinatra gehört hatte. Insgesamt wurden 17 Lieder aufgenommen, zehn kamen auf das Album. Es erschien am 18. September 2001 bei Verve.

03Der Klang

The Look of Love ist ein leises Album. Die meisten Stücke sind langsam, die Streicher spielen weich und breit, die Rhythmusgruppe bleibt zurückhaltend. Krall singt tief und ruhig. Sie drückt nicht auf einzelne Wörter. Sie lässt sie stehen.

Das Klavier tritt dabei deutlich zurück. Manche Kritiker hat das gestört. John Kreicbergs schrieb bei PopMatters, ihr Klavierspiel sei „auf den meisten Stücken praktisch nicht vorhanden“. Doug Ramsey lobte in JazzTimes Auswahl und Arrangements und fand, ihr Gesang sei mit jedem Album besser geworden. Er hoffte aber, die Plattenfirma werde das Klavier nicht noch weiter nach hinten schieben.

Den Faden durch alle Besetzungen zieht Christian McBride. Er spielt auf jedem Titel, mit Hamilton wie mit Erskine, mit dem Orchester in London wie mit dem in Los Angeles. Er spielt selten mehr als nötig: tiefe, runde Töne, die das Tempo halten, auch wenn die Streicher sich darüber frei bewegen. Ohne ihn würden die beiden Hälften des Albums vermutlich weiter auseinanderfallen.

Ein Studio wie ein Wohnzimmer

Für den Klang bekam Al Schmitt 2002 den Grammy für das beste technisch aufgenommene Album außerhalb der Klassik. Man hört, warum. Stimme, Bass und Streicher stehen klar nebeneinander, nichts verschwimmt, auch nicht in den dichten Orchesterstellen.

Schmitt beschrieb die Stimmung bei den Aufnahmen später so, zitiert bei uDiscover Music: „Es wurde wie unser Wohnzimmer.“ Das hört man vor allem den kleinen Besetzungen an. Wo nur Gitarre, Bass und Perkussion spielen, klingt das Album fast privat.

04Warum dieses Album als Ganzes funktioniert

Die zehn Lieder stammen aus mehreren Jahrzehnten. Das älteste ist „’S Wonderful“ von 1927, das jüngste „The Look of Love“ von 1967. Dazwischen stehen Stücke von Johnny Mercer, Hoagy Carmichael und Arthur Schwartz, dazu „Besame Mucho“ der mexikanischen Komponistin Consuelo Velázquez. Fast alle handeln von der Liebe, und die meisten davon, dass sie vorbei ist oder noch nicht da.

Zusammen hält das Album vor allem einer: Ogerman. Jedes Arrangement stammt von ihm, und alle folgen demselben Gedanken. Das Orchester begleitet, es kommentiert nicht.

Ein ruhiger Wechsel

In der Reihenfolge steckt ein Muster. Die Stücke mit dem Londoner Orchester stehen auf den geraden Plätzen: „Love Letters“, „Cry Me a River“, „The Night We Called It a Day“, „I Get Along Without You Very Well“ und „Maybe You’ll Be There“. Dazwischen liegen die Stücke aus Los Angeles, mit Gitarre und Perkussion, oft im Bossa-Rhythmus. Langsam und etwas bewegter wechseln sich ab, ohne dass einer der Wechsel hart wäre.

Das Album wurde Kralls bis dahin größter Erfolg. In Kanada kam es als erstes ihrer Alben auf Platz 1, in den USA auf Platz 9 der Billboard-Charts, in Deutschland auf Platz 15. Es gewann den Juno als Album des Jahres. Nicht alle waren überzeugt. Ein Kritiker der Zeitschrift Cosmopolis fand es „eine Spur zu poliert, zu sauber“.

05Warum es einen Abend trägt

Rund 50 Minuten, zehn Lieder. Das Album ist kurz genug, um es in einem Zug zu hören, und lang genug, um darin anzukommen. Am Stück gehört, wirkt es weniger wie eine Sammlung von Standards als wie ein einziger ruhiger Gedanke.

Der Bogen ist flach, und das ist Absicht. Es gibt keinen großen Ausbruch und keinen schnellen Titel, der die Stimmung bricht. „Besame Mucho“ in der Mitte ist mit über sechs Minuten das längste Stück und das dunkelste. Danach wird es wieder leichter, mit „Dancing in the Dark“ und dem Titelstück.

Der letzte Titel

Am Ende steht „Maybe You’ll Be There“, eine Ballade von Rube Bloom und Sammy Gallop. Es geht um das Warten auf jemanden, von dem man nicht weiß, ob er wiederkommt. Noch einmal spielt das Londoner Orchester, noch einmal sehr langsam.

Das Album hört nicht mit einem Schlusspunkt auf, sondern mit einer offenen Frage. Was es zusammenhält, ist dieser eine Ton: leise, geduldig, ohne Eile.

Welches dieser zehn Lieder kannten Sie schon, bevor Sie dieses Album gehört haben – und in wessen Stimme?